Jackie Saccoccios abstrakte kunst i stor skala

Den elskede amerikanske abstrakte kunstner Jackie Saccoccio er død i en alder af 56 år. Ifølge en erklæring udgivet af Van Doren Waxter, hendes mangeårige gallerist, havde Saccoccio kæmpet mod kræft i de sidste fem år. Nyheden om hendes bortgang kommer som både et chok og en skuffelse for dem, der har haft fornøjelsen af at se hendes værker personligt. Saccoccio var en dedikeret eksperimenterende abstraktionist, som gennem en 30-årig karriere opbyggede et voksende ry, især blandt sine kunstnerkolleger, som en moderne mester. Hendes malerier balancerede på en tynd linje mellem at være skønne genstande, tilgængelige for alle uanset kunstnerisk baggrund, og at være genstande med udsøgt kompleks akademisk værdi, forståelige i deres helhed kun for de mest lærde teoretiske kunstkritikere. I forskellige interviews gennem årene delte Saccoccio gavmildt de mange påvirkninger, der fandt vej ind i hendes arbejde, og afslørede, at hun havde en encyklopædisk nysgerrighed om kunsthistorie. Hun nævnte alle kunstnere fra Hans Holbein til Helen Frankenthaler og alle positioner fra hulemalerier til konceptkunst som medvirkende i udviklingen af hendes visuelle idéer. Hendes teknologiske dygtighed med sit medie skilte hende også ud, da hun utrætteligt udforskede de muligheder, der findes inden for malingens materielle egenskaber. Så meget som der er skrevet kritisk om hendes arbejde, er den simple sandhed om det, Saccoccio skabte, at det bare er en glæde at se på. Som en jazzfan med lukkede øjne, opslugt af musikken i en afsides klub i New Orleans, kan en beskuer, der står foran et Saccoccio-maleri, let og glad fare vild i de lagdelte polyrhythmikker, der uendeligt svømmer i hendes stormfulde farvehav af linjer, former og teksturer. Udover al hendes professionelle og tekniske kunnen var Saccoccio på en eller anden måde i stand til at transportere os et andet sted hen for en stund med sine malerier. Det er en beundringsværdig gave.

Flygtige rum

Saccoccio blev født i Providence, Rhode Island, i 1963. Efter at have opnået sin BFA fra Rhode Island School of Design (RISD) og sin MFA fra The School of the Art Institute of Chicago, flyttede hun til New York City for at begynde sin kunstnerkarriere. Selvom hun var engageret i abstraktion allerede i 1990’erne, tog hendes arbejde en markant drejning i 2000’erne, da hun flyttede ud af sit lille studie i Harlem og flyttede til Connecticut, hvor et meget større arbejdsrum gjorde det muligt for hende at arbejde på flere store malerier samtidig. Det øgede rum tillod ikke kun Saccoccio at arbejde på flere malerier på én gang, da hun kunne lade flere malerier tørre samtidigt – det skabte også det mentale rum, der gjorde det muligt for hende at nå et gennembrud i sin metode: en teknik, hvor den våde maling fra ét maleri drypper ned og tjener som udgangspunkt for et andet maleri.

Saccoccio sagde engang, at hendes teknik med at bruge ét maleri til at starte et andet mindede hende om den romerske myte om Narcissus og Echo. I den historie er Narcissus besat af sit eget spejlbillede. Echo er forelsket i Narcissus, men hun er ramt af en forbandelse, der kun tillader hende at gentage andres ord. Saccoccio presser et vådt lærred mod et andet og skaber en materiel refleksion, en slags visuel ekko, som bliver udgangspunktet for det næste maleri. Som i historien om Narcissus og Echo, der ender med, at de to hovedpersoner tragisk visner bort, var Saccoccio altid interesseret i at formidle temaet om forgængelighed med sine malerier. En måde, hun opnåede dette på, var ved konstant at dreje maleriet under arbejdet, så det færdige værk syntes at blive trukket i alle retninger på én gang af tyngdekraften, som om billedet blev revet fra hinanden og gik i opløsning lige foran vores øjne.

Jackie Saccoccio, Femme Brut, installationsudsigt hos Van Doren Waxter, 2020

Svar i formen

Det var også vigtigt for Saccoccio, at beskuerne følte, at hendes malerier indeholdt det, hun kaldte “svar.” Hun fik en åbenbaring engang, mens hun kiggede på de klassiske portrætter i Thyssen-Bornemisza-museet i Madrid. Hvert portræt syntes for hende at have en dyb tilstedeværelse, der gik ud over figuren – noget, der havde mindre at gøre med personen og mere med malingen, eller teksturen, eller lyset. I 2012 præsenterede Saccoccio en række store malerier, som hun kaldte Portrætter, og som hun sagde voksede ud af den åbenbaring. Hvert af hendes portrætter indeholder en amorf, men umiskendelig form, der besidder en lignende visuel tilstedeværelse. Dækket af 50 eller flere lag maling og utallige mærker, farver og teksturer nyder disse portrætter kompleksiteten og forvirringen. Alligevel lykkedes det Saccoccio at give hvert af dem sit eget ligefremme svar, om end uklart, i den æteriske tilstedeværelse af en central form.

Mens hun lavede sine malerier, var Saccoccio omhyggelig med aldrig at viske ud; men kun at tilføje. Det var vigtigt for hende, at hvert øjeblik i processen var indeholdt i det færdige værk. Selv om vi ikke præcist kan se alt under lagene, kan vi måske på et eller andet plan fornemme fortidens vægt i impasto-rillerne eller i den subtile effekt af underfarverne. Hun kaldte denne idé om at præsentere alt på én gang en form for “psykologisk kubisme,” med henvisning til kubismens princip om at vise flere samtidige perspektiver. At se tilbage på de udsagn, Saccoccio gav om sit arbejde, har øget min respekt for denne kunstner og for den værdsættelse, hun havde for menneskets oplevelsesmangfoldighed. Jeg finder det så modigt, at hun på den ene side sagde, at hendes arbejde handler om forgængelighed, mens hun på den anden side sagde, at det indeholder svar. Nogle vil måske betragte det som en modsætning, men jeg er enig med Saccoccio i, at forgængelighed er det eneste svar. Søtheden i det arbejde, Saccoccio efterlod os til at overveje, er lidt honning til at hjælpe os med at sluge den bitre pille.

Fremhævet billede: Jackie Saccoccio i sit studie i Connecticut, november 2019. Foto af Charles Benton, venligst udlånt af Van Doren Waxter, NY.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio