Optisk Illusionskunst Der Prægede Det 20. Århundrede

Virkeligheden er ikke altid fast; eller i det mindste kan det synes sådan for det menneskelige sind. Det, vi tror på, er til en vis grad baseret på det, vi opfatter, men det, vi opfatter, bestemmes også nogle gange af det, vi tror på. Optisk illusion kunst, eller Op Kunst for kort, er en æstetisk stil, der med vilje udnytter den mærkelighed i menneskelig opfattelse, som giver det menneskelige øje evnen til at narre den menneskelige hjerne. Ved at manipulere mønstre, former, farver, materialer og figurer stræber Op-kunstnere efter at skabe fænomener, der snyder øjet og forvirrer beskueren til at se mere, end der faktisk er. Og da tro kan være lige så indflydelsesrig som fakta, stiller Op-kunsten spørgsmålet om, hvad der betyder mest: opfattelse eller sandhed.

En kort historie om optisk illusionskunst

Op-kunsten har sine rødder i en teknik kaldet trompe-l'œil, som er fransk for narre øjet. De tidligste henvisninger til sådanne tendenser i kunsten går tilbage til oldtiden, hvor gamle græske kunstnere forsøgte at gøre malerier så realistiske, at folk bogstaveligt talt blev narret til at tro, at deres billeder var virkelige. Teknikken er sidenhen gået ind og ud af mode mange gange gennem århundrederne og nåede sit højdepunkt i det 19. århundrede med trompe-l'œil-malerier som Escaping Criticism, malet i 1874 af Pere Borrell del Caso, som viser et hyperrealistisk billede af et barn, der klatrer ud af en billedramme.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Olie på lærred. Samling Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Men selvom Op-kunsten også har til formål at narre øjet, er den ikke det samme som hyperrealistisk kunst. Faktisk er Op-kunsten, som vi kender den i dag, oftere abstrakt og bygger på geometriske kompositioner for at overbevise øjet om, at uvirkelige former og rumlige planer eksisterer. Den første abstrakte teknik, der var designet til at narre øjet, blev kaldt Pointillisme. I stedet for at blande farver på forhånd placerede pointillistiske malere ub blandede farver ved siden af hinanden på et lærred og skabte illusionen af solide farvefelter. Når disse malerier ses på afstand, synes farverne at være blandet. Georges Seurat opfandt Pointillismen og mestrede effekten med malerier som Lighthouse at Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Olie på lærred. Mål: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 tommer), indrammet: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 tommer). Samling af hr. og fru Paul Mellon

Abstrakte illusioner

Det grundlæggende koncept bag Pointillismen gav i sidste ende anledning til mange andre teknikker, da kunstnere søgte måder at narre sindet til at fuldføre et billede. Det inspirerede divisionismen hos de italienske futurister og de firedimensionale planer i kubismen. Men den mest succesfulde anvendelse kom, da det blev kombineret med æstetikken i geometrisk abstraktion, som med det abstrakte geometriske ætsetryk Structural Constellation, malet i 1913 af Josef Albers.

Ifølge hans egne udtalelser forsøgte Albers ikke at lave en optisk illusion med dette værk. Han var engageret i simple kompositionsforsøg vedrørende opfattelsen af linjer og former på en todimensionel flade. Ikke desto mindre opdagede han, at arrangementet af linjer, former og farver på en flade faktisk kan ændre den måde, sindet opfatter, hvad der er virkeligt. Og selvom han ikke med vilje forsøgte at narre beskuerne med sine værker, brugte han alligevel et helt liv på at undersøge disse effekter.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. Hvide linjer ætset i sort baggrund på træ. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebraer og skakbrætter

Victor Vasarely, en samtid af Albers, foretog dog en bevidst indsats for at finde måder at narre beskuerne med sin kunst. Vasarely var lige så meget videnskabsmand som maler, og han var særligt interesseret i, hvordan disse to sysler kom sammen for at påvirke opfattelsen. Allerede i 1920’erne havde kunstneren lært, at han gennem manipulation af linjer alene kunne forvride en todimensionel flade på en måde, der narrede sindet til at opfatte den som tredimensionelt rum.

Et motiv, Vasarely gentagne gange vendte tilbage til i sit arbejde, var zebraen. Dette dyrs striber tjener faktisk til at narre naturlige rovdyr, som ikke kan afgøre, hvilken retning dyret løber i på grund af samspillet mellem dets sorte og hvide striber og omgivelserne. Da han låste op for hemmelighederne bag dette fænomen, anvendte han dem i mere komplekse geometriske kompositioner og skabte i 1960’erne en signaturstil, der inspirerede det, der i dag betragtes som den modernistiske Op-kunstbevægelse.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Sort og hvid

En af de mest berømte kunstnere inden for optiske illusioner i det 20. århundrede var den britiske kunstner Bridget Riley, som var direkte inspireret af Victor Vasarelys arbejde. Riley studerede på Royal College of Art i begyndelsen af 1950’erne. Hendes tidlige arbejde var figurativt, men efter at have fået job som illustrator på et reklamebureau blev hun mere interesseret i at skabe visuelle illusioner. Hun begyndte at undersøge Pointillismen og derefter Divisionismen og udviklede til sidst sin egen signaturstil inden for Op-kunsten, baseret primært på sort og hvid geometrisk abstraktion.

Riley var så dygtig til at skabe optiske illusioner i sine værker, at beskuere nogle gange rapporterede at opleve søsyge eller køresyge, når de så på hendes malerier. Dette fænomen fascinerede Riley, som blev overbevist om, at grænsen mellem opfattelse og virkelighed faktisk er ganske skrøbelig, og at en tro forårsaget af en illusion rent faktisk kan få reelle konsekvenser i den fysiske verden. Riley sagde: “Der var en tid, hvor betydninger var fokuserede, og virkeligheden kunne fastlægges; da den slags tro forsvandt, blev tingene usikre og åbne for fortolkning.”

Bridget Riley foran et af sine store, hypnotiske Op-kunstmalerier, © Bridget Riley

Det reagerende øje

Højdepunktet for den modernistiske Op-kunstbevægelse kom med en udstilling kaldet The Responsive Eye, som turnerede i USA i 1965. Denne udstilling viste mere end 120 kunstværker af dusinvis af kunstnere, der repræsenterede en bred vifte af æstetiske holdninger. Udstillingen omfattede de stærkt illusionistiske værker af Victor Vasarely og Bridget Riley samt mere afdæmpede geometriske abstraktioner fra kunstnere som Frank Stella og Alexander Liberman og kinetiske skulpturer fra kunstnere som Wen-Ying Tsai og Carlos Cruz-Diez.

Også med i The Responsive Eye-gruppen var billedhuggeren Jesús Rafael Soto, som måske tog Op-kunsten længst ind i den tredimensionelle opfattelses verden med en række værker kaldet Penetrables. Disse interaktive kreationer består af hundredevis af delvist malede, hængende plastikrør, som beskuere kan gå igennem. Når de ikke forstyrres, præsenterer de en slående illusion af, at en konkret form svæver i rummet. Men når tilskuere fysisk interagerer med skulpturerne, opløses illusionen, hvilket giver opfattelsen af, at en konkret virkelighed faktisk kan bøjes og ændres ved menneskelig berøring.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Op-kunstens arv

Velsignelsen og forbandelsen ved Op-kunsten er dens popularitet. Da bevægelsen var på sit højeste i 1960’erne, hadede mange kritikere den, fordi dens billeder blev grådigt overtaget af producenter af kitschede ting som t-shirts, kaffekrus og plakater. Men for kunstnere som Victor Vasarely og Jesús Rafael Soto var det netop pointen.

Disse skabere mente, at værdien af et kunstværk bestemmes af, i hvor høj grad en beskuer kan deltage i dets fuldførelse. De skabte æstetiske fænomener, der tilpasser sig hver ny beskuer og skaber ubegrænsede fortolkningsmuligheder. Det faktum, at deres kunst blev forbrugt på masseplan, var helt i tråd med deres koncept, som er, at der ikke bør være nogen barriere mellem mennesker og kunst, og at de barrierer, der synes at eksistere, kun findes i vores opfattelse.

Forsidebillede: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Akryl på lærred. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio