Impasto-maling i abstrakt kunst

Måske er den mest symbolske bygning i Amerika One World Trade Center i Lower Manhattan. Som centrum for udviklingen, der erstattede de tvillingetårne, der blev ødelagt i 2001, er dens eksistens en stærk erklæring. To massive, abstrakte impasto malerier, der permanent er installeret i lobbyen ved dens sydlige indgang, tilføjer i høj grad til dens symbolik. Bygningen kaldes Frihedstårnet, og det er den højeste bygning på den vestlige halvkugle. Den rejser sig 1776 fod: en bevidst reference til det år, Amerika erklærede sin uafhængighed. De førnævnte impasto-malerier, der pryder væggene i den sydlige lobby, er af den amerikanske kunstner Donald Martiny. Et af malerierne hedder Lenape, og det andet hedder Unami. Titlerne refererer til den prækolumbianske historie i New York. Lenape er den oprindelige stamme, der oprindeligt beboede jorden, hvor Frihedstårnet blev bygget. Unami er en Lenape-dialekt. Øverst på Frihedstårnet er en observationsdækning kaldet One World Observatory. Så langt øjet kan se fra observatoriet, støttede hele det omkringliggende miljø engang Lenape-kulturen. Hvad bliver der kommunikeret med denne bygning? Den blev designet til at mindes et af de værste terrorangreb i menneskehedens historie. Den fremfører ideerne om én verden, frihed, uafhængighed og handel. Den opfordrer besøgende til at tage det lange perspektiv. Og dens mest fremtrædende kunstværker er opkaldt efter dem, der blev undertrykt for at bygge den nation, der er ansvarlig for dens skabelse. Hvilken samtale finder sted her? Hvad er meningen med al denne symbolik? Måske er der noget at lære fra kunstværkerne selv, og fra de abstrakte kvaliteter, impasto maleri repræsenterer.

Skygge og lys

Begrebet impasto stammer fra det italienske ord for dej. I maleri refererer det til teknikken at påføre tykke lag af medium på en overflade for at give et teksturelt dimension til et kunstværk. Den italienske maler Titian fra det 16. århundrede var en af de første kunstnere, der bevidst inkorporerede impasto-teknikker i sine malerier. Han begyndte at bruge teknikken i en tid, hvor malerier blev værdsat for deres glatte overflader og mangel på synlige penselstræk. Som en mesterlig realistisk maler indså Titian, at ved at ophobe maling i bestemte områder på en overflade kunne han skabe variationer i, hvordan lyset reflekterede fra den, hvilket gav elementer af et maleri en livagtig følelse.

Hver impasto maleribørstestræk får gradationer i farve til at fremstå fra skyggerne, der opstår, når lyset rammer den hævede maling. Afhængigt af lysenes position og en tilskuerens synspunkt kan et impasto maleri skifte på subtile måder, hvilket tilføjer variationer i dybde og en forstærket følelse af realisme. I sin egen tid var Titian imod traditionen ved at lade sine penselstræk være synlige og de materielle egenskaber ved sit medium vise sig. Men han var så mesterlig i teknikken, at hans indflydelse hurtigt fik den til at blive populær. I det 17. århundrede inkorporerede Rembrandt berømt impasto maleri i sine værker. Og i det 19. århundrede var teknikken så velanset, at Van Gogh gjorde den til sin varemærkestil.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Abstrakte Udtryk

Omkring århundredeskiftet til det 20. århundrede søgte en gruppe malere kaldet ekspressionisterne efter måder at udtrykke indre følelsesmæssige tilstande i deres malerier i stedet for blot at fange den ydre virkelighed. De adopterede impasto-maling som en af deres foretrukne teknikker. Tyk lagdelt maling besidder mange iboende kvaliteter, såsom vægt, dybde og tyngdekraft. Jo tykkere det påføres, desto mere skygge skaber det. Det abstraherer billeder, hvilket forvrænger den måde, seerne interagerer med emnet på. Ekspressionisterne fandt det ideelt til at kommunikere alvor, intensitet og drama.

Omtrent samtidig med at ekspressionismen fik større betydning, blev abstraktion også en voksende bekymring for mange kunstnere. Impasto-maling viste sig at være en ideel teknik for abstrakte malere, da det hjalp med at flytte fokus fra motivet til de formelle kvaliteter af værket. Et abstrakt impasto-maleri behøver derfor ikke at handle om noget andet end malingen. Hans Hofmann var en særlig indflydelsesrig abstrakt kunstner, der fuldt ud omfavnede impasto-maling. Hofmann mente, at ved at fokusere på de formelle elementer af æstetik i stedet for at efterligne virkeligheden, kunne kunstnere udtrykke dybere sandheder. Han brugte impasto-maling til at udtrykke de abstrakte kvaliteter af struktur, rum, farve, form og illusion.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Skulpturelle Dimensioner

Udover at være maler var Hofmann også lærer. Mange af de studerende, han underviste, såsom Helen Frankenthaler og Lee Krasner, konen til Jackson Pollock, blev førende skikkelser i den abstrakte ekspressionistiske bevægelse. Hofmann havde en dyb indflydelse på, hvordan disse malere relaterede til deres materialer. Da fokus for mange abstrakte ekspressionistiske malere var at formidle deres underbevidste følelser og at fange på lærred den emotion og intensitet, der følger med malerprocessen, indpodede Hofmann i dem, at de materielle kvaliteter af deres medium skulle være et centralt element i deres arbejde.

Han lærte dem, at, “hver udtryksform har sin egen orden af væren.” I hænderne på malere som Jackson Pollock og Jane Frank fik impasto-maling en helt ny dimension, bogstaveligt talt. Jane Frank byggede skulpturelle lag af medier på sine impasto-overflader. Jackson Pollock sprøjtede, dryppede og hældte maling i så massive mængder, at den rene vægt af hans impasto-lag truede med at ødelægge støtterne til hans værker. De abstrakte ekspressionister udvidede desuden konceptet om impasto-maling til at inkludere andet end maling, som usædvanlige medier og affald som knust glas, sten, cigaretskodder. Ved at tilføje usædvanlige materialer og medier til deres impasto-lag udtrykte disse malere konceptuel såvel som fysisk dybde.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Alt om malingen

Som reaktion på den følelsesmæssige intensitet i Abstract Expressionism, faldt impasto-maling ud af favor med mange kunstnere i 1960'erne og 70'erne, især dem der var forbundet med Minimalisme. Disse kunstnere søgte at skabe glatte overflader, der eliminerede beviset for den enkelte kunstner, der havde lavet værket. For at skabe ultra glatte overflader vendte de sig til teknikker som pletning og sprøjtning og brugte mekaniserede og industrielle processer. Men i 1980'erne vendte kærligheden til impasto tilbage.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

En grund til, at teknikken genvandt sin popularitet, var en reaktion mod den opfattede sjælløshed i Minimalisme. En anden grund var en voksende interesse for de formelle kvaliteter af kunstneriske materialer. Et særligt succesfuldt udtryk for den minimalistiske æstetik var monochrom maleri. Monochromer udtrykker ren farve og fladhed. I 1980'erne begyndte malere som James Hayward og Alan Ebnother at genfortolke monochromet gennem impasto maleri. Deres impasto monochromer omfavnede farveudtrykket, men tilføjede en dimension af fysiskhed og mediespecifikitet. Ved at eliminere den industrielle anonymitet af minimalistiske monochromer og genindføre kunstnerens præg, prioriterede de følelser og personlighed på ny og bragte fornyet opmærksomhed til de essentielle kvaliteter af maling.

James Hayward - Abstrakt 31, 2001. Olie på lærred på plade. 30 x 28 tommer. © James Hayward (Venstre) og Asymmetrisk Chromachord 38, 2009. Olie på lærred på træpanel. © James Hayward (Højre)

Ud over dejen

Når man ser tilbage på historien om impasto-maling, er det klart, at teknikken bærer med sig en række abstrakte associationer. I sine tidligste dage tog den det hidtil usete skridt at ikke skjule det faktum, at et kunstværk var lavet af maling. I den forstand knuste den illusionen. Senere blev den brugt til at fremhæve de subtile og ofte skiftende forskelle mellem mørke og lys. I modernismens æra blev impasto-maling en måde at udtrykke den dybe følelse og primale sanselighed i det underbevidste sind. Og i sin nutidige brug er den blevet et udtryk for kraften og enkelheden i den kunstneriske gestus i sig selv. Så hvad kan vi konstatere om samtalen, der finder sted mellem One World Trade Center og de abstrakte impasto-malerier af Donald Martiny, der fylder dets lobby? 

Selvom disse malerier ser ud til at være massive impasto penselstræk, blev de faktisk omhyggeligt lavet i en besværlig proces, hvor Martini hælder, drypper og smører lag efter lag af medium, nogle gange med sine bare hænder. De udtrykker hårdt arbejde, tilpasning, tålmodighed, vision og den styrke, der ligger i den omhyggelige opbygning af lag over tid. Udover det symboliserer, ligesom alle impasto malerier, Lenape og Unami også nedbrydningen af illusioner, den udviklende natur af mørke og lys, spændvidden af følelsesmæssig og fysisk dybde, og de primære realiteter i den underbevidste menneskelige sind. Betragtet fra dette perspektiv bliver de mere end æstetiske objekter og mere end symbolske gestus. De bliver de perfekte abstrakte repræsentanter for deres medium, deres miljø, deres navne, deres historie og deres tid.

Fremhævet billede: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio