Hvem er bange for Jackson Pollock?
Jeg maler ikke naturen. Jeg er naturen. - Jackson Pollock
En måde at bedømme et kunstværks kraft på er at måle, hvor mange der raser imod det. Had, afsky, forvirring og vrede er grundlæggende følelser. For at fremkalde sådanne følelser hos mennesker, for virkelig at vække deres harme, må et kunstværk forbinde sig med noget personligt.
Siden forhistoriske hulemalere lavede deres første mærker, har få malere vakt så vedvarende harme som Jackson Pollock. Især Pollocks over 60 år gamle, gestiske abstrakte malerier (også kaldet sprøjtmalerier, aktionsmalerier eller drypmalerier) er stadig nogle af verdens mest omdiskuterede kunstværker, både hadet og elsket på samme tid.
Hvordan Får Det Dig Til At Føle?
Stå en time foran et værk som Pollocks “Number 1A, 1948,” et 68" x 8' 8" drypmaleri, og du kan få fornemmelsen af at lytte med til en gruppeterapisession. Beskuere siger: "Det kunne jeg have lavet," eller "Min 6-årige kunne have lavet det." Nogle siger: "Kalder I det kunst?" eller "Er det en spøg?" eller erklærer: "Det er frygteligt!" Andre finder værket smukt, meditativt, ophøjet eller dybt. Det bringer endda nogle til tårer.
Folk ser sig selv i “Number 1A, 1948.” Det, og mange af Pollocks andre aktionsmalerier, fremkalder ikke blot en følelsesmæssig reaktion; de er selve legemliggørelsen af følelse. Når man konfronteres med dem, mærker beskueren noget. Derfor er Pollock, 60 år efter sin død, stadig en af historiens mest indflydelsesrige og omtalte kunstnere.
Jackson Pollock - Number 1A, 1948. Olie- og emaljemaling på lærred, 68″ x 8’8″. Museum of Modern Art, New York. Købt. © 2013 Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York
Hvorfor Gjorde Han Det?
New Yorks MoMA viser i øjeblikket en udstilling med deres omfattende samling af Jackson Pollock. "Jackson Pollock: A Collection Survey, 1934–1954," løber til 1. maj 2016. Udstillingen udforsker kunstnerens udviklende stil, begyndende med hans mere figurative tidlige værker og kulminerende i de transformerende gestiske malerier, som han blev berømt (eller berygtet, alt efter hvordan man ser det) for.
Abstrakt kunsts kendetegn, det der gjorde den til et brud med tidligere metoder, er, at den i stedet for at forsøge at fremstille et billede af noget genkendeligt, som et objekt, et landskab eller en menneskefigur, søgte at skabe nye billeder, der kunne vække en følelsesmæssig reaktion hos beskueren. Abstrakt ekspressionisme, påvirket af surrealisme og psykologien efter Anden Verdenskrig, udvidede dette mål og håbede ikke blot at vække en følelsesmæssig reaktion, men også at påvirke beskueren på et underbevidst, ubevidst eller grundlæggende plan.
Jackson Pollock - Uden titel (Dyr og figurer), 1942. Gouache og blæk på papir. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Mr. and Mrs. Donald B. Straus Fund. MoMA-samling. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Hvordan Gjorde De Det?
Abstrakte ekspressionister brugte en række teknikker for at finde det skjulte, totemiske billede, som de håbede ville forbinde beskueren med deres underbevidste jeg. Ved at anvende forskellige metoder og materialer gik de personligt og lidenskabeligt til værks for at fremkalde urtidsbilleder og overføre dem til lærredet. Pollocks ikoniske sprøjteteknik var så vellykket til at nå de abstrakte ekspressionisters mål, at den blev et symbol på bevægelsen. Den var så væsentlig for offentlighedens forståelse af abstrakt ekspressionisme, at Gestisk Abstraktion ofte bruges som synonym for stilen.
Pollocks metode bestod i at hælde, sprøjte og dryppe lag af tynd maling på lærredet. Når han brugte pensler eller pinde, holdt han redskabet svævende lige over lærredet i stedet for at røre ved det. Hans ubundne kropslige bevægelser var afgørende for det færdige resultat. Han arbejdede ikke blot med materialer, men også med kræfter som tyngdekraft, bevægelse og hjerte. Aktionsmaleri giver en måde at bryde fri af snævre forestillinger om billedskabelse. Det var ikke den eneste teknik, som første generation af abstrakte ekspressionister brugte, men det blev den mest varige og genkendelige.
Jackson Pollock- The Flame, ca. 1934-38. Olie på lærred monteret på fiberplade. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Enid A. Haupt Fund. MoMA-samling. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Tidens Tand
Mens New Yorks MoMA forberedte sin nuværende Pollock-retrospektiv, gik museet i gang med den møjsommelige proces at restaurere flere af værkerne. Siden begyndelsen af 1970’erne havde det eneste vedligehold været lejlighedsvis aftørring af støv. Restaureringen af tre af værkerne, “Echo,” “One,” og “Number 1A, 1948,” tog holdet omkring 18 måneder at færdiggøre. Arbejdet begyndte med en omhyggelig rengøring af maleriernes overflader. Derefter blev de udsatte lærredsarealer analyseret for skader og omhyggeligt restaureret. Dernæst blev malingslagene analyseret og sammenlignet med tidligere billeder og beskrivelser af værkerne. Hvor der var malingsafskalninger, blev disse områder systematisk udbedret. Til sidst blev lærredsrammerne understøttet og repareret.
Restaureringen bragte værkerne tilbage til en tilstand af livskraft og glans. De besidder en enorm energi, som rejser spørgsmål om, hvordan det må have været at opleve dem som nye. Mødet med hans restaurerede aktionsmalerier understreger, hvorfor Pollock stadig er så kontroversiel og så populær. Disse kunstværker får os ikke blot til at føle noget. De forbinder os med noget inde i os selv, noget både gammelt og nutidigt. De antyder, hvad vi er lavet af, og hvad vi måske endnu kan blive. De er kaotiske og grimme og komplicerede og lagdelte og smukke, ligesom os.
Fremhævet billede: Jackson Pollock - Stenographic Figure, 1942. Olie på hør. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Mr. and Mrs. Walter Bareiss Fund. MoMA-samling. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle billeder anvendt til illustration
