Neo Supports/Surfaces: Et manifest for materiel realisme i det 21. århundrede
I kunsthistoriens kortlægning har bevægelser som regel en tydelig begyndelse og afslutning. De brænder klart, falmer og ender til sidst i museernes stille arkiver. Supports/Surfaces, der blev født i den teoretiske ild i 1966, er den sjældne undtagelse, som nægtede at gå ud.
Selvom bevægelsen oprindeligt blev drevet af den politiske radikalisme i maj 1968 og til sidst blev opslugt af voldelige stridigheder mellem dens maoistiske og marxistiske fraktioner, har dens egentlige arv vist sig at være langt mere holdbar end dens ideologiske udgangspunkt. Supports/Surfaces' grundlæggende opdagelse var ikke politisk, men ontologisk: Ved at adskille bæreren (blindrammen) fra overfladen (lærredet) afslørede disse kunstnere maleriets fysiske sandhed. De beviste, at et maleri ikke er et vindue ind til en illusion, men en materiel genstand i den virkelige verden.
Når vi bevæger os rundt i kunstverdenen i januar 2026, har dette begreb udviklet sig til det, kritikerne måske vil kalde bevægelsen »Neo-Supports/Surfaces«: Nogle af grundlæggerne, der nu alle er i 80’erne eller 90’erne, skaber stadig aktivt deres mest betydningsfulde værker side om side med en ny generation af arvtagerne, der har lagt den gamle politik bag sig for udelukkende at fokusere på mediets kunstneriske kraft.
For den kunstkyndige er dette ikke en historietime, men en levende tidslinje, der forbinder 1960’ernes radikale nedbrydning med den materielle »sandhed«, som samlere søger i dag.
I. De levende søjler: Grundlæggerne arbejder stadig
Det er et sjældent privilegium at opleve pionererne inden for en historisk avantgardebevægelse stadig arbejde på toppen af deres formåen. Det er mændene, der for halvtreds år siden grundlagde bevægelsens grammatik.
Claude Viallat - soloudstilling på Galerie Ceysson Bénétière, 2023 - installationsfoto
Fortællingen begynder med Claude Viallat (f. 1936), bevægelsens utrættelige patriark. I 1966 traf Viallat den radikale beslutning at frigøre lærredet fra dets træramme og indlede æraen med toile libre. I dag, som 89-årig, er han fortsat gruppens mest synlige skikkelse, drevet af en legendarisk arbejdsmoral, der får ham til at arbejde hver dag. Han gentager ikke blot fortiden; han fordyber sig i det spor, han har fulgt hele livet, og beviser, at uendelig variation kan udfolde sig inden for den ene begrænsning, som hans karakteristiske »bønneform« udgør.
Daniel Dezeuze, »Oeuvres Récentes 2020-2015« på Musée Paul Valéry (Sète, Frankrig), 2026
Hvis Viallat gjorde lærredet til sit, gjorde Daniel Dezeuze (f. 1942) tomrummet til sit. Dezeuze er kendt for at udstille tomme trærammer og fleksible stiger, der læner sig op ad vægge, og brugte årtier på at afsløre det vestlige maleris »skelet«. I 2026 bliver hans værker ved med at nedbryde illusionen om »vinduet« og insistere på kunstens kompromisløse »objektkarakter«. Hans intellektuelle stringens er fortsat et pejlemærke for bevægelsen.
Noël Dolla - soloudstilling på Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne, 2025 - installationsfoto
Noël Dolla (f. 1945) er blandt de sidste af bevægelsens oprindelige arkitekter. Dolla er kendt for sin dristige brug af farver og utraditionelle materialer og har konsekvent udvidet abstraktionens formsprog ud over lærredet. Hans tidlige værker, farvede viskestykker, udspændte snore og land art-indgreb udfordrede konventionelle hierarkier og bragte Supports/Surfaces' materialistiske tankegang ind i både private og offentlige rum. I de senere år har Dollas praksis været lige så opfindsom som altid og vekslet mellem monumentale udendørsinstallationer og delikate, procesbaserede værker, der inddrager rummet, arkitekturen og beskuerens egne bevægelser. Hans evne til at forny sin tilgang og samtidig fastholde en stringent konceptuel kerne gør ham til en central kraft i den moderne abstraktion og et levende bindeled til bevægelsens oprindelse.
