Louise Bourgeois Kunst og Reduktion af Form

For dem, der ser abstrakt kunst som en vej mod et mere introspektivt og tilfredsstillende liv, var Louis Bourgeois legemliggørelsen af et ideal. Men ikke på grund af hendes hædersbevisninger eller priser, eller den berømmelse hun opnåede: tværtimod. Det er fordi Louis Bourgeois kunst taler til det, der er relevant for vores hverdag. For at parafrasere Gichin Funakoshi, faderen til moderne karate, når vi indser, hvordan noget relaterer sig til vores hverdag, er det da, vi opdager dets essens. Kunstverdenen defineres alt for ofte af manifest og opdeles i bevægelser, epoker og stilarter. Kunstnere kategoriseres alt for ofte efter køn, race, nationalitet og uddannelsesmæssig baggrund. Vi glemmer let, at kunstens sande værdi eksisterer ud over sådanne smålige overvejelser. Louise Bourgeois' kunstværker hæver sig selvsikkert over klassifikationer. Hendes æstetiske bidrag bebor oprigtigt et rum, der både er figurativt og symbolsk. Det er grotesk og dog sublimt. Hun udforskede hver tænkelig disciplin, uden nogensinde at knytte sig til nogen bestemt trend, og alligevel opfandt hun et par trends undervejs. I løbet af en karriere på syv årtier opnåede hun, hvad få andre abstrakte kunstnere har: hun skabte personlige kunstværker, der var universelle.

Modstridende kræfter

Louise Bourgeois blev født ind i en familie af modsigelser. Hendes far var en succesfuld forsørger, men han var også den største trussel mod Louises sikkerhed. Hendes forældre var partnere i både forretning og liv, men hendes far engagerede sig uden undskyldninger i seksuelle affærer, der truede stabiliteten for begge. Louises hjemmeboende barnepige og lærer, som angiveligt var en beskytter og vejleder, var faktisk hendes fars elskerinde. Louises mor, en væver for familiens tekstilvirksomhed, var en kærlig, beskyttende kraft og hendes mest ivrige fortaler, men var også fysisk svag og døde til sidst ung.

I hele sin ungdom var Louise vidne til den daglige brutalitet i et hjem, der samtidig var defineret af og truet af kærlighed. Hun oplevede den rå sandhed om menneskets skrøbelighed. Hun følte jalousi, raseri, frygt, ensomhed og forvirring. Alligevel manglede hun aldrig husly, mad, tøj eller skolegang. Hun blev elsket og værdsat, i det mindste af en forælder. Da hendes mor døde, var Louise 21 år og studerede matematik på universitetet. I stedet for at fortsætte ad den vej, som hendes fars ønske var for hende, blev Louise inspireret af sin mors død til dramatisk at ændre sit liv. Hun banede en vej, der ville give hende mulighed for at konfrontere og udtrykke sine følelser. Hun opgav matematik og hengav sig i stedet til at leve livet som kunstner.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, sølvnitrat patina. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tommer; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik og Psykoterapi

I seks år efter hendes mor døde, studerede Louise kunst og fik en praktisk uddannelse ved at besøge studierne hos succesfulde kunstnere og hjælpe med deres udstillinger. I en alder af 27 åbnede hun kortvarigt en butik i et hjørne af sin fars tekstilbutik, hvor hun solgte kunsttryk. Han tillod hende at bruge pladsen, da det var et forretningsforetagende. En dag i butikken indledte hun en samtale med en samler. Så, som hun sagde, “mellem snakken om surrealisme og de nyeste trends,” blev de gift.

Den samler viste sig at være Robert Goldwater, en respekteret kunsthistoriker fra Amerika. Robert og Louise flyttede til New York, hvor Louise fortsatte med at studere kunst og udvidede omfanget af sin æstetiske produktion. Påvirket af surrealisme og konceptet om psykoterapi, vendte Louise sig mod sin traumatiske barndom som emne for sin kunst. Hun udviklede et symbolsk sprog af former baseret på en kombination af sine minder og sine drømme.

Louise Bourgeois - Give or Take (Hvordan har du det i dag?), 1990. Støbt og poleret bronzeskulptur. 4 1/2 × 9 × 6 tommer; 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Udgave 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Symbolikken i Louise Bourgeois' værker

Louises symbolske visuelle sprog bestod af personlige billeder, der for hende havde åbenlys betydning. Men for seerne virkede hendes kunst vild, dristig, abstrakt og endda chokerende. En af Louises mest almindelige symbolske former var edderkoppen. Allerede i 1940'erne inkorporerede Louise edderkopper og spidser i tegninger og tryk, og hun producerede endda en serie af abstrakte, spindelvævsinspirerede hæklede værker. Hun forklarede, at edderkopper var en symbolsk reference til hendes mor. Hendes mor var væver, og ligesom hendes mor er edderkopper beskyttere, da de spiser myg, som spreder sygdom. 

Til sidst tog hendes edderkoppes former en monumental skala, der nåede et højdepunkt med en 9 meter høj skulptur med titlen Maman. Udover edderkopper omfattede Bourgeois' symbolske visuelle sprog bure, huse, mandlige og kvindelige genitalier, husholdningsgenstande som stole og tøj, og hun portrætterede også ofte biomorfe former, der ligner kropsdele. Et af hendes mest berømte værker hedder Faderens Ødelæggelse, og indeholder et udvalg af genstande, der ligner organer og kød spredt ud på et bord, omgivet af kugler, der fremkalder en kæmpe åben mund fuld af tænder.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Stål, tapet, træ, glas, stof, gummi, sølv, guld og knogle. 177 × 262 × 204 tommer; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isoleret sammen

Den fælles tråd, der løber gennem alt Bourgeois' arbejde, er, at alle hendes billeder relaterer sig til hendes private, personlige oplevelser. En af de mest kraftfulde følelser, hun søgte at dele med sine seere, var den mellemspil mellem samhørighed og isolation. I 1940'erne skabte hun en række skulpturelle former, der refererede til forskellige mennesker, hun kendte. Hun udstillede formerne på måder, der synes tilfældige. Men gradvist, når man ser på arrangementerne, begynder de enkelte former at udtrykke deres karakteristika, og hver får en individuel personlighed, indtil en følelse af interaktion udvikler sig mellem dem.

Følelser af samhørighed og isolation er også integrale i en række skulpturelle objekter, som Bourgeois lavede i 1950'erne, en tid hvor hun var fokuseret på livets blødere side inspireret af sin mand og børn. Objekter som Night Garden, Cumul I og Clamart Other skildrer hver især en samling af former. Samlingerne virker organiske, men de synes også at skildre enheder, der har samlet sig for beskyttelse eller trøst.

Louise Bourgeois - Knivpar, 1949 (støbt 1991). Bronze og rustfrit stål. 67 1/2 × 12 × 12 tommer; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Ud over etiketter

Selvom mange af Bourgeois' værker synes at være figurative, er essensen af hendes arbejde, at det er symbolsk og personligt. Hun portrætterede ofte nøgenhed og fokuserede på den kvindelige form, men hun var bestemt i at benægte enhver social eller politisk erklæring i sit arbejde. Hun var kvinde, og seksualitet var en magtfuld kraft i hendes opvækst; der var lidt eller ingen social eller politisk dagsorden i sådanne billeder. Ikke desto mindre, på grund af de kraftfulde billeder i så mange af hendes værker, er hun ofte blevet identificeret med feministisk og LGBTQ kunst. Selvom hun måske ikke ville modsætte sig sådan repræsentation, hvis hun levede i dag, sagde hun også klart, at hendes mål ikke var at adressere nogen af disse spørgsmål i sit arbejde. Hun sagde engang, "Mit arbejde beskæftiger sig med problemer, der er præ-køn. For eksempel er jalousi ikke mandlig eller kvindelig."

Det giver mening at betragte Bourgeois' arbejde på et personligt niveau. Når alt kommer til alt, er hendes symbolik relateret til hendes egne oplevelser. Ikke desto mindre kan hver af os finde noget i det, som vi kan relatere til. Hvis vi er åbne, kan vi acceptere det fra perspektivet af en større visdom. Når vi kan se en krop og ikke tænke i termer af mand eller kvinde, bliver vi mindre isolerede og mere universelt menneskelige. Når vi tillader os selv at få noget ud af både lidelsen og kærligheden fra vores medmennesker, er slutresultatet værdi tilføjet både deres oplevelse og vores egen.

Fremhævet billede: Louise Bourgeois - Hysteriens Bue, 1993. Bronze, poleret patina. 33 × 40 × 23 tommer; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio