Hvordan Action Painting ændrede kunsten

Hvis udtrykket "action painting" lyder forvirrende, kan det skyldes, at det synes at indeholde en redundans. Maleri indebærer handling. Kan der være inaktivitet malerier? Men hverken det faktum, at maleri er en handling, eller at malerier er resultatet af handling, har meget at gøre med definitionen af action painting. Faktisk handler action painting ikke rigtig om handling eller maleri overhovedet. Det handler om en sindstilstand. Kunstkritikeren Harold Rosenberg opfandt udtrykket action painting i 1952 i et essay med titlen "The American Action Painters." Essayet var et forsøg på at forklare, hvad Rosenberg anså for at være et grundlæggende skift, der fandt sted i sindet hos en lille gruppe amerikanske abstrakte malere. I stedet for at nærme sig maleri som billedskabelse, brugte disse malere handlingen at male til at registrere resultaterne af personlige, intuitive, underbevidste dramaer, de spillede ud foran lærredet. De brugte lærredet som en scene. De var skuespillere, og malingen var metoden til at registrere beviserne for begivenheden. I sit essay påpegede Rosenberg ikke kun nyheden i denne metode, men han skiftede også helt opmærksomheden væk fra malerier som objekter og erklærede, at alt hvad der betød noget for action malere, var den kreative handling.

Objekternes Ende

Før Rosenbergs observation havde ingen respekteret kunstkritiker nogensinde foreslået skriftligt, at formålet med en kunstners arbejde ikke var at skabe noget håndgribeligt. Det blev taget for givet, at formålet med at være kunstner var at skabe kunstværker. Men hvad Rosenberg observerede om malere som Jackson Pollock, Franz Kline og Willem de Kooning var, at de ikke var fokuseret på at skabe objekter. Snarere var de fokuseret på deres egen proces som malere. De lagde den største vægt ikke på det færdige produkt, men på handlingen med at forbinde sig til deres eget ubevidste. Maleriet var simpelthen en måde for dem at registrere de resulterende effekter af den forbindelse.

Forestil dig at være blindfoldet og få en pensel, og så blive bedt om at finde din vej gennem en labyrint, mens du kører penslen langs væggen. Det resulterende mærke, der efterlades på væggen, ville ikke så meget være en æstetisk præstation, som det ville være en optegnelse over din rejse. Sådan var roden til Rosenbergs observation: at actionmalerne ikke skabte billeder; de skabte udadgående optegnelser af deres indre rejser.

Jackson Pollock - Nummer 8, 1949, 1949. Olie, emalje og aluminium maling på lærred. 34 × 71 1/2 tommer; 86,4 × 181,6 cm. American Federation of Arts. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Action Maleri Teknikker

Når en maler sætter sig for at lave et maleri af et specifikt billede, skal de værktøjer og teknikker, der er involveret, give maleren så meget kontrol som muligt. Men hvis formålet med et maleri ikke er at lave et specifikt, forudbestemt billede, men snarere at skabe et abstrakt visuelt relikvie af en psyko-fysisk begivenhed, kan maleren nyde mere fleksibilitet med hensyn til værktøjer og teknikker. Da actionmaleri handler om spontanitet og evnen til sømløst at formidle hver underbevidste intuition gennem en fysisk gestus, må alt, der hindrer frihed og instinkt, opgives.

Actionmaleren Jackson Pollock opgav traditionelle forberedelser og understøtninger og malede i stedet direkte på ubehandlede lærreder, der var lagt ud på gulvet. Han undgik traditionelle værktøjer og valgte i stedet at påføre maling på sine overflader ved hjælp af hvad han tilfældigvis havde, herunder malerbørster, pinde eller endda bare hænder. Han kastede, hældte, sprøjtede og dryppede ofte maling direkte på sine overflader fra den beholder, malingen var i. Og han brugte hvad som helst medium, der var tilgængeligt, herunder alle former for flydende maling, samt knust glas, cigaretskodder, gummibånd og hvad som helst andet hans instinkt befalede.

Jackson Pollock- Mural, 1943. Olie og kasein på lærred. 95 7/10 × 237 1/2 tommer; 243,2 × 603,2 cm. Guggenheim Museum Bilbao. Bilbao

Store gestus

Udover at være frie med medier, værktøjer og teknikker, frigjorde actionmalerne sig også fra begrænsningerne af deres egen fysiskhed. Franz Klines actionmalerier handler alt sammen om fysisk gestus. Hver dristig streg, Kline lavede på lærredet, er et bevis på et øjeblik, hvor hans krop var fuldt engageret i bevægelse. Mens en impressionistisk penselstræk er lavet med noget så subtilt som et håndleds sving, blev Klines penselstræk lavet med et skub af hele hans arm eller hans hele krop, som blev styret af de indre dybder af hans sind.

Pollock lavede ofte slet ikke kontakt med lærredet. I stedet stolede han på momentum og den dynamiske brug af sin krop, hvilket skabte hastighed og kraft til at projicere mediet ud i rummet og på overfladen. Ved ikke at hæmme sin bevægelse ved kontakt med overfladen samarbejdede han med naturens kræfter, hvilket resulterede i frit flydende, elegante og organiske mærker. I en forstand skabte Pollock og Kline's gestus ikke kun mærker, de skabte også indtryk. Ligesom meteorkratere kan disse indtryk værdsættes både for deres udseende og også for de primale, gamle, naturlige kræfter, der forårsagede dem.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Olie- og papirkollage på lærred, 80 × 100 tommer (203,2 × 254 cm). Whitney Museum of American Art, New York; køb med midler fra Friends of the Whitney Museum of American Art 57.10. © 2020 The Franz Kline Estate / Artists Rights Society (ARS), New York

Det Samvittighedsfulde Ubevidste

Fremkomsten af actionmaleri var ikke en gåde. Det havde logiske rødder i konteksten af den amerikanske kultur efter Anden Verdenskrig. Det amerikanske samfund var generelt i gang med at komme sig efter krigen og tilpasse sig en mærkelig ny moderne virkelighed. I deres bestræbelser på at forstå sig selv og deres verden blev folk stadig mere interesserede i psykologi, især ideer omkring underbevidste og ubevidste tanker. I sindet hos de amerikanske actionmalere var disse ideer direkte knyttet til det arbejde, som surrealisterne havde udført med automatisk tegning, som involverede at lade kroppen skabe mærker baseret på refleksive bevægelser inspireret af ubevidste impulser.

Deres tænkning var også knyttet til primitive traditioner, der findes i den totemiske kunst fra nordamerikanske indfødte kulturer. Totemisk kunst er knyttet til en tro på, at mennesker er forbundet med hinanden, med historien og med de naturlige og åndelige verdener gennem visse naturlige genstande eller gennem væsener, der besidder åndelige eller mystiske kræfter. Aktionsmalerne håbede, at de gennem deres intuitive, underbevidste malestil kunne kanalisere totemisk billedsprog, som seerne kunne forbinde sig med i nærværelse af de æstetiske relikvier fra deres proces.

Jaanika Peerna - Small Maelstrom (Ref 855), 2009. Pigmentblyant på mylar. 45,8 x 45,8 cm

Action Painting's arv

Værdien af den gave, som action painting gav til fremtidige generationer af kunstnere, kan ikke overvurderes. Harold Rosenbergs omhyggeligt formulerede observationer inspirerede en enorm forandring i modernistisk kunst. Han gav ord til tanken om, at processen er vigtigere end produktet. Han beviste, at rejsen virkelig er vigtigere end destinationen, eller hvis det lyder for klichéagtigt, så beviste han, at dramaet, der udfolder sig under processen af en malers kreative handling, er vigtigere end det relikvie, der kommer ud af den proces.

Rosenbergs erkendelse befriede efterfølgende generationer af kunstnere fra at tænke på deres arbejde udelukkende i termer af "produktionsskabelse." De kunne engagere sig i eksperimentelle processer og fokusere fuldt ud på ideer. De havde tilladelse til at begynde uden at skulle forudsige slutresultaterne. Uden dette skift i kunstneres bevidsthed ville vi aldrig have været i stand til at nyde "happenings" eller arbejdet fra konceptuelle kunstnere eller Fluxus-bevægelsen. Vi ville aldrig have været i stand til at opleve de flygtige, forbigående mysterier ved land art. Vi ville aldrig have nydt frugterne af den alternative kunstpladsbevægelse. På så mange måder var action painting det, der gjorde det muligt for kunstnere at flytte deres fokus væk fra, hvor præcist de var på vej hen, og minde sig selv om, at ofte er det vigtigste i kunst og i livet, hvordan de kommer dertil.

Fremhævet billede: Jackson Pollock - Grånet regnbue, 1953. Olie på lærred. 72 × 96 1/10 tommer; 182,9 × 244,2 cm. Art Institute of Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio