Elementer af Abstraktion - Elizabeth Gourlay i et Interview

Elizabeth Gourlay betragter sit arbejde som en meditation over former og farver, nogle gange sammenligner hun sin studio praksis med processen at komponere musik. Ved at bruge en blanding af medier, der spænder fra olie til grafit til collage, skaber Gourlay abstrakte kompositioner, der refererer til et æstetisk ordforråd, der sublimt er afbalanceret mellem natur og geometri. Som bosiddende i Chester, Connecticut, har Gourlay værker i fire gruppeudstillinger denne måned, i New York, Connecticut og Massachusetts. IdeelArt havde en chance for at chatte med hende om hendes praksis, hendes udstillingskalender og hendes nye værk.

Elizabeth Gourlay Interview - Seneste Udstillinger og Aktiviteter

IdeelArt: Du har en travl måned! Denne måned er du med i fire gruppeudstillinger i fire forskellige byer. Når du befinder dig i en tid som denne, hvor mange forskellige seere har mulighed for at møde dit arbejde, tager du så stadig tid til at være aktiv i studiet, eller foretrækker du at være i gallerierne og interagere med de seere og absorbere deres reaktion på dit arbejde?

Elizabeth Gourlay: Dette er første gang, jeg har haft så meget aktivitet på én gang. Det er spændende, men jeg er så vant til at give individuelle shows min udelte opmærksomhed, at jeg nu måtte gå glip af en åbning for at deltage i en anden. Men når kunsten er leveret, bliver tiden min egen. Selvom jeg er ekstremt ivrig efter at komme ind i studiet efter selv en kort periode med aktivitet, der tager mig væk, nyder jeg også interaktionen, der sker i galleriet, når jeg taler med medkunstnere og venner under åbninger og andre galleriarrangementer. Abstrakt kunst er et sprog, og at tale med beskuere, især kunstnere og venner under arrangementer, opbygger en følelse af modstandskraft i de nye udtryk, vi finder.

IA: Du har shows denne måned i idylliske, landlige omgivelser, såsom The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, samt i tætbefolkede bycentre, såsom 1285 Avenue of the Americas Gallery i Midtown Manhattan. Hvilke måder har seerne i dramatisk forskellige miljøer reageret forskelligt på dit arbejde?

F.eks. I begge tilfælde var publikum visuelt sofistikerede og så ud til at være engagerede og positive. I New York City så de generelt ud til at være mere verbale, stillede spørgsmål og gav udtryk for meninger mere villigt. Jeg tror, at seerne i New York havde en tendens til at komme tættere på værkerne!

IA: Hvordan har samtaler eller andre former for interaktioner med seerne påvirket retningen af din praksis?

F.eks. "Jeg prøver ikke at lade mig påvirke af seernes reaktioner, men uundgåeligt, hvis responsen er positiv over for en ny retning, som jeg er begejstret for i arbejdet, så har det en tendens til at påvirke mig til at fortsætte med at udforske den vej. Det er altid interessant at opleve forskellen i meninger og hvordan og hvorfor folk tiltrækkes af forskellige værker."

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype på papir. 40,6 x 38,1 cm.

Fortid og Nutid

IA: Hvordan adskiller det arbejde, du laver i dag, sig fra det arbejde, du har lavet tidligere? 

F.eks. Mit arbejde, fra omkring 1994, var meget ofte gitterbaseret og i et kvadratisk format. Det blev opbygget i lag af vasker og tegnede linjer. Omkring 2005 begyndte jeg at lege med meget mere dristige geometriske former og mættede farver. Siden da har jeg vekslet mellem dristige, stærke former og farver og arbejde, der er mere delikat og afdæmpet, lejlighedsvis kombinerende de to. Stykkerne starter ofte på en lignende måde, men kan ende meget forskelligt. Sandsynligvis er den største ændring den frihed, jeg tillader mig selv i skabelsesprocessen.

IA: Du refererer nogle gange til meditation, når du diskuterer dit arbejde. Kan du uddybe, hvad det ord betyder i forhold til din kunst? For eksempel, betragter du processen med at lave arbejdet som meditativ? Betragter du det færdige produkt som en potentiel meditativ formidler for seerne? 

F.eks. Jeg betragter processen som meditativ. Jeg forsøger ikke at bringe for mange idéer ind i studiet, måske en farveidé eller en formidé. Når jeg begynder at arbejde, lader jeg det indre øje, det ubevidste sind, reagere på arbejdet og føre mig til at fange det illusive mentale element, der kan være fjernt og alligevel så til stede. Normalt sker mit bedste arbejde, når mine tanker er ukomplicerede, når jeg er i harmoni med arbejdet. Uanset om jeg tegner direkte eller når jeg lagde vasker, nyder jeg oplevelsen af at lade stykket komme frem. Jeg kan ikke sige det bedre end Paul Klee, der sagde: “min hånd er helt instrumentet for en mere fjern sfære.” Jeg arbejder ikke med nogen intention om at skabe noget til oplevelsen af en anden, men jeg er åben for deres reaktion og fortolkning. Jeg har haft folk, der lever med arbejdet, ofte sige, at det at se på arbejdet giver dem fred, rolig glæde, eller at stykket er jordnært. Så jeg er sikker på, at det at betragte de færdige stykker som meditative mellemled er meget gyldigt, men jeg vil lade dem, der lever med stykkerne, og dem, der er eksperter i sind og meditation, lave den bedste vurdering. Hvis et ikon eller meditative mellemled er et objekt, der giver en rolig glæde, eller en fred, der er jordnær, så ja, jeg får ofte at vide, at mine stykker har disse effekter.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype på papir. 38,1 x 40,6 cm.

Om processen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musik og dens evne til at kommunikere følelser på et abstrakt niveau. Du laver også forbindelser mellem musik og dit arbejde. En forbindelse, du laver, er, at dit visuelle ordforråd af linjer og farver kan tolkes som en reference til musikalske skalaer. Hvad er nogle andre måder, hvorpå din proces eller dine kunstværker deler ligheder med musikalsk komposition?

F.eks.: Jeg tænker ikke bevidst på musik eller musikalsk komposition. Alligevel er antallet af mennesker, der laver den forbindelse til musik, så stort, at der må være noget om analogien. Jeg lytter ofte til musik, når jeg arbejder, og jeg lærte at spille klaver som barn, så dette kan påvirke arbejdet. Jeg "komponerer" på en måde, der kan synes at ligne musikalsk komposition, især i processen med at lege med stænger, linjer og farveblokke. At flytte dem rundt på billedfladen er så ligesom at have toner og akkorder på forskellige steder rundt omkring i et nodeark. 

IA: Tal lidt om din proces, specifikt det forhold, du har til collage. For eksempel, hvordan påvirker processen med at lagdele papir i dit arbejde dig anderledes end maleriprocessen? 

F.eks.: Ofte er min maleriproces, uanset om det er på papir eller lærred, meget direkte. Typisk begynder jeg med at tegne linjer, efterfulgt af farvevaske, efterfulgt af elementer af form. Jeg prøver at overraske mig selv med en stærk uventet form eller en farve væk fra min sædvanlige palet. Jeg flytter disse rundt og prøver at få en balance mellem farve og form. Denne fase føles som en dans, der er vedvarende, hvor formalismen sniger sig ind i et stykke tid, og hvor jeg skubber tilbage imod den. Beslutningerne om, hvorvidt man skal inkludere de resulterende dristige indtrængen, er en slags dynamik, der kan holde mig engageret med et værk i flere uger. Collage-stykkerne starter med at lege med farve, plettende kanter med blæk og tegne linjer på japansk papir og derefter skære disse i strimler. Jeg collager disse på lærredet eller lærredet omhyggeligt, men uden en forudbestemt komposition eller struktur i tankerne. Efterhånden som stykket udvikler sig, begynder jeg at analysere for at tillade redaktøren tilbage i rummet, for at justere farve eller form, indtil stykket føles rigtigt.   

Fremhævet billede: Elizabeth Gourlay i studiet