Paul Nash og Historie Inden for Det Abstrakte

Den britiske maler Paul Nash nævnes normalt ikke i samtaler om abstraktion. Men hans modernistiske, til tider surrealistiske billeder afslører glimt af de dybe abstrakte begreber, som ofte lurer åbenlyst i naturens verden. Hans værk, der spænder fra lige før Første Verdenskrig til lige efter Anden Verdenskrig, indeholdt det, man kunne kalde et konservativt abstrakt sprog. I stedet for at trække på ren abstraktion eller udforske formelle abstrakte elementer som farve, linje eller lys, forankrede han sit arbejde i det klassiske, figurative landskab i håb om at etablere en bredere definition af, hvad abstraktion kunne være. Han havde til hensigt, at hans malerier skulle vække tanker; ikke om landskabet, men om de gamle, evige relationer mellem tidens, naturens, menneskehedens, kulturens, livets og dødens kræfter.

Tidlige kriser

I 1910 begyndte Paul Nash som elev på Slade Kunstskole, hvor han hurtigt blev forbundet med en gruppe unge kunstnere, som akademiet kollektivt kaldte sin Anden Krise af Brillans. De havde en sjælden kombination af usædvanligt talent, åbenhed over for europæisk modernisme og vilje til at eksperimentere, hvilket satte dem i opposition til skolens pensum og lærernes evner. Nash og de andre var den entusiastiske modernistiske forpost i en kultur, der ikke ønskede noget at gøre med at skabe nyt.

Som en aktuel retrospektiv udstilling med Paul Nash på Tate viser, virker det arbejde, han lavede på det tidspunkt, ikke så truende i dag. Han malede engelske landskaber og forsøgte at indfange det, han kaldte deres genius loci, eller stedets ånd. Han var fascineret af de urtidslige megalitter, der prægede det engelske landskab, og som han anså for at være manifestationer af det gamle forhold mellem mennesker og natur. Måske var det truende, at han ikke blot var interesseret i at kopiere naturen, men også i at udtrykke de større abstrakte budskaber, der lå deri.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, London

En frygtelig ny verden

Fire år efter han begyndte på kunstskolen, blev Nash sammen med sin hele generation afbrudt i sin fremtid af udbruddet af Første Verdenskrig. Nash meldte sig frivilligt til Artists Rifles, et hjemligt regiment dannet i 1859 og bestående hovedsageligt af kunstnere, der havde svoret at forsvare hjemlandet. Men som krigen trak ud, blev han sendt til Vestfronten, det primære kampområde på det europæiske fastland. Det var der, som 2. løjtnant, at Nash oplevede krigens rædsler på nært hold.

Tilfældigvis faldt Nash tre måneder efter ankomsten til fronten i en skyttegrav og brækkede et ribben. Mens han kom sig i London, blev hans regiment angrebet og næsten fuldstændigt udslettet. Dybt berørt af alt, hvad han havde set, blev han fast besluttet på at gøre, hvad han kunne for at få krigen til at ende. Mens han stadig var ved at komme sig, holdt han en udstilling med billeder, han havde lavet af ødelæggelserne ved fronten. De var chokerende for mange, der ikke havde nogen forestilling om krigens brutalitet og ødelæggelse. Værkerne gjorde så stort indtryk, at da han var kommet sig, blev han sendt tilbage til fronten som officiel krigskunstner. Han tilbragte resten af krigen med at male detaljerede billeder af ødelæggelserne i håb om at kunne påvirke offentligheden til at få kampene til at stoppe.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, London

At omdefinere abstraktion

De krigsmalerier, Nash lavede, er barskt realistiske. Alligevel besidder de, ud over deres figurative indhold, ubestridelige konceptuelle lag. For eksempel viser maleriet Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917 på overfladen et rent realistisk billede af nogle få soldater, der er gravet ned i et kampplaget naturlandskab. Men den pastelagtige farvepalet, fuglene, der flyver tankeløst over hovedet, og de bløde hvide skyer, der uskyldigt driver forbi, antyder den dybe tanke, at mens mennesker måske midlertidigt kan ødelægge naturen, vil Natur med stort N overleve vores raseri og fortsætte, efter vi er væk.

I sine senere krigsbilleder begyndte Nash at eksperimentere med at reducere de visuelle elementer i naturen og forenkle dem til enklere former og skikkelser. Selvom han aldrig gik over til ren abstraktion, så han, at ved at reducere visse dele af sit billedsprog kunne han forbinde sig med noget universelt, ud over det figurative. Om denne udvikling sagde han: “Jeg skelner blandt naturfænomener tusind former, som med fordel kunne opløses i det abstrakte forvandlings smelteovn.” Og alligevel sagde han, “jeg finder, at jeg stadig har brug for delvist organiske træk for at skabe mit faste konceptuelle billede.”

Paul Nash - Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, London

Unit One-gruppen

Da krigen sluttede, var Nash blevet berømt i Storbritannien for sine krigsmalerier. Det var ikke de abstrakte elementer, de fleste reagerede på. Han blev snarere hyldet for at vise den faktiske ødelæggelse, som om han var journalist. Plaget af krigens psykiske og fysiske følger trak han sig tilbage til landet, hvor han forsøgte at hele sig selv både fysisk og åndeligt. Han vendte tilbage til det figurative landskabsmaleri og fordybede sig i dets beroligende kraft. Men efterhånden som han kom sig, blev han mere optaget af et problem, han opfattede i britisk kultur: dens uvillighed til at omfavne og forstå den dybere betydning af moderne strømninger i kunsten.

For at engagere sig direkte med det britiske publikum dannede Nash en avantgardistisk kunstnergruppe kaldet Unit One. Tolv andre arkitekter, malere og billedhuggere sluttede sig til ham, heriblandt Ben Nicholson, Henry Moore og Barbara Hepworth. Gruppen holdt én udstilling. De værker, Nash viste der, er blandt hans mest abstrakte. De viser modernistiske former, der blander sig med naturlige omgivelser i mystiske, næsten surrealistiske kompositioner. Selvom det var et kortvarigt eksperiment, fik Unit One offentlighedens opmærksomhed, og dens indflydelse på britisk modernisme mærkedes straks.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, London

Abstrakt figurativ historie

På sit berømmelsestop blev Paul Nash igen indkaldt som krigskunstner, denne gang under Anden Verdenskrig. De malerier, han lavede af den konflikt, er blandt hans mest kendte værker. De viser en moden kombination af de mange påvirkninger, der definerede hans karriere. De viser figurative landskaber, reducerede former og mærkelige sammensætninger af næsten surrealistiske genstande og væsener. De rejser spørgsmål om forholdet mellem maskiner, mennesker og natur. De skildrer krigens ødelæggelse og rædsel, samtidig med at de antyder, at naturen altid vil bestå.

Når man ser tilbage på hans samlede værk, kan man se, at Paul Nash aldrig blot malede realistiske landskaber af bestemte steder i tiden. Han malede også landskabet i sit sind, som det kom til udtryk i naturens ro og dødens frygtelige skønhed. Han fangede ofte genius loci, stedets ånd, selv når denne ånd var ubestrideligt ond. Men som han engang sagde: “for at finde må man kunne opfatte. Der findes steder, ligesom der findes mennesker og ting, hvis samspil skaber en gåde.” Et eller andet sted i hans billeder af liv og død, af moderne levn side om side med levn fra svundne civilisationer, skabes en mystisk forbindelse; en, der minder os om, at historien gik forud for os og vil overleve os, og at selvom vi er en del af naturen, kan vi ikke overvinde den; tværtimod venter den altid på at overvinde os.

Fremhævet billede: Paul Nash - The Ypres Salient at Night, 1918. © Imperial War Museum, London
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio