Elementer af Abstraktion - Elizabeth Gourlay i et Interview

Elizabeth Gourlay betragter sit værk som en meditation over former og farver og sammenligner sommetider sin atelierpraksis med processen med at komponere musik. Ved hjælp af en blanding af medier, der spænder fra olie til grafit og collage, skaber Gourlay abstrakte kompositioner, som refererer til et æstetisk vokabularium, der er sublimt afbalanceret mellem natur og geometri. Gourlay bor i Chester, Connecticut, og har værker med på fire gruppeudstillinger denne måned i New York, Connecticut og Massachusetts. IdeelArt fik mulighed for at tale med hende om hendes praksis, hendes udstillingskalender og hendes nye værkserie.

Interview med Elizabeth Gourlay - Nylige udstillinger og aktiviteter

IdeelArt: Du har en travl måned! Denne måned deltager du i fire gruppeudstillinger i fire forskellige byer. Når du befinder dig i en periode som denne, hvor mange forskellige beskuere får mulighed for at møde dit værk, finder du så stadig tid til at være aktiv i atelieret, eller foretrækker du at være i gallerierne, hvor du kan interagere med beskuerne og mærke deres reaktion på dit værk?

Elizabeth Gourlay: Det er første gang, jeg har haft så meget aktivitet på én gang. Det er spændende, men jeg er så vant til at give soloudstillinger min udelte opmærksomhed, at jeg nu måtte gå glip af en fernisering for at deltage i en anden. Men når kunstværkerne er afleveret, bliver tiden igen min egen. Selvom jeg er meget ivrig efter at komme ind i atelieret efter selv en kort periode med aktiviteter, der holder mig væk, nyder jeg også den interaktion, der opstår i galleriet, hvor jeg taler med andre kunstnere og venner under ferniseringer og andre galleriarrangementer. Abstrakt kunst er et sprog, og samtaler med beskuere, især kunstnere og venner under arrangementer, opbygger en følelse af modstandskraft i de nye udtryk, vi finder frem til.

IA: Du udstiller denne måned på idylliske, landlige steder som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, såvel som i tæt befolkede bycentre som 1285 Avenue of the Americas Gallery i Midtown Manhattan. På hvilke måder har beskuere i markant forskellige miljøer reageret forskelligt på dit værk?

E.G. I begge tilfælde var publikum visuelt sofistikeret og virkede engageret og positivt. I New York City virkede de generelt mere talende, idet de lettere stillede spørgsmål og gav udtryk for deres meninger. Jeg tror, at beskuerne i New York havde en tendens til at gå tættere på værkerne!

IA: På hvilke måder har samtaler eller andre former for interaktion med beskuere påvirket retningen for din praksis?

E.G. Jeg forsøger ikke at lade mig påvirke af beskuernes reaktioner, men uundgåeligt vil en positiv respons på en ny retning, som jeg er begejstret for i arbejdet, have en tendens til at påvirke mig til at fortsætte med at udforske den vej. Det er altid interessant at opleve forskellene i folks meninger og hvordan og hvorfor, de drages af forskellige værker.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypi på papir. 40.6 x 38.1 cm.

Fortid og nutid

IA: Hvordan adskiller det værk, du skaber i dag, sig fra det værk, du har skabt tidligere? 

E.G. Mit værk fra omkring 1994 var meget ofte gitterbaseret og i et kvadratisk format. Det blev opbygget i lag af farveudvaskninger og tegnede linjer. Omkring 2005 begyndte jeg at lege med langt dristigere geometriske former og mættede farver. Siden da har jeg bevæget mig frem og tilbage mellem dristige, stærke former og farver og værker, der er mere delikate og afdæmpede, og lejlighedsvis kombineret de to. Værkerne begynder ofte på en lignende måde, men kan ende meget forskelligt. Den største forandring er nok den frihed, jeg tillader mig selv i skabelsesprocessen.

IA: Du henviser sommetider til meditation, når du taler om dit værk. Kan du uddybe, hvad det ord betyder i relation til din kunst? Betragter du for eksempel processen med at skabe værket som meditativ? Betragter du det færdige værk som en mulig meditativ mellemmand for beskuere? 

