Louise Bourgeois Kunst og Reduktion af Form
For dem, der ser abstrakt kunst som en vej mod et mere indadvendt og meningsfuldt liv, var Louis Bourgeois legemliggørelsen af et ideal. Men ikke på grund af hendes hædersbevisninger eller priser, eller den berømmelse hun opnåede: tværtimod. Det er fordi Louis Bourgeois kunst taler til det, der er relevant i vores daglige liv. For at omskrive Gichin Funakoshi, faderen til moderne karate, når vi indser, hvordan noget relaterer sig til vores hverdag, er det, når vi opdager dets væsen. Kunstverdenen defineres alt for ofte af manifest og opdeles i bevægelser, epoker og stilarter. Kunstnere kategoriseres alt for ofte efter køn, race, nationalitet og uddannelsesmæssig baggrund. Vi glemmer let, at kunstens sande værdi findes ud over sådanne smålige hensyn. Louise Bourgeois’ kunstværker hæver sig selvsikkert over klassifikationer. Hendes æstetiske bidrag bebor oprigtigt et rum, der både er figurativt og symbolsk. Det er grotesk og alligevel ophøjet. Hun udforskede alle tænkelige discipliner, uden nogensinde at knytte sig til nogen bestemt tendens, og alligevel opfandt hun nogle få tendenser undervejs. I løbet af en karriere på syv årtier opnåede hun, hvad få andre abstrakte kunstnere har: hun skabte personlig kunst, der var universel.
Modstridende kræfter
Louise Bourgeois blev født ind i en familie af modsætninger. Hendes far var en succesfuld forsørger, men han var også den største trussel mod Louises tryghed. Hendes forældre var partnere i både forretning og liv, men hendes far indgik ubekymret i seksuelle affærer, der truede stabiliteten i begge dele. Louises live-in barnepige og lærer, som skulle være en beskytter og vejleder, var i virkeligheden hendes fars elskerinde. Louises mor, en væver i familiens tekstilforretning, var en kærlig, beskyttende kraft og hendes stærkeste fortaler, men var også fysisk svag og døde ung.
Gennem hele sin ungdom var Louise vidne til den daglige brutalitet i et hjem, der samtidig var defineret af og truet af hengivenhed. Hun oplevede den rå sandhed om menneskets skrøbelighed. Hun følte jalousi, raseri, frygt, ensomhed og forvirring. Alligevel manglede hun aldrig husly, mad, tøj eller skolegang. Hun var elsket og værdsat, i det mindste af en forælder. Da hendes mor døde, var Louise 21 år og studerede matematik på universitetet. I stedet for at fortsætte på den vej, som var hendes fars ønske for hende, blev Louise inspireret af sin mors død til dramatisk at ændre sit liv. Hun banede en vej, der ville tillade hende at konfrontere og udtrykke sine følelser. Hun opgav matematik og hengav sig i stedet til at leve som kunstner.
Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, sølvnitratpatina. 33 × 41,9 × 19,7 cm; 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tommer. © 2018 The Easton Foundation
Symbolik og psykoterapi
I seks år efter sin mors død studerede Louise kunst og fik en praktisk uddannelse ved at besøge succesfulde kunstneres værksteder og hjælpe til ved deres udstillinger. Som 27-årig åbnede hun kortvarigt en butik i et hjørne af sin fars tekstilforretning, hvor hun solgte kunsttryk. Han tillod hende at bruge pladsen, da det var en forretningsforetagende. En dag i butikken indledte hun en samtale med en samler. Så, som hun sagde, “mellem samtaler om surrealisme og de nyeste tendenser,” blev de gift.
Den samler viste sig at være Robert Goldwater, en respekteret kunsthistoriker fra Amerika. Robert og Louise flyttede til New York, hvor Louise fortsatte sine kunststudier og udvidede sit æstetiske udtryk. Påvirket af surrealisme og psykoterapiens begreb vendte Louise sig mod sin traumatiske barndom som motiv for sin kunst. Hun udviklede et symbolsk formsprog baseret på en kombination af hendes minder og drømme.
Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Støbt og poleret bronzeskulptur. 11,4 × 22,9 × 15,2 cm; 4 1/2 × 9 × 6 tommer. Udgave 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation
Louise Bourgeois’ symbolik
Louises symbolske billedsprog bestod af personlige billeder, der for hende havde åbenlys betydning. Men for beskueren virkede hendes kunst vild, modig, abstrakt og endda chokerende. En af Louises mest almindelige symbolske former var edderkoppen. Allerede i 1940’erne indarbejdede Louise edderkopper og spind i tegninger og tryk og producerede endda en serie abstrakte, spindelinjeinspirerede hæklede værker. Hun forklarede, at edderkopper var en symbolsk henvisning til hendes mor. Hendes mor var væver, og ligesom hendes mor er edderkopper beskyttere, da de spiser myg, som spreder sygdom.
Til sidst antog hendes edderkoppeformer monumental skala og nåede sit højdepunkt med en 9 meter høj skulptur med titlen Maman. Ud over edderkopper omfattede Bourgeois’ symbolske billedsprog bure, huse, mandlige og kvindelige kønsorganer, husholdningsgenstande som stole og tøj, og hun skildrede også ofte biomorfe former, der lignede kropsdele. Et af hendes mest berømte værker hedder Faderens ødelæggelse og viser en række objekter, der ligner organer og kød spredt ud på et bord, omgivet af kugler, der fremkalder en kæmpestor åben mund fuld af tænder.
Louise Bourgeois - Edderkop, 1997. Stål, gobelin, træ, glas, stof, gummi, sølv, guld og ben. 449,6 × 665,5 × 518,2 cm; 177 × 262 × 204 tommer. © 2018 The Easton Foundation
Isoleret sammen
Den røde tråd gennem hele Bourgeois’ arbejde er, at alle hendes billeder relaterer til hendes private, personlige oplevelser. En af de stærkeste følelser, hun søgte at dele med sine beskuere, var samspillet mellem fællesskab og isolation. I 1940’erne skabte hun en serie skulpturelle former, der refererede til forskellige personer, hun kendte. Hun udstillede formene på måder, der virkede tilfældige. Men gradvist, når man ser på opstillingerne, begynder de enkelte former at udtrykke deres karaktertræk, og hver får sin egen personlighed, indtil en følelse af samspil opstår mellem dem.
Følelser af fællesskab og isolation er også centrale i en serie skulpturelle genstande, som Bourgeois lavede i 1950’erne, en tid hvor hun var optaget af livets blidere sider inspireret af sin mand og sine børn. Genstande som Night Garden, Cumul I og Clamart Other skildrer hver en samling af former. Samlingerne virker organiske, men de synes også at skildre væsener, der har samlet sig for at søge beskyttelse eller trøst.
Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (støbt 1991). Bronze og rustfrit stål. 171,5 × 30,5 × 30,5 cm; 67 1/2 × 12 × 12 tommer. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation
Udover mærkater
Selvom mange af Bourgeois’ værker virker figurative, er essensen i hendes arbejde, at det er symbolsk og personligt. Hun skildrede ofte nøgenhed og fokuserede på den kvindelige form, men hun var bestemt i sin afvisning af sociale eller politiske budskaber i sit arbejde. Hun var kvinde, og seksualitet var en stærk kraft i hendes opvækst; der var lidt eller intet socialt eller politisk formål med sådanne billeder. Ikke desto mindre er hun på grund af de stærke billeder i meget af sit arbejde ofte blevet forbundet med feministisk og LGBTQ-kunst. Selvom hun måske ikke ville modsætte sig en sådan repræsentation, hvis hun levede i dag, har hun også klart sagt, at hendes mål ikke var at tage fat på nogen af disse emner i sit arbejde. Hun sagde engang, “Mit arbejde handler om problemer, der er før køn. For eksempel er jalousi hverken mandligt eller kvindeligt.”
Det giver mening at betragte Bourgeois’ arbejde på et personligt plan. Trods alt er hendes symbolik relateret til hendes egne oplevelser. Ikke desto mindre kan hver af os finde noget i det, vi kan relatere til. Hvis vi er åbne, kan vi acceptere det ud fra et større visdomsperspektiv. Når vi kan se en krop uden at tænke i mandlige eller kvindelige termer, bliver vi mindre isolerede og mere universelt menneskelige. Når vi tillader os selv at lære af både lidelsen og kærligheden hos vores medmennesker, bliver resultatet en værditilvækst for både deres oplevelse og vores egen.
Fremhævet billede: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronze, poleret patina. 83,8 × 101,6 × 58,4 cm; 33 × 40 × 23 tommer. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
