Udviklingen af den optiske abstraktion eller hvordan Victor Vasarely fandt sin egen stil

Det antages nogle gange, at når vi taler om "kunster og videnskaber", taler vi om tydeligt forskellige ting. Videnskab handler trods alt om at studere ting, mens kunst handler om at skabe ting. Men skaber forskere ikke også, og studerer kunstnere ikke også? Og er ikke fantasi integreret i begge? Victor Vasarely var både en videnskabsmand og en kunstner. Faderen til en modernistisk abstrakt kunstbevægelse kendt som Op-Art, han beboede komfortabelt begge verdener. Oprindeligt uddannet i medicin, nærmede Vasarely sig kunsten fra et systematisk perspektiv. Han analyserede de formelle kvaliteter af, hvad der udgjorde et æstetisk objekt. Han studerede naturen i søgen efter byggestenene i det visuelle univers. Og han analyserede den måde, seerne opfattede det visuelle univers på i søgen efter, hvordan kunsten kunne hjælpe med at afsløre grundlæggende sandheder. Fra 1920'erne, da han udførte sine tidligste æstetiske eksperimenter, gennem 1960'erne, da han afslørede sin ultimative skabelse, "Alphabet Plastique", indtil slutningen af sit liv i en alder af 90, nærmede Vasarely sig sin kunst fra et synspunkt, der samtidig inkluderede kreativitet og analyser. Undervejs ændrede han, hvordan mennesker ser to-dimensionelt rum og skabte et værk, der selv årtier efter hans død fortsætter med at inspirere kunstnere, kunstelskere, designere og videnskabsfolk.

Victor Vasarely videnskabsmanden

I 1906, da Victor Vasarely blev født, blev kunstnere og videnskabsfolk lige respektet. I Budapest, hvor Vasarely gik på universitetet, ville det ikke have været usædvanligt for medlemmer af begge felter at interagere med hinanden, især i de travle caféer langs bredden af Donau, som var centre for den europæiske intellektuelle scene. Da Vasarely først begyndte på universitetet, var det for at studere til læge ved Universitetet i Budapests Medicinske Fakultet. Men to år inde i programmet ændrede han pludselig retning og besluttede at dedikere sig til at studere kunst.

Men selvom hans emne ændrede sig, gjorde hans tilgang til læring ikke. I 1927, i en alder af 21, tilmeldte Vasarely sig en privat kunstskole, hvor han modtog formel træning som maler. Han excelledede som kunststuderende, og mens han finpudsede sine æstetiske færdigheder, fortsatte han også med at læse bøger af de førende videnskabsfolk på det tidspunkt. En af hans yndlingsforfattere at læse på dette tidspunkt i sit liv var Niels Bohr, som i 1922 modtog Nobelprisen for sin undersøgelse af atomstruktur. I kvantefysik beskriver Bohr-modellen strukturen af et atom som værende ligesom strukturen af solsystemet. Visuelt ligner det en cirkel omgivet af større cirkler, et mønster Vasarely ville udforske gentagne gange i sin kunst.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Silketryk. 38 1/2 × 28 1/2 tommer; 97,8 × 72,4 cm. Udgave på 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Opbygning af sin sag

Gennem sin dobbelte studier af kunst og videnskab begyndte Vasarely at formulere en teori om, at de to tankemåder krydsede hinanden på en måde, der, når de blev opfattet sammen, kunne, som han sagde, “danne en imaginær konstruktion, der er i overensstemmelse med vores sensibilitet og nutidig viden.” I 1929 tilmeldte han sig Muhely Akademiet i Budapest, som på det tidspunkt var Ungarns ækvivalent til Bauhaus. Hans studier der fokuserede på konceptet om en total kunst baseret på geometri. Han eksperimenterede med geometrisk abstraktion og begyndte at forstå, hvordan optiske illusioner kunne skabes gennem arrangementet af geometriske former og farver på en todimensionel overflade. En sammenligning af et af hans malerier fra Muhely Akademiet med titlen Etudes Bauhaus C og et maleri, han lavede i 1975 med titlen Vonal-Stri, demonstrerer Vasarelys livslange og ensidige fokus på mulighederne for geometri til at udtrykke krydsfeltet mellem videnskab og kunst.

Efter at have forladt Muhely Akademiet flyttede Vasarely til Paris, giftede sig og fik to børn. Han forsørgede sin familie som grafisk kunstner og forfulgte sin kunst om natten. Mens hans dagjob krævede en ren, præcis stil, var hans kunstpraksis åben for hans fantasi. Han udviklede en personlig stil, der var dybt forankret i begge dele. Det kom til udtryk i hans “Zebra” og “Harlequin” malerier, serier som han vendte tilbage til gennem hele sit liv, og i malerier som “The Chessboard.”

Victor Vasarely - Skakbræt, 1975. Silkscreen. 31 1/2 × 30 tommer; 80 × 76,2 cm. Udgave på 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Den forkerte vej

Efter 14 år med duale karrierer i Paris modtog Vasarely endelig sin første store udstilling. Den blev modtaget så godt, at han blev overbevist om, at han kunne dedikere sig fuldt ud til at være kunstner. Det var omkring dette tidspunkt, at han tog en afvigelse fra den visuelle stil, han havde skabt. Mens han var på ferie på en ø i Bretagne, lagde han mærke til, hvordan bølgerne påvirkede landskabet, især hvordan de ændrede kystlinjen og formede stenene. Denne observation førte ham ned ad en vej mod en slags biomorf geometrisk abstraktion, da han forsøgte at forbinde sig med en visuel manifestation af den naturlige geometri i den organiske verden.