Bernard Pagès - soloudstilling på Galerie Ceysson Bénétière Lyon, 2013 - installationsfoto
Bernard Pagès (f. 1940) repræsenterer Supports/Surfaces' skulpturelle avantgarde. Fra begyndelsen udmærkede Pagès sig ved at nedbryde grænserne mellem maleri og skulptur og samle beskedne materialer - træ, sten, metal, beton - i værker, der fremhæver processen, sammenstillingen og materialets iboende egenskaber. Hans praksis er kendetegnet ved en dyb opmærksomhed på forholdet mellem objekt, rum og beskuer samt en vedvarende undersøgelse af kunstnerisk ophav og værdi. Pagès' nyere udstillinger har bekræftet hans position som en vigtig fornyer og vist, hvordan bevægelsens principper løbende kan genaktiveres gennem nye former og materialer. Hans fortsatte udforskning af struktur, rytme og fysisk tilstedeværelse holder Supports/Surfaces' eksperimenterende ånd levende og i udvikling.
II. Galleriets drivkraft: Ceysson & Bénétières afgørende rolle
Alle fire grundlæggende kunstnere udstilles fortsat aktivt og repræsenteres især på det primære marked af Ceysson & Bénétière. Galleriets vedvarende engagement har været afgørende for at sikre Supports/Surfaces-kunstnernes fortsatte synlighed og tilgængelighed.
Blandt de mange aktører, der former Supports/Surfaces' skæbne, skiller Ceysson & Bénétière sig ud. Galleriet blev grundlagt i 2006 og er vokset fra et regionalt udstillingssted i Saint-Étienne til en multinational aktør med ni udstillingssteder fordelt over Europa, Nordamerika og Asien, herunder åbningen af deres markante galleri i Tokyo i 2025. Denne centrifugale ekspansion, forankret i et solidt intellektuelt og logistisk grundlag uden for de traditionelle kunstmetropoler, har gjort det muligt for Ceysson & Bénétière at ændre spillereglerne på det moderne kunstmarked.
"Supports/Surfaces"-udstillingen, Galerie Ceysson Bénétière, Tokyo 2025 - installationsbillede
Fra begyndelsen satsede galleriet modigt på Supports/Surfaces' historiske og kunstneriske værdi. Ved at fremhæve kunstnere, som længe var blevet undervurderet af markedet: Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour og mange andre, spillede Ceysson & Bénétière en afgørende rolle i at revurdere og sikre bevægelsens eftermæle. Deres kuratoriske grundighed, videnskabelige udgivelsesprogram og internationale udstillingsstrategi har sikret, at disse kunstneres værker fortsat bliver vist, indsamlet og diskuteret på højeste niveau.
Galleriets engagement handler ikke blot om kulturarv. Med udstillinger som åbningen i Tokyo i 2025 (se installationsbilledet ovenfor), der havde en stor udstilling om Supports/Surfaces som hovedattraktion, har Ceysson & Bénétière positioneret bevægelsen som en levende og globalt relevant kraft. Deres evne til at forene historisk dybde med nutidig dynamik ses tydeligt i deres støtte til nye kunstnere, der fører Supports/Surfaces' materialistiske og procesorienterede tankegang ind på nye områder.
III. Skolen bag bevægelsen: De revolutionære som undervisere
For en kunstnerisk revolutionær findes der en særlig form for anerkendelse ud over museumsretrospektivet: muligheden for at undervise i den revolution, man selv har været med til at skabe. Den kunstner, der udfordrede maleriets gængse regler, får til opgave at uddanne dem, der kommer efter. Den tidligere udfordring af institutionen bliver en kraft i den. I Supports/Surfaces' historie bød kunstskolerne netop på denne mulighed: ikke blot at studere en radikal bevægelse, men at få direkte adgang til de kunstnere, der havde gjort dens opdagelser.
Claude Viallat indtog denne position med enestående autoritet. Hans undervisningskarriere begyndte i 1963, før hans gentagne form opstod i 1966, og fortsatte gennem dannelsen af Supports/Surfaces og bevægelsens efterfølgende udvikling. Efter ansættelser blandt andet i Nice, Limoges og Marseille kom han til Nîmes i 1979 og flyttede senere til École des Beaux-Arts i Paris i 1991. I Nîmes underviste han altså ikke i et opbrud, der endnu ikke havde fundet sted: Han kunne formidle en tilgang, han selv havde været med til at grundlægge, samtidig med at han fortsat udforskede dens muligheder i sit eget arbejde. De studerende mødte ophavsmanden til idéen, ikke blot dens fortolker.
Dette giver Beaux-Arts i Nîmes en særlig plads i bevægelsens institutionelle efterliv. Skolen skabte rammer, hvor spørgsmål om støtte, overflade, farve og proces kunne overføres direkte fra kunstnerisk nyskabelse til undervisning. Viallat lagde i sin undervisning, som dokumenteret i arkivet over interviews om kunstpædagogikkens historie, vægt på materialebaseret praksis og dialog, herunder spørgsmålet om, hvordan man undgår at blive en model, som de studerende efterligner. Privilegiet medførte et ansvar: at videreformidle den frihed, som revolutionen havde åbnet for, i stedet for blot dens genkendelige former. Histoire de la pédagogie artistique interview archive
Alain Clément bragte en beslægtet, men selvstændig erfaring til institutionen. Han underviste i Nîmes, før han ledede skolen fra 1985 til 1990. Han var nært knyttet til medlemmer af Supports/Surfaces, uden selv at være en af gruppens grundlæggere, og havde deltaget i den kunstneriske nytænkning i slutningen af 1960'erne og udviklet sine egne konceptuelle undersøgelser. Hans senere arbejde med lyrisk gestik og kromatisk konstruktion gør hans bidrag særligt betydningsfuldt. Her var en kunstner, der kunne undervise ud fra erfaringen med radikale forandringer uden at behandle en tidligere position som en varig forpligtelse.
Cléments dialog mellem maleri og skulptur giver denne selvstændighed et fysisk udtryk. Gestik bliver til konstruktion; farve antyder volumen; en buet linje kan bevæge sig fra lærredet og ud i rummet. Hans værk viser, at en kunstner-undervisers autoritet ikke behøver at bygge på forsvaret for en fast doktrin. Den kan også bygge på at vise, hvordan et formsprog hele tiden fornyes.
Alligevel rummer bedriften et paradoks. Da Clément i en samtale med denne artikels forfatter mindedes undervisningsprogrammet, spøgte han med faren for at uddanne for mange kunstnere, der arbejdede i samme retning. »Vi måtte stoppe,« sagde han med et bredt smil. Bemærkningen indfanger det øjeblik, hvor en vellykket videreformidling risikerer at blive til en formel. Den revolutionæres højeste anerkendelse, at kunne undervise i det, han selv var med til at gøre muligt, indebærer også en fare for, at gårsdagens frigørelse bliver morgendagens konvention.
Den institutionelle anerkendelse når dog ikke alle deltagere i samme grad. Efter denne artikels forfatters vurdering fortjener André-Pierre Arnal, engang en kær ven, en mere fremtrædende plads i fortællingen om denne historie. Denne personlige vurdering minder os om, at de førende skikkelsers synlighed ikke kan stå som mål for modtagelsen af en hel generation. En revolution kan finde vej ind på skolen og museet, mens dele af dens bidrag stadig ikke anerkendes tilstrækkeligt.
André-Pierre Arnal - Uden titel (Rød trekant) - 1973
(Samling af F.Berthomier)
Nîmes' betydning ligger i dette møde mellem kunstnerisk opfindsomhed, institutionel anerkendelse og direkte overlevering. De, der havde været med til at vende op og ned på maleriets konventioner, kunne nu uddanne en ny generation. Den mest varige belønning var ikke, at deres opdagelser blev gentaget, men muligheden for, at eleverne kunne bruge dem til at opdage noget andet.
IV. De "rene" arvtagerne: stringens og autonomi
Bevægelsen "Neo Supports/Surfaces" videreføres af "mellemgenerationen", kunstnere, der blev uddannet direkte af mestrene, og som har forfinet 60'ernes rå dekonstruering til en præcis, kontemplativ videnskab.
Frédéric Prat - Soloudstilling på Galerie Richard, 2025 - Installationsfoto
Frédéric Prat (født 1966) repræsenterer bevægelsens "klassiske" vending. Prat, der studerede hos Claude Viallat og Toni Grand på École des Beaux-Arts i Paris, har brugt sin karriere på at forfine bevægelsens formsprog. Han afviser konsekvent naturalistiske associationer og søger i stedet ekstremt efter "ikke-former". Hans store, kvadratiske lærreder har monokrome baggrunde afbrudt af autonome "billedhændelser", løkker og linjer, der nægter at forestille noget uden for sig selv. Hvor Viallat brugte gentagelse til at ødelægge kompositionen, bruger Prat det "ikke-billede" til at konstruere et objekt af ren tanke. I Frankrig repræsenteres han af Galerie Richard, mens hans stringente formalisme i den globale digitale kontekst repræsenteres af IdeelArt.
Stéphane Bordarier - Soloudstilling på Galerie ETC, 2023 - Installationsfoto
I Nîmes arbejder Stéphane Bordarier (født 1953) som gruppens teolog. Hans praksis er defineret af en kompromisløs begrænsning: brugen af colle de peau (animalsk hudlim). Fordi dette medium tørrer hurtigt, er Bordarier tvunget til at male sine "falske monokromer" i et kapløb med tiden, hvilket eliminerer enhver mulighed for subjektiv tøven. Denne proces stemmer perfekt overens med bevægelsens fokus på fremgangsmåde frem for ego.
Guillaume Moschini - Soloudstilling hos Galerie Oniris, 2023 - Installationsfoto
Guillaume Moschini (f. 1970), der blev vejledt af triumviratet Viallat, Saytour og Bioulès, har mildnet sine læreres aggressive dekonstruktion. Han arbejder med ugrundet lærred og "imbibition"-teknikken, hvor han lader fortyndet akrylmaling trænge direkte ind i fibrene. Resultatet er en "god cirkel" af lys og gennemsigtighed, en "blød geometri", der vibrerer af farve frem for at konfrontere beskueren. Moschini, der er et fast indslag på den franske abstrakte kunstscene gennem Galerie Oniris, når ud til internationale samlere gennem IdeelArt.
V. Innovatørerne
Bevægelsen overlever også, fordi den bliver udfordret. Den yngste generation bruger Supports/Surfaces' værktøjer til at kritisere eller udvide dens logik til nye medier.
No 1113 af Jean-Daniel Salvat, 2020
Jean-Daniel Salvat (f. 1969), elev på Viallats hold i '92, vendte i det væsentlige bevægelsen på hovedet for at skabe "Post-Supports/Surfaces". Mens hans mentor hyldede lærredets rustikke vævning, maler Salvat på den omvendte side af gennemsigtig vinyl. Beskueren ser værket gennem plastikken, hvilket giver en glat, industriel "facsimile" af et maleri, der afspejler en digital skærms glatte overflade. Han fastholder bevægelsens besættelse af objektet, men bytter det rustikke ud med det syntetiske. Hans værker kan også fås gennem IdeelArt.com.
Nicolas Chardon - Soloudstilling hos Galerie Jean Broly, 2014 - Installationsfoto
Nicolas Chardon (f. 1974) indgår i en konceptuel dialog med Patrick Saytours hjemmetekstiler. Chardon maler på "Vichy"-stoffer (gingham), men med et twist: Når han spænder dem ud, bliver gitterlinjerne naturligt forvrænget af spændingen. Han maler sine geometriske firkanter efter disse forvrængede linjer og viser, at sindets "ideelle" geometri altid må bøje sig for underlagets fysiske virkelighed.
Adrien Vescovi - Soloudstilling hos Ceysson & Bénétiere St Etienne, 2017 - Installationsfoto
Endelig har denne arv også bevæget sig udendørs med Adrien Vescovi (f. 1981), arvtager til udstillingerne "Intérieur/Extérieur" fra 1970. Vescovi tager toile libre helt ud af atelieret. Ved hjælp af naturlige farvestoffer udsætter han sine lærreder for sol, vind og regn i månedsvis og flytter bevægelsens fokus fra "marxistisk materialisme" til "økologisk materialisme". Med større institutionsprojekter i 2026 har han også udstillet hos Ceysson & Bénétière, det samme kraftcenter, der forsvarer bevægelsens grundlæggere.
VI. Parallelle historier og det universelle sprog i den vestlige kultur
Hvis Supports/Surfaces begyndte som et specifikt fransk oprør, var de spørgsmål, bevægelsen stillede, universelle. Det viser sig, at trangen til at nedbryde maleriet ikke var unik for Nîmes; den var et globalt tidsbillede.
For samleren kortlægger dette afsnit ikke en slægt af "arvinger", men snarere en konstellation af beslægtede ånder. Det er vestlige kunstnere, der med udgangspunkt i forskellige hovedstæder og årtier nåede frem til de samme "Supports/Surfaces"-konklusioner og dermed beviste, at søgen efter materiel sandhed er et tværkulturelt behov.
"La Couleur en Fugue" på Fondation Louis Vuitton , 2022. Sam Gilliam - serien Drape Paintings
Den amerikanske pendant: Sam Gilliam (1933–2022).
Det er et tilfælde af historisk synkronicitet: Netop som Claude Viallat foldede sine lærreder ud i Sydfrankrig, fjernede Sam Gilliam blindrammerne i Washington, D.C. Hans berømte "Drape Paintings" - enorme, farvemættede lærreder ophængt i rummet - er ikke efterkommere af den franske skole, men dens åndelige tvilling. Ligesom de franske grundlæggere forstod Gilliam, at frigørelsen af farven fra rammens stive arkitektur lod den indtage det virkelige rum. Uanset om hans værker hænger i løse, skulpturelle folder eller er farvet med intenst pigment, behandler de lærredet som en fysisk hud snarere end et vindue og bekræfter den materialistiske stræben på den anden side af Atlanten.
"La couleur en fugue" på Fondation Louis Vuitton, 2022. Steven Parrino
Punkens parallel: Steven Parrino (1958–2005).
Steven Parrino er internationalt anerkendt for at skubbe maleriets grænser mod radikal dekonstruktion. Hans ikoniske værker, store, cirkulære lærreder, der er snoet, foldet eller krøllet, ofte malet med markante striber eller i metallisk monokrom, behandler lærredet som et skulpturelt objekt og fremhæver materialets fysiske karakter og modstand. Krøllede metalformer på gulvet gentager disse bevægelser og udvisker grænsen mellem maleri og skulptur.
Parrinos interventioner handler ikke blot om destruktion, men om den energi og spænding, der opstår, når maleriets konventioner vendes på hovedet. Selvom han udviklede sin tilgang uafhængigt, har Parrinos værk stærke ligheder med Supports/Surfaces-æstetikken: Begge fremhæver processen, materialiteten og det malede objekts autonomi. Hans praksis står som en stærk parallel til snarere end en direkte forlængelse af bevægelsen og viser, hvordan den radikale gentænkning af maleriets grænser har udfoldet sig på begge sider af Atlanten.
Sergej Jensen på PS1 MOMA, 2011. Installationsfoto.
Den samtidige dialog: Sergej Jensen (f. 1973) og Wyatt Kahn (f. 1983).
