Optisk Illusionskunst Der Prægede Det 20. Århundrede

Virkeligheden er ikke altid fast; eller i det mindste kan det synes sådan for det menneskelige sind. Hvad vi tror, er baseret i nogen grad på, hvad vi opfatter, men hvad vi opfatter er også nogle gange bestemt af, hvad vi tror. Optisk illusion kunst, eller Op Kunst for kort, er en æstetisk stil, der bevidst udnytter den underlighed ved menneskelig perception, der giver det menneskelige øje evnen til at bedrage den menneskelige hjerne. Ved at manipulere mønstre, former, farver, materialer og former stræber Op Kunstnere efter at skabe fænomener, der narre øjet, hvilket forvirrer seerne til at se mere end hvad der faktisk er der. Og da tro kan være lige så indflydelsesrig som fakta, stiller Op Kunst spørgsmålet om, hvad der betyder mest: perception eller sandhed.

En kort historie om optisk illusionskunst

Op Art har sine rødder i en teknik kaldet trompe-l'œil, som er fransk for bedrag øjet. De tidligste referencer til sådanne tendenser i kunsten går tilbage til antikken, da gamle græske kunstnere forsøgte at lave malerier så realistiske, at folk bogstaveligt talt ville blive narret til at tro, at deres billeder var virkelige. Teknikken har efterfølgende været inde og ude af mode mange gange gennem århundrederne, og nåede sit højdepunkt i det 19. århundrede med trompe-l'œil malerier som Escaping Criticism, malet i 1874 af Pere Borrell del Caso, som viser et hyper-realistisk billede af et barn, der klatrer ud af en billedramme.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Men selvom det også er beregnet til at narre øjet, er Op Art ikke det samme som hyper-realistisk kunst. Faktisk er Op Art, som vi kender det i dag, oftere abstrakt og afhænger af geometriske kompositioner for at overbevise øjet om, at uvirkelige former og rumlige planer eksisterer. Den første abstrakte teknik, der blev designet til at narre øjet, blev kaldt Pointillisme. I stedet for at blande farver på forhånd, placerede pointillistiske malere umixede farver ved siden af hinanden på et lærred, hvilket skabte illusionen af solide farvefelter. Når disse malerier ses på afstand, ser det ud til, at farverne er blandet. Georges Seurat opfandt Pointillisme og mestrede effekten med malerier som Fyrtårn i Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Abstrakte illusioner

Konceptet bag Pointillisme gav i sidste ende anledning til mange andre teknikker, da kunstnere søgte efter måder at bedrage sindet til at fuldende et billede. Det inspirerede Divisionismen hos de italienske futurister og de firedimensionale planer af Kubisme. Men dens mest succesfulde anvendelse kom, da den blev kombineret med æstetikken af geometrisk abstraktion, som med den abstrakte geometriske ætsning Strukturel Konstellation, malet i 1913 af Josef Albers.

Ifølge hans egne udsagn forsøgte Albers ikke at lave en optisk illusion med dette værk. Han var engageret i enkle kompositionsforsøg vedrørende opfattelsen af linjer og former på en to-dimensionel overflade. Ikke desto mindre opdagede han, at arrangementet af linjer, former og farver på en overflade faktisk kan ændre den måde, sindet opfatter, hvad der er virkeligt. Og selvom han ikke bevidst forsøgte at narre seerne med sine værker, brugte han alligevel et liv på at undersøge disse effekter.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebraer og Skakbrætter

Victor Vasarely, en samtidige med Albers, engagerede sig dog i en bevidst indsats for at finde måder at bedrage seerne med sin kunst. Vasarely var lige så meget en videnskabsmand som han var maler, og han var især interesseret i, hvordan disse to bestræbelser kom sammen for at påvirke perceptionen. Allerede i 1920'erne havde kunstneren lært, at han gennem manipulation af linje alene kunne fuldstændig forvrænge en todimensionel overflade på en måde, der bedrog sindet til at opfatte den som tredimensionel plads.

Et emne, som Vasarely gentagne gange vendte tilbage til i sit arbejde, var zebraen. Striberne på dette dyr tjener faktisk til at bedrage naturlige rovdyr, som ikke kan se, hvilken retning dyret løber, på grund af samspillet mellem dets sorte og hvide striber og omgivelserne. Da han låste op for hemmelighederne bag dette fænomen, anvendte han dem på mere komplekse geometriske kompositioner, og i 1960'erne skabte han en signaturstil, der inspirerede det, der i dag betragtes som den modernistiske Op Art-bevægelse. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Sort og hvid

En af de mest berømte Optiske Illusionskunstnere i det 20. århundrede var den britiske kunstner Bridget Riley, som blev direkte inspireret af Victor Vasarelys arbejde. Riley studerede på Royal College of Art i begyndelsen af 1950'erne. Hendes tidlige arbejde var figurativt, men efter at have fået et job som illustrator på et reklamebureau blev hun mere interesseret i at skabe visuelle illusioner. Hun begyndte at undersøge Pointillisme og derefter Divisionisme og udviklede til sidst sin egen signaturstil inden for Op Art, primært baseret på sort-hvid geometrisk abstraktion.

Riley var så succesfuld i at skabe optiske illusioner i sit arbejde, at seerne nogle gange rapporterede om at opleve følelser af søsyge eller bevægelsessyge, når de så på hendes malerier. Dette fænomen fascinerede Riley, som blev overbevist om, at grænsen mellem perception og virkelighed faktisk er ret skrøbelig, og at en tro forårsaget af en illusion faktisk kunne manifestere reelle konsekvenser i den fysiske verden. Sagde Riley, “Der var en tid, hvor betydninger var fokuserede, og virkeligheden kunne være fast; da den slags tro forsvandt, blev tingene usikre og åbne for fortolkning.”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

Det lydhøre øje

Højden af den modernistiske Op Art-bevægelse kom med en udstilling kaldet The Responsive Eye, der turnerede i USA i 1965. Denne udstilling præsenterede mere end 120 kunstværker af dusinvis af kunstnere, der repræsenterede et bredt spektrum af æstetiske positioner. Udstillingen inkluderede de stærkt illusionistiske værker af Victor Vasarely og Bridget Riley samt mere afdæmpede geometriske abstraktionister fra kunstnere som Frank Stella og Alexander Liberman og kinetiske skulpturer fra kunstnere som Wen-Ying Tsai og Carlos Cruz-Diez.

Også inkluderet i The Responsive Eye-gruppen var skulptøren Jesús Rafael Soto, som uden tvivl tog Op Art længst ind i området for tredimensionel perception med et værk kaldet Penetrables. Disse interaktive kreationer består af hundredevis af delvist malede, hængende plastiktuber, som seerne kan gå igennem. Når de ikke forstyrres, præsenterer de en slående illusion af, at en konkret form svæver i rummet. Men når tilskuere fysisk interagerer med skulpturerne, opløses illusionen, hvilket giver indtrykket af, at en konkret virkelighed faktisk kan blive forvrænget og ændret af menneskelig berøring.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op Art Legacy

Velsignelsen og forbandelsen ved Op Art er dens popularitet. Da bevægelsen var på sit højeste i 1960'erne, afskyede mange kritikere den, fordi dens billeder blev grådigt tilegnet af producenter af kitsch-varer som t-shirts, kaffekopper og plakater. Men for kunstnere som Victor Vasarely og Jesús Rafael Soto var det netop pointen.

Disse kreative troede på, at værdien af et kunstværk bestemmes af den grad, hvori en betragter kan deltage i dets fuldendelse. De skabte æstetiske fænomener, der tilpasser sig hver ny betragter, hvilket skaber ubegrænsede fortolkningsmuligheder. Det faktum, at deres kunst blev forbrugt på masseplan, var helt i overensstemmelse med deres koncept, som er, at der ikke bør være nogen barrierer mellem mennesker og kunst, og at de barrierer, der synes at eksistere, kun eksisterer i vores opfattelse.

Fremhævet billede: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl på lærred. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio