Louise Bourgeois Kunst og Reduktion af Form

For dem, der ser abstrakt kunst som en vej mod et mere indadvendt og meningsfuldt liv, var Louise Bourgeois indbegrebet af et ideal. Men ikke på grund af hendes hædersbevisninger eller priser eller den berømmelse, hun opnåede: tværtimod. Det skyldes, at Louise Bourgeois' kunst taler til det, der er relevant for vores hverdag. For at parafrasere Gichin Funakoshi, den moderne karates fader: Når vi indser, hvordan noget relaterer sig til vores hverdag, er det dér, vi opdager dets essens. Kunstverdenen defineres alt for ofte af manifester og opdeles i bevægelser, epoker og stilarter. Kunstnere kategoriseres alt for ofte efter køn, race, nationalitet og uddannelsesmæssig baggrund. Vi glemmer let, at kunstens sande værdi eksisterer hinsides sådanne smålige overvejelser. Louise Bourgeois' kunstværker hæver sig selvsikkert over klassifikationer. Hendes æstetiske bidrag indtager oprigtigt et rum, der både er figurativt og symbolsk. Det er grotesk og samtidig sublimt. Hun udforskede enhver tænkelig disciplin, knyttede sig aldrig til en bestemt tendens og opfandt alligevel nogle få tendenser undervejs. I løbet af en syv årtier lang karriere opnåede hun noget, som få andre abstrakte kunstnere har gjort: Hun skabte personlig kunst, der var universel.

Modstridende kræfter

Louise Bourgeois blev født ind i en familie af modsætninger. Hendes far var en succesfuld forsørger, men han var også den største trussel mod Louises tryghed. Hendes forældre var partnere i forretningen og i livet, men hendes far indledte uden skam seksuelle forhold, der truede begges stabilitet. Louises fastboende barnepige og lærer, som angiveligt skulle være en beskytter og vejleder, var faktisk hendes fars elskerinde. Louises mor, der var væver i familiens tekstilvirksomhed, var en kærlig og beskyttende kraft og hendes ivrigste fortaler, men hun var også fysisk svag og døde til sidst i en ung alder.

Gennem hele sin ungdom var Louise vidne til den daglige brutalitet i et hjem, der på samme tid var præget af og truet af kærlighed. Hun oplevede den rå sandhed om menneskets karakters skrøbelighed. Hun følte jalousi, raseri, frygt, ensomhed og forvirring. Alligevel manglede hun aldrig husly, mad, tøj eller skolegang. Hun var elsket og værdsat, i det mindste af den ene forælder. Da hendes mor døde, var Louise 21 år og læste matematik på universitetet. I stedet for at fortsætte ad den vej, som var hendes fars ønske for hende, blev Louise inspireret af sin mors død til at ændre sit liv radikalt. Hun skabte sig en vej, der gjorde det muligt for hende at konfrontere og udtrykke sine følelser. Hun forlod matematikken og helligede sig i stedet et liv som kunstner.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, patina af sølvnitrat. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik og psykoterapi

I seks år efter sin mors død studerede Louise kunst og fik en praktisk uddannelse ved at besøge succesfulde kunstneres atelierer og hjælpe med deres udstillinger. Som 27-årig åbnede hun kortvarigt en butik i et hjørne af sin fars tekstilforretning, hvor hun solgte kunsttryk. Han lod hende benytte pladsen, eftersom det var et forretningsforetagende. En dag i butikken faldt hun i snak med en samler. Derefter blev de, som hun selv udtrykte det, “mellem samtaler om surrealisme og de nyeste tendenser,” gift.

Denne samler var Robert Goldwater, en respekteret amerikansk kunsthistoriker. Robert og Louise flyttede til New York, hvor Louise fortsatte med at studere kunst og udvidede omfanget af sin æstetiske produktion. Inspireret af surrealismen og psykoterapiens idé vendte Louise sig mod sin traumatiske barndom som motiv for sin kunst. Hun udviklede et symbolsk formsprog baseret på en kombination af sine minder og drømme.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Støbt og poleret bronzeskulptur. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Oplag 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Louise Bourgeois' symbolik

Louises symbolske billedsprog bestod af personlige billeder, der havde en tydelig betydning for hende. Men for beskuerne virkede hendes kunst vild, dristig, abstrakt og endda chokerende. En af Louises mest almindelige symbolske former var edderkoppen. Allerede i 1940'erne indarbejdede Louise edderkopper og spind i tegninger og tryk, og hun skabte endda en serie abstrakte, spindelinspirerede hæklede værker. Hun forklarede, at edderkopperne var en symbolsk reference til hendes mor. Hendes mor var væver, og ligesom hendes mor var det, er edderkopper beskyttere, eftersom de spiser myg, der spreder sygdomme. 

Med tiden antog hendes edderkoppeformer en monumental skala og nåede et højdepunkt med en 9 meter høj skulptur med titlen Maman. Ud over edderkopper omfattede Bourgeois' symbolske billedsprog bure, huse, mandlige og kvindelige kønsorganer, huslige genstande som stole og tøj, og hun skildrede også ofte biomorfe former, der minder om kropsdele. Et af hendes mest berømte værker har titlen The Destruction of the Father og viser et udvalg af genstande, der ligner organer og kød, spredt ud på et bord og omgivet af kugler, der fremkalder en gigantisk åben mund fuld af tænder.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Stål, gobelin, træ, glas, stof, gummi, sølv, guld og knogle. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isoleret sammen

Den fælles tråd, der løber gennem hele Bourgeois' værk, er, at alle hendes billeder relaterer sig til hendes private, personlige erfaringer. En af de stærkeste følelser, hun ønskede at dele med sine beskuere, var samspillet mellem fællesskab og isolation. I 1940'erne skabte hun en serie skulpturelle former, der refererede til forskellige mennesker, hun kendte. Hun udstillede formerne på måder, der virkede tilfældige. Men gradvist, når man ser på arrangementerne, begynder de enkelte former at udtrykke deres karakteristika, og hver form antager en individuel personlighed, indtil der opstår en fornemmelse af samspil mellem dem.

Følelser af fællesskab og isolation er også en integreret del af en serie skulpturelle objekter, Bourgeois skabte i 1950'erne, en periode hvor hun fokuserede på livets blødere sider, inspireret af sin mand og sine børn. Objekter som Night Garden, Cumul I og Clamart Other skildrer hver især en samling af former. Samlingerne virker organiske, men de synes også at skildre entiteter, der har søgt sammen for at opnå beskyttelse eller trøst.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (støbt 1991). Bronze og rustfrit stål. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Hinsides etiketter

Selvom mange af Bourgeois' værker virker figurative, er essensen af hendes værk, at det er symbolsk og personligt. Hun skildrede ofte nøgenhed og fokuserede på den kvindelige form, men hun afviste bestemt, at hendes værk indeholdt sociale eller politiske udsagn. Hun var kvinde, og seksualitet var en stærk kraft i hendes opvækst; der var kun i ringe grad eller slet ingen social eller politisk dagsorden tilsigtet med sådanne billeder. Ikke desto mindre er hun på grund af de stærke billeder i så meget af sit værk ofte blevet forbundet med feministisk kunst og LGBTQ-kunst. Selvom hun måske ikke ville have modsat sig en sådan repræsentation, hvis hun levede i dag, fastslog hun også tydeligt, at hendes mål ikke var at behandle nogen af disse spørgsmål i sit værk. Hun sagde engang: “Mit værk beskæftiger sig med problemer, der går forud for køn. Jalousi er for eksempel hverken mandlig eller kvindelig.”

Det giver mening at betragte Bourgeois' værk på et personligt plan. Hendes symbolik udspringer trods alt af hendes egne erfaringer. Ikke desto mindre kan hver af os finde noget i det, vi kan relatere til. Hvis vi er åbne, kan vi tage imod det fra perspektivet af en større visdom. Når vi kan se en krop uden at tænke i mand eller kvinde, bliver vi mindre isolerede og mere universelt menneskelige. Når vi tillader os selv at drage nytte af både vores medmenneskers lidelse og kærlighed, bliver resultatet en merværdi for både deres erfaring og vores egen.

Fremhævet billede: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronze, poleret patina. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle billeder anvendes udelukkende til illustrative formål
Af Phillip Barcio 2016
Redigeret af IdeelArt (2026)