Elementer af Abstraktion - Elizabeth Gourlay i et Interview

Elizabeth Gourlay betragter sit arbejde som en meditation over former og farver, og sammenligner nogle gange sin atelierpraksis med processen at komponere musik. Ved at bruge en blanding af medier, der spænder fra olier til grafit til collage, skaber Gourlay abstrakte kompositioner, der refererer til et æstetisk sprog, sublimt afbalanceret mellem natur og geometri. Som bosiddende i Chester, Connecticut, har Gourlay værker med i fire gruppeudstillinger denne måned i New York, Connecticut og Massachusetts. IdeelArt fik mulighed for at tale med hende om hendes praksis, hendes udstillingskalender og hendes nye værker.

Elizabeth Gourlay Interview - Seneste udstillinger og aktiviteter

IdeelArt: Du har en travl måned! Denne måned deltager du i fire gruppeudstillinger i fire forskellige byer. Når du befinder dig i en tid som denne, hvor mange forskellige beskuere får mulighed for at møde dit arbejde, finder du så stadig tid til at være aktiv i atelieret, eller foretrækker du at være i gallerierne og interagere med beskuerne og absorbere deres reaktion på dit arbejde?

Elizabeth Gourlay: Det er første gang, jeg har så meget aktivitet på én gang. Det er spændende, men jeg er så vant til at give individuelle udstillinger min fulde opmærksomhed, at jeg nu måtte gå glip af én fernisering for at deltage i en anden. Men når værkerne er afleveret, bliver tiden min egen. Selvom jeg er meget ivrig efter at komme i atelieret efter selv en kort periode med aktivitet, der tager mig væk, nyder jeg også samværet i galleriet, hvor jeg taler med medkunstnere og venner under ferniseringer og andre galleriarrangementer. Abstrakt kunst er et sprog, og samtaler med beskuere, især kunstnere og venner under arrangementer, opbygger en følelse af modstandskraft i de nye udtryk, vi finder.

IA: Du har udstillinger denne måned i idylliske, landlige omgivelser, som The Tremaine Gallery i Lakeville, CT, samt i tætbefolkede bycentre, som 1285 Avenue of the Americas Gallery i Midtown Manhattan. Hvordan har beskuere i så forskellige miljøer reageret forskelligt på dit arbejde?

E.G. I begge tilfælde var publikum visuelt sofistikeret og virkede engagerede og positive. I New York City virkede de generelt mere udtryksfulde, stillede spørgsmål og gav meninger mere åbent. Jeg tror, at beskuerne i New York havde en tendens til at komme tættere på værkerne!

IA: På hvilke måder har samtaler eller andre former for interaktioner med beskuere påvirket retningen af din praksis?

E.G. Jeg prøver ikke at lade mig påvirke af beskuernes reaktioner, men uundgåeligt, hvis responsen er positiv over for en ny retning, som jeg er begejstret for i arbejdet, har det en tendens til at påvirke mig til at fortsætte med at udforske den vej. Det er altid interessant at opleve meningsforskelle og hvordan og hvorfor folk bliver draget mod forskellige værker.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypi på papir. 40,6 x 38,1 cm.

Fortid og nutid

IA: Hvordan adskiller det arbejde, du laver i dag, sig fra det arbejde, du har lavet tidligere? 

E.G. Mit arbejde fra omkring 1994 var meget ofte gitterbaseret og i kvadratisk format. Det blev opbygget i lag af vask og tegnede linjer. Omkring 2005 begyndte jeg at lege med meget mere markante geometriske former og mættede farver. Siden da har jeg vekslet mellem stærke, kraftige former og farver og arbejde, der er mere sart og afdæmpet, nogle gange kombineret de to. Værkerne starter ofte på lignende vis, men kan ende meget forskelligt. Den største forandring er nok den frihed, jeg tillader mig selv i skabelsesprocessen.

IA: Du nævner nogle gange meditation, når du taler om dit arbejde. Kan du uddybe, hvad det ord betyder i forhold til din kunst? For eksempel, betragter du processen med at skabe værket som meditativ? Ser du det færdige produkt som en mulig meditativ mellemstation for beskuerne? 

E.G. Jeg betragter processen som meditativ. Jeg prøver ikke at bringe for mange idéer med ind i atelieret, måske en farveidé eller en formidé. Når jeg begynder at arbejde, lader jeg det indre øje, det ubevidste sind, reagere på arbejdet og føre mig til at fange det flygtige mentale element, som kan være fjernt og alligevel så nærværende. Som regel sker mit bedste arbejde, når mine tanker er uforstyrrede, når jeg er i harmoni med arbejdet. Uanset om jeg tegner direkte eller lægger lag af vask, nyder jeg oplevelsen af at lade værket træde frem. Jeg kan ikke sige det bedre end Paul Klee, der sagde: ”min hånd er fuldstændig instrument for en fjernere sfære.” Jeg arbejder ikke med nogen hensigt om at skabe noget til en andens oplevelse, men jeg er åben for deres reaktion og fortolkning. Jeg har haft folk, der lever med værkerne, som ofte siger, at det at se på værkerne giver dem fred, rolig glæde, eller at værket er jordforbindende. Så jeg er sikker på, at det er meget gyldigt at betragte de færdige værker som en meditativ mellemstation, men jeg vil lade dem, der lever med værkerne og eksperter i sind og meditation, give den bedste vurdering. Hvis et ikon eller en meditativ mellemstation er et objekt, der giver en rolig glæde eller en fred, der er jordforbindende, så ja, får jeg ofte at vide, at mine værker har disse virkninger.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypi på papir. 38,1 x 40,6 cm.

Om processen

IA: Wassily Kandinsky skrev om musik og dens evne til at formidle følelser på et abstrakt plan. Du forbinder også musik med dit arbejde. En forbindelse, du nævner, er, at dit visuelle sprog af linjer og farver kan tolkes som henvisninger til musikalske skalaer. Hvilke andre måder deler din proces eller dine værker fællestræk med musikalsk komposition?      

EG: Jeg tænker ikke bevidst på musik eller musikalsk komposition. Alligevel er der så mange, der forbinder mit arbejde med musik, at der må være noget om analogien. Jeg lytter ofte til musik, når jeg arbejder, og jeg lærte at spille klaver som barn, så det kan have indflydelse på arbejdet. Jeg ”komponerer” på en måde, der kan virke lig musikalsk komposition, især i processen med at lege med streger, linjer og farveblokke. At flytte dem rundt på billedfladen minder meget om at have noder og akkorder forskellige steder på et nodesystem. 

IA: Taler lidt om din proces, især dit forhold til collage. For eksempel, på hvilke måder påvirker processen med at lægge lag af papir i dit arbejde dig anderledes end maleriprocessen? 

EG: Ofte er min maleriproces, uanset om det er på papir eller lærred, meget direkte. Typisk begynder jeg med at tegne linjer, efterfulgt af farvevask, og derefter elementer af form. Jeg prøver at overraske mig selv med en stærk, uventet form eller en farve uden for min sædvanlige palet. Jeg flytter dem rundt og prøver at finde en balance mellem farve og form. Dette trin føles som en dans, der fortsætter, hvor formalismen sniger sig ind for en stund, og hvor jeg gør modstand mod den. Beslutningerne om, hvorvidt de markante indslag skal medtages, er en slags dynamik, der kan holde mig engageret i et værk i flere uger. Collageværkerne starter med at lege med farve, farve kanter med blæk og tegne linjer på japansk papir, som derefter klippes i strimler. Jeg limer dem forsigtigt, men uden en forudbestemt komposition eller struktur, på lærred eller stof. Efterhånden som værket udvikler sig, begynder jeg at analysere og lukker redaktøren ind i rummet igen for at justere farve eller form, indtil værket føles rigtigt.   

Fremhævet billede: Elizabeth Gourlay i atelieret