E.G. Jeg betragter processen som meditativ. Jeg forsøger ikke at tage for mange idéer med ind i atelieret, måske en idé om en farve eller en form. Når jeg begynder at arbejde, lader jeg det indre blik, det ubevidste sind, reagere på værket og lede mig til at indfange det uhåndgribelige mentale element, som kan være fjernt og samtidig så nærværende. Som regel opstår mit bedste værk, når mine tanker ikke er overfyldte, når jeg er i harmoni med værket. Uanset om jeg tegner direkte eller lægger farveudvaskninger i lag, nyder jeg oplevelsen af at lade værket træde frem. Jeg kan ikke formulere det bedre end Paul Klee, som sagde: “min hånd er helt og holdent et instrument for en fjernere sfære.” Jeg arbejder ikke med den hensigt at skabe noget til en andens oplevelse, men jeg er åben over for deres reaktion og fortolkning. Jeg har mødt mennesker, der lever med værkerne, og som ofte siger, at det at se på værket giver dem fred, rolig glæde, eller at værket virker jordforbindende. Så jeg er sikker på, at det er meget gyldigt at betragte de færdige værker som meditative mellemled, men jeg vil lade dem, der lever med værkerne, og eksperter i sind og meditation foretage den bedste vurdering. Hvis et ikon eller et meditativt mellemled er et objekt, der giver rolig glæde eller en jordforbindende fred, så ja, jeg får ofte at vide, at mine værker har disse virkninger.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypi på papir. 38.1 x 40.6 cm.

Om processen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musik og dens evne til at kommunikere følelser på et abstrakt niveau. Du skaber også forbindelser mellem musik og dit værk. En af de forbindelser, du drager, er, at dit visuelle vokabularium af linjer og farver kan fortolkes som en reference til musikalske skalaer. Hvilke andre måder deler din proces eller dine kunstværker fællestræk med musikalsk komposition?      

EG: Jeg tænker ikke bevidst på musik eller musikalsk komposition. Men det store antal mennesker, der forbinder det med musik, må betyde, at der er noget i analogien. Jeg lytter ofte til musik, når jeg arbejder, og jeg lærte at spille klaver som barn, så det kan have indflydelse på værket. Jeg “komponerer” på en måde, der kan virke beslægtet med musikalsk komposition, især i processen med at lege med bjælker, linjer og farveblokke. At flytte dem rundt på billedfladen minder meget om at have noder og akkorder forskellige steder i et partitur. 

IA: Fortæl lidt om din proces, specifikt om dit forhold til collage. Hvordan påvirker processen med at lægge papir i lag i dit værk dig for eksempel anderledes end maleprocessen? 

EG: Oftest er min maleproces, uanset om jeg arbejder på papir eller lærred, meget direkte. Typisk begynder jeg med at tegne linjer, efterfulgt af farveudvaskninger og derefter formelementer. Jeg forsøger at overraske mig selv med en stærk, uventet form eller en farve, der ligger uden for min sædvanlige palet. Jeg flytter dem rundt for at opnå en balance mellem farve og form. Dette stadium føles som en dans, der fortsætter, hvor formalismen sniger sig ind et øjeblik, og hvor jeg skubber tilbage mod den. Beslutningerne om, hvorvidt de resulterende dristige indtrængninger skal med eller ej, skaber en dynamik, der kan holde mig engageret i et værk i ugevis. Collageværkerne begynder med, at jeg leger med farve, indfarver kanterne med blæk og tegner linjer på japansk papir, hvorefter jeg skærer det i strimler. Jeg collagerer disse omhyggeligt på lærredet, men uden at have en forudfattet komposition eller struktur i tankerne. Efterhånden som værket udvikler sig, begynder jeg at analysere for at lukke redaktøren ind i rummet igen og justere farve eller form, indtil værket føles rigtigt.   

Fremhævet billede: Elizabeth Gourlay i atelieret 

Af IdeelArt-redaktionen

Kilder

• Elizabeth Gourlay: Connecticut-kolorist, Two Coats of Paint: Uafhængig profil, der understøtter hendes tilknytning til Connecticut, hendes farvedrevne praksis og hendes brug af collage, gouache og monotypi.
• Den musikalske maler: Paul Klee, The Sublime Blog: Baggrund om Klees musikalske opvækst og hans citerede udsagn om, at hans hånd er et redskab for en fjern sfære.
• Kandinsky, Om det åndelige i kunsten (Wabash College-tekst): Værtskab for Kandinskys bog, hvor farven sammenlignes med et klaviatur og sjælen med et instrument, kunstneren spiller på.