Selvom Vasarely senere omtalte denne tid i sit liv som "den forkerte vej", resulterede det i en vigtig udvikling i hans arbejde. Det tilføjede mere afrundede elementer til hans malerier. Da han vendte tilbage til sin tidligere geometriske stil, var det med inkluderingen af dynamiske afrundede former, der syntes at bule ud fra maleriet eller kollapse indad fra overfladen. Den måde, disse former narrede øjet på, fik det til at se ud som om billedet bevægede sig. Den kinetiske illusion, kombineret med tredimensionaliteten af billederne på Vasarelys lærreder, blev fundamentet for den ikoniske æstetik, vi nu kalder Op-Art.

Victor Vasarely - Uden titel #8 (pink og turkis kugle). Silketryk. 13 × 10 tommer; 33 × 25,4 cm. Udgave på 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Det Gule Manifest

I 1955 udstillede Vasarely nogle af sine værker i en udstilling af kinetisk kunst kaldet “Le Movement” i Paris. For at ledsage sit arbejde offentliggjorde han et essay kaldet Notes for a Manifesto. Trykt på gult papir, er essayet siden blevet kendt som The Yellow Manifesto. I det erklærede Vasarely: “Vi er ved daggryet af en stor æra.” Han insisterede på, at betegnelser som maleri og skulptur var forældede, da kunstnere som Arp, Kandinsky, Mondrian og Calder havde ødelagt de kunstige adskillelser mellem de plastiske kunstarter. Han erklærede, at da alle æstetiske fænomener er manifestationer af den samme impuls, var det tid til at betragte alle kunstneriske præstationer som en del af “en enkelt plastisk sensibilitet i forskellige rum.”

Vasarelys bidrag til denne "store tidsalder" er klart, når man ser på de malerier, han lavede i denne periode af sit liv. Hans arbejde redefinerede fuldstændigt seerens oplevelse af et todimensionelt kunstværk. Han skabte opfattelsen af, at der eksisterede rum, hvor der ikke eksisterede rum. Seerens oplevelse blev transformeret til at eksistere helt inden i seerens sind. De former, der findes på et af Vasarelys lærreder, er formelle og videnskabelige, og alligevel, når de fortolkes af øjet, antager de kvaliteter, der synes at udfordre de videnskabelige fakta om rumlig virkelighed.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Silketryk på Arches papir. 30 7/8 × 37 7/8 tommer; 78,4 × 96,2 cm. Udgave på 250. © Victor Vasarely

Det Plastiske Alfabet

På højden af sin popularitet i 1960'erne skabte Vasarely, hvad der ville repræsentere kulminationen af hans livsarbejde. Han beskrev, hvad han kaldte det Plastiske Alfabet, et symbolsk visuelt sprog baseret på geometriske former og farver. Der var 15 former i alfabetet, alle baseret på variationer af cirklen, trekanten og kvadratet, og hver af formerne eksisterede i et udvalg af 20 forskellige nuancer. Hver form blev portrætteret inden for en kvadratisk ramme, og formen og dens omgivende ramme blev præsenteret i forskellige nuancer. Det Plastiske Alfabet kunne arrangeres i en tilsyneladende uendelig samling af kombinationer og anvendes til at skabe en åbenlyst uendelig række af billeder.

Konceptet, som Vasarely eksplicit antydede med sit Plastiske Alfabet, var, at gennem dets implementering kunne den kreative handling udføres gennem en rent videnskabelig proces. På den ene side var det dehumaniserende, da det repræsenterede en form for programmering, som en proto-kunstig intelligens, der kunne overtage processen med at lave kunst. På den anden side var det humaniserende, da det demokratiserede og afmystificerede den kreative proces, hvilket gjorde det muligt for alle at deltage i en kreativ æstetisk aktivitet.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Silketryk. 22 × 23 1/2 tommer; 55,9 × 59,7 cm. Udgave på 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Kunst for alle

Det er passende, at det bidrag, som Vasarely huskes mest for, er en form for disruption. Ikke kun forvrængede hans visuelle arbejde overfladen af to-dimensionel kunst, men hans ideer og hans Plastiske Alfabet forvrængede også overfladen af kulturen. Vasarelys venner, kolleger og tilhængere husker entusiastisk, at et af hans mottoer var "kunst for alle." Han var begejstret for at se sin kunst inkluderet på tøj, postkort, kommercielle produkter og reklamer. Han forudså, at den eneste måde, kunsten kunne forblive relevant på i fremtiden, var, hvis hver menneskelig væsen kunne deltage i dens nydelse.

Ikke kun kan vi se ekkoer af Vasarelys kunst i produkterne fra nutidig kunst og design, vi ser også ekkoer af hans filosofi i det digitale fællesskab og den globale kultur, som det har bidraget til. Ved at skabe en stil inden for billedkunst, der kunne have universel appel på tværs af kunstige sociale divisioner, skabte Vasarely noget unikt: en oprigtig og glædelig æstetisk oplevelse, der, selvom den er abstrakt, nemt kan nydes af enhver, der kan se. Og måske endnu mere værdifuldt delte han en vision om en fremtid, hvor kunst og videnskab arbejder sammen mod en mere interessant og retfærdig verden.

Fremhævet billede: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio