Historien bag Wassily Kandinskys Komposition VII

“Composition VII” (1913) af Wassily Kandinsky betragtes af mange entusiaster af abstrakt kunst som det vigtigste maleri i det 20. århundrede—måske endda det vigtigste abstrakte maleri, der nogensinde er skabt. Alligevel reagerer mange negativt, når de ser det for første gang, og udtrykker vrede, frustration eller endda afsky. Uomtvisteligt er det et vanskeligt maleri, især for dem, der er nye inden for abstrakt kunst. For det første er det enormt, med målene 200 x 300 centimeter. For det andet er overfladen helt dækket af utallige overlappende amorfe former, tilsyneladende tilfældige linjer og et minefelt af farver, nogle klare og andre slørede. Intet refererer til den kendte naturlige verden. Kun illusionen af dybde er mærkbar, men det rum, det trækker sig tilbage i, ligner ikke virkeligheden. Maleriet kan let virke som vrøvl for enhver, der ikke er villig til at arbejde for at afdække dets mysterier. Men for dem, der er villige til at studere det med et åbent sind, kan “Composition VII” give intellektuelle, visuelle og endda åndelige udbytter, der varer livet ud. Og jeg overdriver ikke. Dette maleri er virkelig så vigtigt for nogle mennesker—ikke kun på grund af dets visuelle, fysiske eller formelle kvaliteter, men fordi “Composition VII” for Kandinsky og dem, der værdsætter ham, er blevet forstået som en konkret legemliggørelse af åndelig renhed i kunsten.

Trappen til Syv

Mellem årene 1910 og 1939 malede Kandinsky 10 lærreder, som han gav titlen “Composition.” I dag findes kun syv af disse malerier, da de første tre blev ødelagt under Første Verdenskrig. Men fotografier af de første tre Compositions eksisterer. Selvom de mangler farveinformation, kan vi udlede nogle spor om essensen af den visuelle rejse, Kandinsky var på, da han skabte hvert enkelt. Rejsen involverede oprindeligt at omdanne traditionelle landskaber og figurer til forenklede, biomorfe masser, og derefter at forme disse masser til former, der blev mere og mere abstrakte. I “Composition III” er formerne af mennesker og dyr stadig genkendelige, de bevæger sig måske rundt, leger eller kæmper, eller begge dele, i et slags pastoral miljø. Men i “Composition IV” (1911) er formerne næsten uigenkendelige. Kandinsky fortæller, at der i dette billede er figurer, der ligger tilbagelænet i nederste højre hjørne, og to tårne, der står på en bakke i øverste højre hjørne, en scene han beskriver som samtidig krig og fred. Men det ville være svært for mig at nå denne konklusion uden hans forklaring.

Wassily Kandinski - Composition VI, 1913. Olie på lærred. 195 x 300 cm. State Hermitage Museum

“Composition V” (1911) er endnu mere abstrakt, og alligevel føles den følelse, det udtrykker, også mere intens end i de tidligere Compositions. I dette maleri relaterer formerne stadig en smule til den naturlige verden, da let menneskelignende figurer og kvasi-naturlige træk, omend nedtonede, er spredt ud over billedet. Næsten helt abstrakt er dog “Composition VI,” som Kandinsky malede to år efter “Composition V.” Dets mest fremtrædende træk er dets linjer, såsom de seks parallelle linjer midt i billedet, der ligner halsen på en guitar. Ifølge Kandinsky repræsenterer dette maleri “oversvømmelsen,” altså den bibelske fortælling om Noah. Han forsøgte at destillere de følelsesmæssige, psykologiske og åndelige essencer af historien—ødelæggelse og skabelse; frygt og håb—til en visuel udforskning af balance og harmoni. Om “Composition VI” skrev han, at “det oprindelige motiv for maleriet (oversvømmelsen) blev opløst og overført til den indre, rent billedlige, uafhængige og objektive eksistens.” Ikke desto mindre indeholder maleriet stadig tydelige figurative elementer, som forbinder dets visuelle sprog med den ydre verden.

Et Udtryk for Indre Følelse

“Composition VII” anses for at være så vigtig, fordi det er første gang, Kandinsky følte, at han opnåede det ideal, som hans Composition-serie var opkaldt efter. I de sidste afsnit af det sidste kapitel i hans banebrydende bog, Concerning the Spiritual in Art, som Kandinsky udgav i 1910, beskriver han tre forskellige typer kunstnerisk inspiration. Den første, som han kalder “impression,” beskriver han som et direkte, kunstnerisk indtryk af den ydre natur. Den anden, som han kalder “improvisation,” beskriver han som “ubevidst, spontan udtryk,” lignende den senere surrealistiske praksis med automatisk tegning. Den tredje, som han kalder “composition,” beskriver han som “et udtryk for en langsomt dannet indre følelse, som først kommer til udtryk efter lang modning.” Når det gælder “Composition VII,” er udtrykket “lang modning” afgørende. Da han malede “Composition VII,” boede Kandinsky i München. Baseret på de historiske optegnelser, han førte på det tidspunkt, ved vi, at han planlagde “Composition VII” i flere måneder og lavede mere end 30 forstudier i forskellige medier. Hvert forstudie bygger op mod et billede, der er fuldstændig fri for både “impression” og “improvisation.”

Wassily Kandinski - Composition VII, 1913. Olie på lærred. 79 x 119 in (200.6 x 302.2 cm). Tretyakov Gallery

Kort efter at have færdiggjort denne milepæl blev Kandinsky tvunget til at vende hjem til Rusland på grund af udbruddet af Første Verdenskrig. Nedtrykt over krigen malede han næsten ikke i årevis. Det tog 10 år, før han genoptog sin Composition-serie. “Composition VIII” (1923) oversætter den abstrakte billedverden fra sin forgænger til et rent geometrisk visuelt sprog. “Composition IX,” som først blev færdiggjort i 1936, er ikke rent abstrakt, men genindfører idéen om “impression” ved at tilføje blomsterformer og anden naturlig billedverden. “Composition X” (1939), som blev færdiggjort fem år før Kandinsky døde, er stærkt symbolsk og ser stadig chokerende moderne ud. Selvom hver af disse senere Compositions, og hver af de seks, der gik forud, kunne betragtes som visionære, er det, der får “Composition VII” til at skille sig ud, det faktum, at ved at opnå en gennemført, metodisk, moden og total abstraktion, opfylder det det ultimative ideal, som Kandinsky forsøgte at nå, ikke kun med denne serie, men med alle sine værker fra det 20. århundrede. Det er første gang, Kandinsky opnåede med maleri, hvad han mente, musikere opnåede med musik: en ren oversættelse af følelser til formelle abstrakte elementer, der er i stand til at udtrykke den menneskelige ånd.

Fremhævet billede: Wassily Kandinski - Composition V, 1911. Olie på lærred. 74.8 x 108.2 in (190 x 275 cm). Privat samling.
Alle billeder via Wikimedia Commons.
Af Phillip Barcio