Vigtigheden af tekstur i abstrakt kunst
Overordnet set findes der to kategorier af tekstur i kunsten, ligesom i livet: ru og glat. Begge kan være hårde eller bløde, våde eller tørre, organiske eller syntetiske osv. Og uendelige nuancer af ruhed og glathed er mulige. Men en væsentlig forskel adskiller den funktion, tekstur har i livet, fra den funktion, tekstur har i kunsten. I livet kan tekstur være et spørgsmål om overlevelse. Vores opfattelse af, om noget er glat, slimede, skællet eller dunet, kan betyde forskellen på liv og død. Tekstur i kunsten er mindre alvorlig. De fleste kunstværker er ikke engang beregnet til at blive rørt ved. Og selv når et kunstværk kan røres ved, relaterer dets tekstur mere til vores æstetiske oplevelse end til vores fortsatte eksistens. Ikke desto mindre er tekstur en vigtig del af vores samspil med kunsten. Det er et af de syv formelle kunstneriske elementer sammen med linje, farve, form, figur, værdi og rum. Det kan påvirke stemningen, vække psykologiske associationer, henlede opmærksomheden på et materiale eller aflede vores fokus mod de materialer, der er brugt i et værk. Bruges det dygtigt, kan tekstur endda udfordre vores opfattelse af, hvad der er virkeligt.
Drama og Lys
En af de tidligste måder, abstrakte malere eksperimenterede med tekstur på, er gennem en teknik kaldet impasto. Når vi siger, at et maleri er impasto, mener vi, at maleren har påført malingen i tykke lag på overfladen. Et impasto-værk betragtes som malerisk, da det fremhæver de fysiske mærker, maleren har lavet. Postimpressionistiske malere som Van Gogh brugte impasto til at skabe drama og påvirke, hvordan lyset spillede på overfladen af deres billeder, da impasto-lag skaber skygger og højlys. Abstrakte ekspressionistiske malere som Jackson Pollock bruger tykt lagdelt maling for at henlede opmærksomheden på selve maleriet og for at afsløre kunstnerens personlighed og individuelle teknik.
Det modsatte af impasto-tekstur er fladhed. Kunstnere som Helen Frankenthaler og Kenneth Noland farvede deres lærreder ved at hælde tynd maling direkte på ugrundede lærreder for at smelte overfladen sammen med malingen. Deres flade teksturer afledte fokus fra kunstnerens fysiske bevægelser og opfordrede til eftertanke over andre elementer som farve, overflade og rum. Tidlige abstrakte kunstnere som Kazimir Malevich malede også flade, ikke-maleriske billeder. Interessant nok har mange af de ikoniske flade malerier, Malevich malede, såsom Black Square, med tiden fået teksturer, der er meget anderledes, end kunstneren havde tiltænkt. Det er fascinerende at overveje, om den mening, beskueren opfatter i sådanne værker, er blevet ændret af teksturens forandring.
Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Olie på hør. 79,5 x 79,5 cm. Tretyakov-galleriet, Moskva
Fysisk vs. Visuel Tekstur
Tekstur i kunsten kan opfattes på mindst to måder: gennem berøring (fysisk tekstur) og gennem syn (visuel tekstur). Fysisk tekstur giver et kunstværk en følelse af genstandskarakter. Det forbinder det med den konkrete fysiske verden. Den italienske kunstner Alberto Burri brugte fundne materialer for at skabe fysiske teksturer i sine værker, der kunne vække grundlæggende følelsesmæssige reaktioner hos beskueren. Koreanske Dansaekhwa-kunstnere og kunstnere tilknyttet den japanske avantgarde Gutai Group lagde også vægt på materialitet, idet de, som det hedder i Gutai-manifestet, “ved at forene menneskelige egenskaber og materialers egenskaber kan vi konkret forstå abstrakt rum.”
Andre kunstnere er mere interesserede i mulighederne i visuel tekstur. Malerierne af den britiske Op Art-maleren Bridget Riley er helt flade, men nar øjet til at opfatte teksturerede bølger og tredimensionelle lag. Abstrakte fotografer leger også med visuel tekstur. Den canadiskfødte abstrakte fotograf Jessica Eaton bygger tredimensionelle objekter og fotograferer dem med flere filtre. Hendes flade tryk synes at være uden tekstur, men ved nærmere eftersyn træder de fysiske teksturer af de objekter, hun har bygget, frem og forvirrer øjet om, hvorvidt det opfatter teksturer, der er virkelige eller forestillede.
Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigmenttryk. © Jessica Eaton (venstre) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion på plade. © Bridget Riley (højre)
Tekstur i Abstrakt Skulptur
Abstrakte kunstnere, der arbejder i tredimensionelt rum, har flere muligheder for at arbejde med elementet tekstur, fordi deres værker oftere er beregnet til at blive rørt ved. Jesús Rafael Soto skaber store, tredimensionelle skulpturer kaldet Penetrables, som beskueren kan gå igennem, hvorved den glatte, syntetiske tekstur af trådene omslutter dem som en del af deres æstetiske oplevelse. Og kunstnere som Henry Moore, der lavede adskillige offentlige, udendørs skulpturer, har mulighed for at vise, hvordan tid, menneskehænder og elementerne forvandler et kunstværks væsentlige karakter over tid.
Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetisk skulptur. © Jesús Rafael Soto
Tekstur er af allerstørste betydning for vores forståelse af abstrakt kunst. Hvad ville Specific Objects lavet af Donald Judd betyde for os uden deres glatte, højglansede, industrielle tekstur, som var en integreret del af deres status som minimalistiske, moderne værker? Og hvordan ville det berygtede Object, et pelsbeklædt kaffestel af den tyskfødte schweiziske kunstner Meret Oppenheim, være blevet et ikon for surrealisme uden sin uhyggelige tekstur? Uanset om det er ment til at blive set, rørt ved eller begge dele, kan vi ved at betragte teksturen i abstrakt kunst relatere til den på nye måder, hvilket kan påvirke vores forståelse, uddybe vores påskønnelse og forvandle den mening, vi opfatter i værket.
Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Rustfrit stål og rød Plexiglas, i ti dele. © Donald Judd
Forsidebillede: Alberto Burri - Cretto (detalje), 1975. Acrovinyl på cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
