"De laver abstraktion - Et interview med Pompidou-chefkurator Christine Macel"

Centre Pompidou vil skrive historie denne sommer med Elles font l’abstraction – den mest omfattende belysning nogensinde af kvindelige kunstneres bidrag til udviklingen af abstrakt kunst. Pompidous chefkurator Christine Macel samlede mere end 500 værker af 106 kunstnere til udstillingen. Langt fra blot at fylde gallerier med kunst, benyttede Macel denne lejlighed til at vise, hvad en kurators rolle virkelig er – kuratorer skriver, og i deres bedste form retter, kunsthistorien. Dusinvis af de kunstnere, hun valgte, vil være velkendte for publikum. Mange andre vil være helt nye, selv for eksperter på området. Det skyldes, at Macel og hendes team har udført det utroligt hårde arbejde med at opdage og sætte fokus på globale kvindelige stemmer, som på trods af deres geni og indflydelse blev udeladt fra den kunsthistoriske kanon. Udstillingen og det tilhørende materiale – herunder tekster, film og forelæsninger – spænder fra 1860’erne til 1980’erne og vil for altid ændre vores forståelse af abstraktionens udvikling som et plastisk sprog. Efter mit nylige interview med Macel er jeg kommet til at tro, at det kun er begyndelsen. Vores samtale følger nedenfor.

Tak fordi du taler med os, Christine. Jeg har været fan af dit arbejde siden du kuraterede Venedig Biennalen i 2017. Er Elles font l’abstraction det mest ambitiøse institutionelle forsøg, du kender til, på at anerkende kvindelige abstrakte kunstneres internationale bidrag på passende vis?

Ja, bestemt. Derfor besluttede jeg at lave denne forskning og udstilling. Der var tydeligvis en proces, hvor kvindelige kunstnere blev usynliggjort i abstraktionshistoriografien.

Hvad var den største udfordring ved at bringe denne udstilling til Centre Pompidou?

Låneprocessen og budgetspørgsmålene samt pandemisituationen. Men jeg må sige, at der var en utrolig støtte fra museer og private samlere over hele verden samt sponsorer. Midt i pandemien kunne jeg regne med støtte fra Van Cleef and Arpels, Luma Foundation, Pompidous Venner osv., som var afgørende for at realisere dette projekt. For ikke at nævne samarbejdet med Guggenheim Bilbao, som var helt centralt for denne udstilling. Mange kunsthistorikere og forskere har også været meget støttende. Først og fremmest Griselda Pollock, som er en af de mange forfattere til kataloget og vores æresgæst ved symposiet med Aware-foreningen. Kunstnerne selv var også meget begejstrede. Det var et stort energiboost! Jeg havde gode samtaler med Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud og Jessica Stockholder, for blot at nævne nogle få.

Netop disse fire kunstnere har så forskellige billedsprog. Det er forfriskende at se det utroligt brede spektrum af visuelle udtryk repræsenteret i denne udstilling.

Mit budskab er at åbne definitionen af de medier, som abstraktionen omfatter, i overensstemmelse med kunstnernes egne positioner. Spiritualisme, dans, dekorationskunst, fotografi og film har været en del af denne historiografi. Jeg vil også understrege hver kunstner som særlig og original.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Venligst udlånt af Caland-familien. Foto Elon Schoenholz, venligst udlånt af Caland-familien

Hvilken stemning håber du at sætte med denne udstilling?

En eksplosion af glæde og fornøjelse; beundring og respekt for alle disse kunstnere; en bevidsthed om den lange vej foran os for virkelig at uddybe denne historie.

Så mange kunstnere i denne udstilling har aldrig modtaget ordentlig beundring og respekt. Er det stadig en fremmedgørende oplevelse at være kvindelig abstrakt kunstner i dag?

Nej, i dag er vi ikke i en situation med fremmedgørelse, men i en situation med åbenhed, opdagelse og genopdagelser. Døren står vidt åben, og mange museer, kunsthistorikere og unge forskere arbejder på at skabe en anden fremtid.

Du kunne uden tvivl have inkluderet mange flere kunstnere i denne udstilling. Hvordan indsnævrede du dine valg?

Det er en så kompleks proces, at jeg ikke kan beskrive den med få ord. Tilgængelighed af værker, transportomkostninger, pladsforhold osv. er også en del af det endelige resultat. Men jeg har realiseret en stor del af det, jeg ønskede at lave.

Georgiana Houghton - Album of Spirit Art, 1866-84. Billede venligst udlånt af The College of Psychic Studies, London

Var du bange for at udelade nogen afgørende?

Det er mindre en frygt end en vis sorg, en beklagelse, nogle gange, over at være tvunget til at vælge. Udeladelse er altid en del af arbejdet, da historien altid er en delvis fortælling. Denne bevidsthed om den fuldstændige fortællings umulighed er noget, der ligger i kernen af forskning generelt. Kunsthistorien er altid ufærdig og omskrevet. Intet er endeligt, blot et forslag.

Du var 8 år gammel, da du første gang besøgte Centre Pompidou. Hvordan ville din opfattelse som barn have været anderledes, hvis Elles font l’abstraction havde været udstillingen under dit besøg?

Det ville have været en helt anden tilgang. Det tog tid at indse, hvordan kunsthistorien var domineret af mandlige kunsthistorikere og kunstnere. Jeg husker tydeligt de kunstnere, jeg opdagede, da jeg gik på Pompidou som barn: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, alle mænd! Men som ung var jeg meget optaget af kvindelige forfattere: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Jeg husker også, at jeg læste Shere Hite, som stod på samme hylde som Freud på det offentlige bibliotek! Derfor besluttede jeg måske som studerende at skrive mit speciale om Rebecca Horn og oversætte alle hendes film fra tysk til fransk.

For at omformulere det spørgsmål, du stillede i 2017 som leder af det visuelle kunstområde ved Venedig Biennalen: Hvad betyder det at være kvindelig abstrakt kunstner i dag?

Faktisk burde det korrekte være at være kunstner "i sig selv". Vi er forhåbentlig forbi essentialismen nu. Jeg har aldrig tænkt på mig selv som en “kvindelig kurator.” Som jeg plejede at sige, har ingen nogensinde spurgt Okwui Enwezor, om han var far eller gift under sine interviews som leder af Venedig Biennalen. Jeg fandt det meget irriterende altid at blive spurgt om mit køn og min såkaldte situation som “kvinde” i stedet for om mit arbejde. Vi har stadig brug for meget forskning og udstillinger for at nå dette punkt for “kvindelige kunstnere” også. Men døren står nu vidt åben, og der bliver ikke taget et skridt tilbage takket være den yngre generation af kunststuderende.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Joan Mitchells bo © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Så hele din karriere har du fortalt en mere fuldstændig historie om historien. Men abstraktion handler ikke så meget om at fortælle historier som om at udfordre opfattelsen. Betyder denne udstillings tilsynekomst på dette tidspunkt, at du mener, at vores generation har brug for at vende tilbage til mere esoteriske sysler?

Nej, det ville jeg ikke sige. Men i en tid, hvor folk lever med virtualitet og billeder i en parallel verden, for det meste figurativ, føler jeg, at tilstedeværelsen af abstrakt kunst fører os ind i en anden sfære. Den fortæller os om noget, der både er forankret i vores kognitive og åndelige dimensioner. Man kan meget præcist mærke, hvad et abstrakt værk fortæller, om det for eksempel er materielt eller transcendentalt, om det er morsomt eller taktilt, uden ord. Det er lidt som musik. Opfattelsen er nok til at forstå pointerne og endda mærke, hvem kunstneren bag er. I en tid, hvor kunsten nogle gange er alt for tungt belastet med forklaringer og parallelle diskurser, elsker jeg at være sammen med værker, der “taler” af sig selv.

Vores tak til Christine Macel for generøst at give IdeelArt dette interview. Elles font l’abstraction kan ses 5. maj - 23. august 2021 på Centre Pompidou i Paris.

Fremhævet billede: Hilma Af Klint - The Swan, nr. 16, Gruppe IX/SUW, 1915. Venligst udlånt af Hilma af Klint Fonden. Foto: Moderna Museet, Stockholm
Alle billeder anvendt til illustration
Interview af Phillip Barcio