Historien bag Wassily Kandinskys Komposition VII

“Composition VII” (1913) af Wassily Kandinsky betragtes af mange abstrakte kunstentusiaster som det vigtigste maleri i det 20. århundrede—måske endda det vigtigste abstrakte maleri, der nogensinde er skabt. Alligevel reagerer folk ofte negativt, når de ser det for første gang, og udtrykker vrede, frustration eller endda afsky. Uden tvivl er det et svært maleri, især for dem, der er nye inden for abstrakt kunst. For det første er det massivt, måler 200 x 300 centimeter. For det andet er overfladen helt dækket af utallige overlappende amorfe former, tilsyneladende tilfældige linjer og et minefelt af farver, nogle livlige og nogle slørede. Intet refererer til den kendte naturlige verden. Kun illusionen af dybde er perceptibel, men det rum, som det trækker sig tilbage i, bærer ingen lighed med virkeligheden. Maleriet kan nemt se ud som nonsens for enhver, der ikke er villig til at arbejde på at afdække dets mysterier. Men for dem, der er villige til at studere det med et åbent sind, kan “Composition VII” give tilstrækkelige intellektuelle, visuelle og endda åndelige udbytter til at vare en livstid. Og jeg overdriver ikke. Dette maleri er virkelig så vigtigt for nogle mennesker—ikke kun på grund af dets visuelle, fysiske eller formelle kvaliteter, men fordi “Composition VII” for Kandinsky og dem, der værdsætter ham, er blevet forstået som en konkret legemliggørelse af åndelig renhed i kunsten.

Trappe til syv

Mellem årene 1910 og 1939 malede Kandinsky 10 lærreder, som han gav titlen "Komposition." I dag overlever kun syv af disse malerier, da de første tre blev ødelagt under Første Verdenskrig. Men der findes fotografier af de første tre Kompositioner. Selvom de mangler farveinformation, kan vi udlede nogle spor om essensen af den visuelle rejse, Kandinsky var på, mens han skabte hver enkelt. Den rejse involverede oprindeligt at transformere traditionelle landskaber og figurer til forenklede, biomorfe masser, og derefter lokke disse masser ind i former og figurer, der blev mere og mere abstrakte. I "Komposition III" er for eksempel formerne af mennesker og dyr stadig genkendelige, der bevæger sig rundt, måske leger eller måske kæmper, eller begge dele, i en slags pastoral miljø. Men så i "Komposition IV" (1911) er formerne næsten ugenkendelige. Vi får at vide af Kandinsky, at der i dette billede er figurer, der ligger i nederste højre hjørne, og to tårne, der står på toppen af en bakke i øverste højre hjørne, en scene han beskriver som samtidig krig og fred. Men det ville være svært for mig at nå frem til denne konklusion uden hans forklaring.

Wassily Kandinski - Komposition VI, 1913. Olie på lærred. 195 x 300 cm. Statshermitagemuseet

"Komposition V" (1911) er endnu mere abstrakt, og alligevel føles den følelse, den udtrykker, også mere intens end i de tidligere kompositioner. I dette maleri relaterer formerne i maleriet stadig på en eller anden måde til den naturlige verden, da let humanoide figurer og kvasi-naturlige træk, omend nedskaleret, er spredt ud over billedet. Næsten helt abstrakt er dog "Komposition VI", som Kandinsky malede to år efter "Komposition V". Dens mest fremtrædende træk er dens linjer, såsom de seks parallelle linjer i midten af billedet, der ligner halsen på en guitar. Hvad dette maleri repræsenterer, ifølge Kandinsky, er "Floden", hvilket betyder den bibelske historie om Noah. Han forsøgte at destillere de følelsesmæssige, psykologiske og åndelige essencer af historien - ødelæggelse og skabelse; frygt og håb - til en visuel udforskning af balance og harmoni. Om "Komposition VI" skrev han: "det oprindelige motiv for maleriet (Floden) blev opløst og overført til den indre, rent billedlige, uafhængige og objektive eksistens." Ikke desto mindre inkluderer maleriet stadig klart nogle figurative elementer, som binder dets visuelle sprog til den ydre verden.

Et Udtryk for Indre Følelser

"Komposition VII" betragtes som så vigtig, fordi det er første gang, Kandinsky følte, at han havde opnået det ideal, som hans Komposition-serie var navngivet efter. I de sidste afsnit af det sidste kapitel i sin banebrydende bog, Om det åndelige i kunsten, som Kandinsky udgav i 1910, beskriver han tre forskellige typer kunstnerisk inspiration. Den første, som han kalder "indtryk", beskriver han som et direkte, kunstnerisk indtryk af den ydre natur. Den anden, som han kalder "improvisation", beskriver han som "ubevidst, spontan udtryk", der ligner den senere surrealistiske praksis med automatisk tegning. Den tredje, som han kalder "komposition", beskriver han som "et udtryk for en langsomt dannet indre følelse, som kun kommer til udtryk efter lang modning." Når det kommer til "Komposition VII", er sætningen "lang modning" nøglen. Da han malede "Komposition VII", boede Kandinsky i München. Baseret på de historiske optegnelser, han førte på det tidspunkt, ved vi, at han planlagde "Komposition VII" i flere måneder og skabte mere end 30 forberedende skitser til det i forskellige medier. Hver forberedende skitse bygger op til et billede, der er helt fri for både "indtryk" og "improvisation."

Wassily Kandinski - Komposition VII, 1913. Olie på lærred. 79 x 119 tommer (200,6 x 302,2 cm). Tretyakov-galleriet

Kort efter at have afsluttet denne milepæl blev Kandinsky tvunget af udbruddet af Første Verdenskrig til at vende hjem til Rusland. Deprimeret over krigen malede han næsten ikke i årevis. Det tog 10 år, før han genoptog sin Composition-serie. "Composition VIII" (1923) oversætter den abstrakte billedsprog fra sin forgænger til et rent geometrisk visuelt sprog. "Composition IX," som først blev færdiggjort i 1936, er ikke rent abstrakt, men genintroducerer ideen om "indtryk" ved at tilføje blomsterformer og andre naturlige billeder. "Composition X" (1939), som blev færdiggjort fem år før Kandinsky døde, er meget symbolsk og ser også chokerende moderne ud, selv nu. Men selvom hver af disse senere Compositioner, og hver af de seks, der gik forud for den, kunne betragtes som visionære, er det, der gør "Composition VII" unik, det faktum at den ved at opnå eftertænksom, metodisk, moden og total abstraktion opfylder det ultimative ideal, som Kandinsky forsøgte at opnå, ikke kun med denne serie, men med alle sine værker fra det 20. århundrede. Det er første gang, Kandinsky opnåede med maleri, hvad han mente, at musikere opnåede med musik: en ren oversættelse af følelser til formelle abstrakte elementer, der er i stand til at udtrykke den menneskelige ånd.

Fremhævet billede: Wassily Kandinski - Komposition V, 1911. Olie på lærred. 74,8 x 108,2 tommer (190 x 275 cm). Privat samling.
Alle billeder via Wikimedia Commons.
Af Phillip Barcio