I dag fortsætter kunstnere fra Berlin til New York med at udvide denne tankegang. Jensens »malerier uden maling« (syet af hør og jute) afspejler Patrick Saytours brug af hjemmetekstiler. Samtidig konstruerer Wyatt Kahn puslespilslignende assemblager af ubehandlet lærred og formede rammer og skaber dermed et arkitektonisk svar på Daniel Dezeuzes tomme stiger. De kopierer ikke franskmændene; de taler det samme materielle sprog
Wyatt Kahn - Untitled (Grayscale City-Paintings) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VII. Globale genklange: Supports/Surfaces og Asien
Selvom Supports/Surfaces opstod i Frankrig, finder bevægelsens radikale gentænkning af maleriets materialer og konventioner slående paralleller i efterkrigstidens asiatiske kunst. Selvom der ikke findes nogen direkte asiatisk pendant eller formel forbindelse, har kunstnere og bevægelser som Dansaekhwa i Sydkorea og Gutai i Japan uafhængigt udforsket mange af de samme problemstillinger, der kendetegner Supports/Surfaces.
Dansaekhwa-kunstnere som Park Seo-Bo (1931–2023), Ha Chong-Hyun (f. 1935) og Lee Ufan (f. 1936) sætter lærredets materialitet, den gentagne gestus og underlagets autonomi i forgrunden. Deres procesdrevne, meditative værker indebærer ofte, at lærredet bearbejdes, skrabes eller væves, hvilket afspejler materialeforsøgene og dekonstruktionen i Supports/Surfaces.
»Lee Ufan og Claude Viallat, møde« på Pace London, 2023. Installationsfoto.
Tilsvarende Gutai-gruppen i Japan banede vejen for en eksperimenterende tilgang til maleri i 1950'erne og 60'erne med omfavnelse af utraditionelle underlag, performative gestusser og integration af kroppen og tilfældet i den kreative handling. Kunstnere som Kazuo Shiraga (1924–2008) med sine dynamiske, fodmalede lærreder og Shozo Shimamoto (1928–2013), kendt for sine radikale materialeforsøg og performative »flaskekastnings«-malerier, legemliggør en materialitet og procesorientering, der nøje afspejler Supports/Surfaces-æstetikken. De udfordrer maleriets hierarki som illusion og insisterer på kunstværkets status som objekt og dets fysiske tilstedeværelse.
I dag anerkendes disse slægtskaber i stigende grad af kuratorer og kritikere, som samler Supports/Surfaces, Dansaekhwa og Gutai i udstillinger for at fremhæve en bredere, global bevægelse mod materialitet, proces og opløsningen af maleriets traditionelle grænser. Denne konvergens understreger, at jagten på materialets sandhed i kunsten ikke begrænses af geografi, men giver genklang på tværs af kontinenter og kulturer.
"Action" - Shozo Shimamoto og Kazuo Shiraga på Whitestone Gallery, 2023. Installationsbillede
VIII. IdeelArts konstellation: Materialerealismen i praksis
"Neo Supports/Surfaces"-bevægelsen er ikke blot en historisk fodnote; den er en levende frekvens, der fortsat vibrerer gennem den nutidige praksis. Hos IdeelArt er denne arv forankret i de direkte arvtagerne, vi allerede har omtalt, Frédéric Prat, med sin stringente renselse af "ikke-formen"; Jean-Daniel Salvat, der stiller spørgsmål ved selve maleriets hud gennem sit arbejde med vinyl; og Guillaume Moschini, hvis processuelle påføring af farve eliminerer egoet for at blotlægge underlagets vibration.
Jagten på "materialets sandhed" rækker dog ud over disse direkte efterkommere. Den viser sig i en mangfoldig konstellation af internationale kunstnere, som bevidst eller intuitivt er nået frem til samme konklusion: at et kunstværk først og fremmest må være et objekt i den virkelige verden, før det kan være et billede.
Jean Feinberg - "Minimal/Maximal"-udstilling hos Ed Rothfarb Studio, 2025 - Installationsbillede
Jean Feinberg (USA) legemliggør bevægelsens insisteren på "maleriet som objekt". Hendes værker forkaster det traditionelle maleris rektangulære vindue til fordel for "konstruktioner" bygget af genbrugstræ, lærred og maling. Ligesom Bernard Pagès' tidlige eksperimenter er Feinbergs værker ikke billeder af noget; de er selvstændige objekter, der trænger ind i beskuerens rum. Ved at indarbejde fundne rester og konstruktionstræ bekræfter hun tesen om, at objektets fysiske spænding er kunstens egentlige motiv.
Louise Blyton - "Mulooning" - Soloudstilling på Five Walls Gallery, Melbourne, 2025 - Installationsbillede
Louise Blyton (Australien) går i dyb dialog med "underlagets sandhed". I Claude Viallats ånd, hvor lærredet blev frigjort, løfter Blyton råt linned fra en passiv baggrund til et aktivt, synligt materiale. Hendes reduktive teknik - hvor hun vikler linned over formede balsatræsformer og påfører endeløse, ego-løse pigmentlag - skaber værker, der hverken er malerier eller skulpturer, men hybridobjekter. De skjuler ikke deres tilblivelse; de fejrer overfladens vævede virkelighed.
Anthony Frost i sit atelier (2023)
Anthony Frost (Storbritannien) viderefører bevægelsens afvisning af "fin kunsts" fornemhed gennem sin radikale omfavnelse af beskedne materialer. Ligesom Noël Dolla tog klude og tarletan i brug, skaber Frost sine sanselige abstraktioner med sejldug, frugtnet og groft lærred. Det er ikke neutrale flader til illusion; de er rå, industrielle realiteter, der hævder deres egen historie. Hans værker beviser, at "Neo Supports/Surfaces"-ånden trives, hvor end en kunstner prioriterer materiens rå ærlighed frem for repræsentationens bedrag.
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, Victoria & Albert Museum, 2025
Richard Caldicott (Storbritannien) anvender bevægelsens dekonstruktive logik på fotografiets medie. Ligesom Daniel Dezeuze skar maleriet ned til blindrammen for at afsløre dets skelet, skærer Caldicott fotografiet ned til dets grundlæggende mekanik: lys og papir. Gennem sine fotogrammer og papirnegativer omgår han kameraets dokumentariske funktion for at skabe billeder, der er fysiske aftryk af verden. Han afdækker fotografiets "ontologiske sandhed" og forvandler det fra et spejl af virkeligheden til en generator af konkret form.
Vi mener, at bevægelsen "Neo Supports/Surfaces" er langt større end dens franske rødder; den er en global søgen efter materiel sandhed. Uanset om den kaldes "Provisional Painting," "Casualism," "New Materialism," eller ses i Dansaekhwa og Gutai, er kunstnere fra Brooklyn til Seoul aktivt engageret i den samme søgen.
Dette er ikke nostalgi, men en gyldig, universel metode for det 21. århundrede. Det, der begyndte i ateliererne i Nîmes, finder sit ekko i draperierne i Washington D.C., tekstilkunsten i Danmark, minimalismen i New York og de meditative lærreder i Asien.
Grundlæggerne brød maleriet fra hinanden for at finde dets sandhed; den institutionelle bro bevarede denne sandhed; og en global generation af kunstnere bruger den til at bygge nye arkitekturer. De politiske pamfletter fra 1968 er måske falmet, men den æstetiske opdagelse står stadig ved magt: maleriets genstand er maleriet selv.
Af Francis Berthomier
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". Hotel des Arts de Toulon. Dec. 2025.
Denne artikel blev inspireret af et nyligt besøg på Viallat-udstillingen på Hôtel des Arts i Toulon (Frankrig), hvor en samtale med Claude Viallat selv bekræftede, at han stadig skaber tre værker om dagen, et vedvarende vidnesbyrd om hans fortsatte vitalitet og bevægelsens levende energi.
Forsidebillede: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" på Carré d'Art (Nîmes, Frankrig), 2018. Installationsbillede.
