Konkret Kunst: En Samlers Guide til Kunsten om Absolut Klarhed
I kunsthistorien er få begreber så misforståede som "Konkrete Kunst." For den uindviede antyder ordet vægt, soliditet eller måske det grå industrielle materiale selv. I kunstverdenen betyder det dog noget langt mere radikalt: en afvisning af idéen om, at kunst skal være "om" noget andet. Mens traditionel abstraktion abstraherer fra virkeligheden (tager et træ og reducerer det til linjer), konstruerer Konkrete Kunst en ny virkelighed. Det hævder, at en linje, en farve eller et plan er en virkelig ting, lige så konkret som en stol eller en sten. I dag, hvor vi navigerer i en verden mættet med digital støj og endeløse fortællinger, føles den Konkrete Kunstners stræben efter "absolut klarhed" og autonom form ikke blot relevant, men essentiel. Den tilbyder et visuelt fristed, et sted hvor det, du ser, er præcis det, det er.
Ud over Abstraktion: Den Særlige Natur af Konkrete Kunst
Sammen med Suprematisme, Konstruktivisme, De Stijl, Neo-Konkrete Kunst og Minimalisme er Konkrete Kunst en af en halv snes geometriske abstrakte kunstbevægelser, der opstod i det 20. århundrede, cirka mellem 1913 og 1970. Men den adskiller sig markant fra alle de andre på denne liste. Forskellen er måske ikke umiddelbart synlig. Visuelt producerede alle seks bevægelser lignende værker. Det skyldes, at de alle var baseret på samme syntaks – et visuelt sprog rodfæstet i non-objektive, formale elementer som linjer, former og farver.
Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017
Den væsentlige forskel mellem dem var næsten udelukkende semantisk, hvilket betyder, at intentionen og meningen bag hver enkelt var unik. Suprematisme brugte geometrisk abstraktion til at kommunikere “overlegenheden af ren følelse eller perception.” Konstruktivisme brugte det til at konstruere nye nyttige symboler for en moderne verden. De Stijl brugte geometriske elementer til at udforske universets iboende harmoni. Konkrete Kunst var rent plastisk: hvert visuelt element, den anvendte, blev skabt på en mekanisk måde og var fri for enhver symbolsk, følelsesmæssig, spirituel eller naturalistisk betydning. Neo-Konkrete Kunst brugte det samme visuelle sprog som Konkrete Kunst, men afviste dens rene plasticitet og fokuserede i stedet på det fænomenologiske potentiale, der opstår, når mennesker interagerer med kunst. Minimalisme var enig i, at plastiske elementer skulle være selvrefererende, men tog denne tro til det yderste og gav æstetiske komponenter autonom magt til det punkt, hvor kunstneren sublimere, og al evidens for ophavsret, fortælling, biografi eller andet, der kunne forstyrre værkets totalitære tilstedeværelse, fjernes.
Af alle disse bevægelser kan kun én, konkrete kunst, hævde at være rent abstrakt. Den søgte alene aktivt at eliminere enhver ydre mening og frigjorde kunstnere fra at skulle kommunikere andet end det, der tydeligt var synligt i værket.
Bevægelsen mod Konkretion
Tendensen mod en ren, plastisk kunst tog rod i Europa omkring midten af 1800-tallet. Det var dengang malere tilknyttet bevægelser som impressionisme og divisionisme begyndte at isolere elementer som lys og farve som ting, der var værdige til individuel betragtning. Men motiv og mening var stadig vigtige for folk på det tidspunkt, hvis ikke for kunstnerne selv, så i det mindste for deres mæcener. Det krævede bevægelser som kubisme og futurisme at begynde at ændre dette syn, hvilket banede vejen for kunstnere som Wassily Kandinsky og Kazimir Malevich til at male fuldstændig abstrakte værker i begyndelsen af 1900-tallet.
Men selv Kandinsky og Malevich lavede værker, der refererede til ydre betydningskilder som spiritualitet og symbolik. Det var først i 1930, at den første europæer med succes formulerede ønsket om at omfavne en virkelig meningsløs, ren form for abstrakt visuel kunst. Denne kunstner var den hollandske maler og forfatter Theo van Doesburg. Van Doesburg blev først kendt omkring 1917, da han medstiftede De Stijl sammen med Piet Mondrian. Men han og Mondrian gik snart hver til sit, fordi Mondrian, ligesom mange andre abstrakte kunstnere, var stærkt påvirket af utopisk spiritualitet. Van Doesburg ønskede at undslippe alle sådanne påvirkninger samt alle naturalistiske eller figurative referencer. Så i 1930, sammen med den schweiziske kunstner Otto Gustaf Carlsund, den franske maler Jean Hélion, den armenske maler Léon Arthur Tutundjian og den franske typograf Marcel Wantz, var han medforfatter til Manifestet for Konkrete Kunst.
Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian
Manifestet for Konkrete Kunst
Manifestet opstillede seks principper: “1) Kunst er universel. 2) Et kunstværk skal være fuldstændigt udtænkt og formet af sindet før udførelsen. Det må ikke modtage noget af naturens, sensualitetens eller sentimentalitetens formale data. Vi ønsker at udelukke lyrik, drama, symbolik og så videre. 3) Maleriet skal være fuldstændigt opbygget af rent plastiske elementer, nemlig flader og farver. Et billedligt element har ingen betydning ud over “sig selv”; som følge heraf har et maleri ingen anden betydning end “sig selv”. 4) Konstruktionen af et maleri, såvel som dets elementer, skal være enkel og visuelt kontrollerbar. 5) Malerteknikken skal være mekanisk, dvs. præcis, anti-impressionistisk. 6) En indsats mod absolut klarhed er obligatorisk.”
Van Doesburg døde et år efter Manifestet for Konkrete Kunst blev offentliggjort, så han nåede ikke at forsvare det mod den hær af kritikere, der angreb det i de følgende årtier. Kritikernes klager centrerede sig hovedsageligt om, hvad de opfattede som den kolde sjæleløshed og sterilitet i Konkrete Kunst. Men det var selvfølgelig bevægelsens hensigt hele tiden. Faktisk er det svært at forestille sig, at van Doesburg, hvis han havde levet længere, ville have brugt tid på at diskutere med sine kritikere. Han ville sandsynligvis have tolket ordet sjæleløs som et kompliment og ordene kold og steril som høj ros.
Art Concret Manifesto, maj 1930, via wikiart.org
For at forstå, hvorfor Konkrete Kunst først appellerede så stærkt til mange kunstnere, er det essentielt at forstå, at van Doesburg var en del af en generation, der var blevet desillusioneret efter årtiers vold. Den massive død og ødelæggelse, der fulgte med moderne krigsførelse, chokerede dem. Og mange intellektuelle kom til den konklusion, at volden ikke var opstået ud af et vakuum. Tværtimod så de det som det uundgåelige resultat af politiske, religiøse og ideologiske konflikter. Konkrete Kunst var en appel til kunstnere om at koble fra den virkelighed, der havde bragt verden til randen af ødelæggelse.
Markedet for Klarhed: At Samle Konkrete Kunst i Dag
I midten af 2020’erne har kunstmarkedet oplevet et stille, men afgørende skift. Efter et årti domineret af hyper-narrative og politisk ladede figurative værker, vender samlere og indretningsarkitekter i stigende grad mod Geometrisk Abstraktion og Minimalisme. Denne tendens er ikke blot æstetisk; den er psykologisk. I en periode præget af global ustabilitet og digital støj ser kunstverdenen en "flugt til struktur", en kollektiv trang til visuelt fristed.
Konkrete Kunst sidder i spidsen for denne bevægelse. Fordi den nægter at referere til den kaotiske ydre verden, afviser politik, tragedie og repræsentation til fordel for ren form, tilbyder den en tidløs stabilitet, der beskytter den mod trendstyret kunsts luner. Det er per definition en kunst af sikkerhed.
Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (venstre) og Cut Up Paper 1.27 (højre), 2016
"Blue Chip"-Valideringen
Markedet for de originale mestre i denne bevægelse har oplevet stabil, robust vækst, hvilket bekræfter dens status som en "sikker" aktivklasse. Mens Josef Albers ofte topper markedsrapporter med sit pålidelige auktionsvolumen (hans trykmarked alene siges at være tredoblet i omsætning siden 2015), er han ikke en undtagelse. Rekordresultater for Max Bill og Theo van Doesburg (hvis Contra-Composition VII opnåede en rekord på 4,1 millioner dollars) beviser genrens blue-chip-status. Samtidig tyder en nylig stigning i institutionel opmærksomhed på figurer som Verena Loewensberg og Richard Paul Lohse på, at markedet aktivt revurderer og hæver bevægelsens nøglefigurer i Europa.
Desuden har den "Neo-Konkrete" gren af bevægelsen oplevet eksplosiv vækst, med brasilianske mestre som Lygia Pape og Hélio Oiticica der opnår rekordstore salg, som bekræfter bevægelsens globale, tværkulturelle appel.
Den Samtidige Mulighed
For den kloge samler fungerer denne historiske validering som et markedssignal. Når bevægelsens "forfædre" konsoliderer sig til blue-chip-status, udvider markedets fokus sig naturligt for at finde dens levende arvinger. At samle samtidskunst inden for Konkrete Kunst er ikke blot en tilgængelig indgang; det er en strategisk investering i fortsættelsen af en prestigefyldt arv.
Ved at erhverve værker fra levende udøvere, som dem der præsenteres på IdeelArt, engagerer samlere sig i det nuværende kapitel af en århundredelang historisk dialog. I modsætning til ekspressive stilarter, der kan føles uadskilleligt bundet til et bestemt tidspunkt, tillader den matematiske renhed i Konkrete Kunst, at den fungerer som et permanent "visuelt anker" i en samling, en evig favorit for dem, der søger både intellektuel stringens og æstetisk ro.
Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris
Arven fra Konkrete Kunst i Samtidspraksis
De strenge regler, der blev fastlagt i Van Doesburgs manifest fra 1930, som kræver mekanisk præcision og fjernelse af sentimentalitet, kan virke stive i dag. Men bevægelsens kerneånd trives i samtidspraksis. Kunstnere fortsætter med at hylde den "konkrete" realitet i deres materialer ved at bruge struktur, geometri og farve ikke til at symbolisere følelser, men til at skabe autonome objekter, der interagerer direkte med beskuerens perception.
Hos IdeelArt bærer flere kunstnere denne fakkel videre og udvikler traditionen for det 21. århundrede:
Tilman: En direkte arving til den Konkrete tradition, Tilman nævner eksplicit bevægelsen som en primær inspiration. Hans "byggede miljøer" og stablede objekter repræsenterer ikke verden; de er nye objekter, der træder ind i den. Ved at fortolke fundne visuelle elementer til "fremstillede konkrete objekter" gennem en reduktiv proces opfylder han manifestets krav om værker, der er konstruerede frem for impressionistiske.
Arvid Boecker: Grundlæggerne af Abstraction-Création krævede berømt kunst, der var "udtænkt af sindet" og udført med mekanisk præcision, hvor kunstnerens romantiske ego blev fjernet. Den tyske maler Arvid Boecker legemliggør denne "videnskabelige" tilgang til skabelse. Ved at bruge silketryksrakler i stedet for traditionelle pensler fjerner han den ekspressive håndbevægelse og behandler lærredet som et sted for streng konstruktion. Han påfører lag på lag af oliemaling i en systematisk proces af tilføjelse og fratrækning og skaber værker, hvor farve ikke er en følelse, men en fysisk vægt og dybde. Hans praksis opfylder bevægelsens drøm om en kunst, der er lige så objektiv og substansfuld som en maskine eller en bygning.
Daniel Göttin: Göttins arbejde skubber det "plastiske" element i Konkrete Kunst ind i det tredimensionale rum. Ved at arbejde med industrielle materialer som tape, træ og metal skaber han stedsspecifikke interventioner, der reagerer på rummets arkitektur. Hans kunst er ikke et vindue til en illusion, men en fysisk ændring af virkeligheden, der fremhæver det konkrete samspil mellem lys, skygge og materiale.
Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Diptykon, 2024)
Ulla Pedersen: Den danske kunstner beskriver sin egen praksis som en "konkret udforskning af farve, materialitet, form og balance". Hendes værker opfylder bevægelsens kriterier for visuel kontrollerbarhed og bruger ofte en "reduktiv" proces til at kombinere positive og negative elementer i nye konfigurationer. Ved at sætte "form og non-form" op mod hinanden bevarer hun bevægelsens fascination af matematisk præcision og formens autonomi.
Brent Hallard: Hallards arbejde på aluminium og papir legemliggør den "absolutte klarhed", Van Doesburg søgte. Hans monokromatiske og semi-monokromatiske billeder af geometriske former afviser fortælling til fordel for præcision og nøjagtighed. Hans fokus på minimalistisk ikonografi skaber en direkte, umiddelbar visuel oplevelse, der kun refererer til sig selv.
Arvid Boecker, fra venstre mod højre: #1744 (2025), #1691 (2024) og #1740 (2025)
Pierre Muckensturm: Oprindeligt en figurativ maler, skiftede Muckensturm til abstraktion for at indfange en følelse af "ro og konstanthed". Hans store oliemalerier og tryk isolerer gestuelle elementer, men i stedet for at bruge dem til ekspressionistisk fortælling behandler han dem som strukturelle komponenter. Han udforsker metodisk lærredets transformation og skaber værker, hvor "harmonien med tiden" skaber en følelse af objektiv, tidløs virkelighed, der minder om det Konkrete ideal.
Konklusion: Det Menneskelige Element
Samtidige publikum kan ikke undgå at finde mening i Konkrete Kunst. Kunstnerens intention betyder ofte lidt for os, fordi vi ser værket i kontekst med kunsthistorien og vores personlige historier. Det var også noget, brasilianske kunstnere som Lygia Pape, Hélio Oiticica og Lygia Clark, der etablerede Neo-Konkrete Bevægelse, indså. De vidste, at selvom en farve, en form eller en linje kun refererer til sig selv, får den ny mening, når vi oplever den selv. På trods af Konkrete Kunsters bedste bestræbelser på at opnå objektiv renhed, er absolut klarhed i abstrakt kunst flygtig, fordi det menneskelige sind altid står parat til at mudre vandet med sin egen fantasi.
Af Phillip Barcio (2017) - Redigeret af Francis Berthomier (2025).
Forsidebillede: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).
