Vigtigheden af tekstur i abstrakt kunst

Bredt set er der to kategorier af tekstur i kunst, ligesom i livet: ru og glat. Begge kan være hårde eller bløde, våde eller tørre, organiske eller syntetiske osv. Og uendelige grader af ruhed og glathed er mulige. Men en nøgleforskel adskiller den funktion, tekstur udfører i livet, fra funktionen af tekstur i kunst. I livet kan tekstur være et spørgsmål om overlevelse. Vores opfattelse af, om noget er glat, slimede, skællede eller fuzzy, kan betyde forskellen mellem liv og død. Tekstur i kunst er mindre alvorlig. De fleste kunstværker er ikke engang beregnet til at blive rørt ved. Og selv når et kunstværk kan røres ved, relaterer dets tekstur sig mere til vores æstetiske oplevelse end til vores fortsatte eksistens. Ikke desto mindre er tekstur en vigtig del af vores interaktion med kunst. Det er et af de syv formelle kunstneriske elementer, sammen med linje, farve, form, værdi og rum. Det kan påvirke humør, fremkalde psykologiske associationer, bringe opmærksomhed til et medium eller aflede vores fokus mod de materialer, der er brugt i et værk. Bruges det dygtigt, kan tekstur endda udfordre vores opfattelse af, hvad der er virkeligt.

Drama og lys

En af de tidligste måder, abstrakte malere eksperimenterede med tekstur, er gennem en proces kaldet impasto. Når vi siger, at et maleri er impasto, mener vi, at maleren har påført malingen på overfladen i tykke lag. Et impasto-værk betragtes som malerisk, da det fremhæver de fysiske mærker lavet af maleren. Postimpressionistiske malere som Van Gogh brugte impasto til at skabe drama og til at påvirke, hvordan lyset interagerede med overfladen af deres billeder, da impasto-lag skaber skygger og højdepunkter. Abstrakte ekspressionistiske malere som Jackson Pollock bruger tykt lagdelt maling til at bringe opmærksomhed til malerhandlingen og til at afsløre kunstnerens personlighed og individuelle teknik.

Modsat af impasto tekstur er fladhed. Kunstnere som Helen Frankenthaler og Kenneth Noland farvede deres lærreder ved at hælde tyndet maling direkte på ubehandlede lærreder for at fusionere overfladen med malingen. Deres flade teksturer afledte fokus fra kunstnerens fysiske gestusser og opfordrede til overvejelse af andre elementer som farve, overflade og rum. Tidlige abstrakte kunstnere som Kazimir Malevich malede også flade, ikke-maleriske billeder. Interessant nok har mange af de ikoniske flade malerier, Malevich malede, såsom Black Square, med alderen fået teksturer, der er meget forskellige fra, hvad kunstneren havde til hensigt. Det er fascinerende at overveje, om den betydning, som seerne opfatter i sådanne værker, er blevet ændret af ændringen i tekstur.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

Fysisk vs. Visuel Tekstur

Tekstur i kunst kan opfattes på mindst to måder: gennem berøring (fysisk tekstur) og gennem syn (visuel tekstur). Fysisk tekstur giver et kunstværk en følelse af objekt-hed. Det forbinder det med den konkrete fysiske verden. Den italienske kunstner Alberto Burri brugte fundne materialer for at skabe fysiske teksturer i sine værker, der kunne fremkalde primale følelsesmæssige reaktioner hos beskueren. Koreanske Dansaekhwa kunstnere og kunstnere tilknyttet den japanske avantgarde Gutai Group lagde også vægt på materialitet, idet de troede, som det blev sagt i Gutai-manifestet, “at ved at fusionere menneskelige egenskaber og materielle egenskaber, kan vi konkret forstå abstrakt rum.”

Andre kunstnere er mere interesserede i potentialerne i visuel tekstur. Malerierne af den britiske Op Art-maler Bridget Riley er helt flade, men narer øjet til at opfatte teksturerede bølger og dimensionelle lag. Abstrakte fotografer leger også med visuel tekstur. Den canadiskfødte abstrakte fotograf Jessica Eaton bygger tredimensionelle objekter og fotograferer dem derefter med flere filtre. Hendes flade tryk ser ud til at være uden tekstur, men ved nærmere eftersyn træder de fysiske teksturer af de objekter, hun har bygget, frem, hvilket forvirrer øjet med hensyn til, om det opfatter teksturer, der er virkelige eller imaginære.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

Tekstur i Abstrakt Skulptur

Abstrakte kunstnere, der arbejder i tredimensionel rum, nyder yderligere muligheder for at håndtere elementet af tekstur, fordi deres arbejde oftere er beregnet til at blive rørt ved. Jesús Rafael Soto skaber storskala, tredimensionale skulpturer kaldet Penetrables, som seerne går igennem, hvilket gør, at den glatte, syntetiske tekstur af tentaklerne omslutter dem som en del af deres æstetiske oplevelse. Og kunstnere som Henry Moore, der har lavet adskillige offentlige, udendørs skulpturer, har muligheden for at demonstrere, hvordan tid, menneskelige hænder og elementerne forvandler det essentielle karakter af et kunstværk over tid.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

Tekstur er af største betydning for vores forståelse af abstrakt kunst. Hvad ville de Specifikke Genstande lavet af Donald Judd betyde for os, hvis ikke for deres glatte, højglans, industrielle tekstur, som var integreret i deres status som minimal, moderne værker? Og hvordan ville den berygtede Genstand, et pelsbeklædt kaffesæt af den tyskfødte schweiziske kunstner Meret Oppenheim, være blevet et ikon for Surrealisme uden sin uhyggelige tekstur? Uanset om de er ment til at blive set, rørt ved, eller begge dele, kan vi ved at overveje teksturen af abstrakt kunst relatere til den på nye niveauer, hvilket kan påvirke vores forståelse, fordybe vores værdsættelse og transformere den betydning, vi opfatter i værket.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

Fremhævet billede: Alberto Burri - Cretto (detalje), 1975. Acrovinyl på cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio