Psykologien bag form og figur

Hvorfor appellerer abstrakt kunst? Ofte betragtet som et visuelt sprog af form, farve og struktur, er der noget meget særligt ved tiltrækningen til et abstrakt kunstværk. Flere teorier eksisterer, som har til formål at forklare psykologien bag tilskuerens nydelse og kunstnerens skabelse af abstrakt kunst. Effekterne af traumer hos kunstnere kan ofte observeres i et mærkbart skift mod abstraktion: berømt fortsatte Willem de Kooning med at male efter at have udviklet Alzheimers sygdom, hvorefter hans stil blev stadig mere abstrakt. Eksemplet med de Kooning og mange andre som ham viser, at kunst kan give indsigt i de ændringer i den menneskelige hjerne, der ændrer udtryk og opfattelse. I den følgende rapport vil vi tage fat på nogle af de psykologiske teorier knyttet til abstrakt kunst.

Neuroæstetik: Introduktion af videnskabelig objektivitet til studiet af kunst

I løbet af 1990'erne grundlagde vision neurovidenskabsmanden Semir Zeki fra University College London disciplinen kendt som neuroæstetik, som undersøger, ud fra en neurologisk basis, den relative succes af forskellige kunstneriske teknikker. Flere videnskabelige studier, der ser på årsagerne til en tiltrækning til abstrakt arbejde, har konkluderet, at studiet af denne kunstgenre stimulerer meget aktiv neural aktivitet, da beskueren kæmper for at identificere velkendte former, hvilket gør værket ‘kraftfuldt’. Når hjernen ser værket som et puslespil, er den tilfreds, når den formår at ‘løse’ dette problem (Pepperell, Ishai).

En særlig undersøgelse, ledet af Angelina Hawley-Dolan fra Boston College, Massachusetts (Psychological Science, bind 22, side 435), stillede spørgsmålstegn ved, om abstrakt kunst, skabt af professionelle kunstnere, ville være lige så behagelig for øjet som en gruppe tilfældige linjer og farver lavet af børn eller dyr. Hawley-Dolan bad frivillige om at se på et maleri af en berømt abstrakt kunstner og et af en amatør, barn, chimpanse eller elefant, uden forudgående viden om, hvilket der var hvilket. De frivillige foretrak generelt værket af de professionelle kunstnere, selv når etiketten fortalte dem, at det var skabt af en chimpanse. Undersøgelsen konkluderede derfor, at når vi ser på et værk, er vi i stand til – selvom vi ikke kan sige hvorfor – at fornemme kunstnerens vision. Hawley-Dolans undersøgelse fulgte de fund, at de slørede billeder af impressionistisk kunst stimulerer hjernens amygdala, som spiller en central rolle i følelser og emotioner. Men abstrakt kunst, som ofte søger at fjerne ethvert fortolkeligt element, falder ikke ind under denne kategori.

Inspireret af denne undersøgelse undersøger Kat Austen i New Scientist (14. juli 2012) tiltrækningen ved abstrakt kunst, inspireret af effekten af at se et værk af Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, som hun skriver, var første gang et værk af abstrakt kunst havde vækket hendes følelser. Austen rejser hypotesen om, at værker af abstrakt kunst, som tilsyneladende ikke indeholder nogen genkendelig genstand for hjernen – nemlig Rothko, Pollock og Mondrian – kan have en effekt gennem velafbalancerede kompositioner, da de appellerer til, eller 'kaprer', hjernens visuelle system.

I en undersøgelse af Oshin Vartanian ved University of Canada, hvor forskeren bad frivillige om at sammenligne en række originale malerier med et, hvor kompositionen var blevet ændret, opdagede Vartanian, at vi har en forstærket reaktion på mønster og komposition. Næsten alle de frivillige foretrak det originale værk, selv når de arbejdede med så forskellige stilarter som et stilleben af van Gogh og Bleu I af Miró. Resultaterne antydede, at beskueren i sin essens er opmærksom på den rumlige intention bag maleriernes særlige kompositioner.

For at vende tilbage til Austen, overvejer hun også resultaterne fra Alex Forsythe, en psykolog ved University of Liverpool, som har lavet en forbindelse mellem de former, der bruges i abstrakt kunst, og hjernens evne til at bearbejde komplekse scener, idet hun henviser til arbejdet af Manet og Pollock. Ved at bruge en komprimeringsalgoritme til at måle den visuelle kompleksitet af kunstværker og gemme komplekse billeder, konkluderede Forsythe, at nogle kunstnere måske udnytter denne kompleksitet for at imødekomme hjernens behov for detaljer. Forsythe udforskede også hjernens tiltrækning til fraktalmønstre og tiltrækningen af abstrakt kunst. Disse gentagne mønstre, taget fra naturen, kan appellere til det menneskelige visuelle system, der er udviklet udendørs, og Forsythe argumenterer for, at abstrakte kunstnere måske bruger farve til at "berolige en negativ oplevelse, vi normalt ville have, når vi møder for højt et fraktalindhold". Austen påpeger, at neuroæstetik stadig er på et tidligt stadium, og at det måske er for tidligt at komme med generelle udsagn. Dog giver de mange teorier, der er blevet adresseret gennem dette studieområde, os større indsigt i den visuelle tiltrækning af abstrakt kunst. Ikke mindst har nogle forskere ræsonneret, at hjernen måske er tiltrukket af værker af kunstnere, herunder Pollock, da vi bearbejder visuel bevægelse – såsom et håndskrevet brev – som om vi genoplever skabelsen. Dette kunne være en forståelse af den opfattede dynamik i værker af Pollock, hvis energiske produktion genopleves af beskueren.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Kul og vand på papir. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Om det åndelige i kunsten

Lad os nu gå tilbage til omkring et århundrede siden, til en af lederne af den tyske ekspressionisme, kendt for sin rolle som en synæstetisk kunstner: Kandinsky spillede en central rolle i teorierne om psykologien bag abstrakt kunst i det tidlige 20. århundrede. Hans bog 'Om det åndelige i kunsten', udgivet i 1911, kom til at blive kendt som grundteksten for abstrakt maleri og udforskede i stor detalje de følelsesmæssige egenskaber ved form, linje og farve. Kandinskys synæstesi manifesterede sig i hans unormale følsomhed over for farve og hans evne til ikke kun at se, men også at høre den. På grund af dette ræsonnerede han, at et maleri skulle undgå intellektuel analyse og i stedet få lov til at nå de dele af hjernen, der er forbundet med behandlingen af musik. Kandinsky mente, at farve og form var de to grundlæggende midler, hvormed en kunstner kunne opnå åndelig harmoni i kompositionen, og han adskilte således skabelsen og opfattelsen af kunst i to kategorier: intern og ekstern nødvendighed. Med henvisning til Cézanne foreslog Kandinsky, at kunstneren skabte juxtapositionen af lineære og farveformede former for at skabe harmoni, et kontrastprincip som Kandinsky vovede at være det "vigtigste princip i kunsten til alle tider". Vi kan anvende et af Kandinskys principper, som diskuteret i dette akademiske arbejde, til Jackson Pollocks kunstneriske praksis, hvor han placerede lærreder på gulvet og dryppede maling på dem fra højden. For Kandinsky måtte kunstneren ikke overholde kunstens regler og skulle være fri til at udtrykke sig selv med de midler, der var mulige: en væsentlig faktor for intern nødvendighed. Ifølge Edward Lavine bliver maleri, for Pollock, "en oplevelse [in] hvilken værket har krav, der eksisterer uafhængigt af malerens personlighed. Disse krav synes ofte at kræve opgivelse af personlig valg til fordel for værkets indre nødvendighed." (Mythical overtones in the work of Jackson Pollock) I nogen grad modsiger denne teori den fra Forsythe og andre nævnt, da den antyder, at kunstneren har begrænset valg i skabelsen af værket. Ikke desto mindre demonstrerer den kraften i processen med at skabe abstrakt kunst.

Anya Spielman - Bury, 2010. Olie på papir. 28 x 25,4 cm.

Peak-Shift

Den grundlæggende idé bag princippet om peak-shift er, at dyr kan reagere i højere grad på en mere overdrevet stimulus end på en normal. Konceptet, der oprindeligt blev formuleret af etologen Nikolaas Tinbergen, blev anvendt af V.S. Ramachandran og William Hirstein i den 1999-publikation The Science of Art, hvor de anvendte mågeeksperimentet – hvor kyllinger vil hakke lige så villigt på en rød plet på en moders næb som de vil på en stok med tre røde striber i enden – for at demonstrere, at kyllinger reagerer på en 'super stimulus', her repræsenteret ved mængden af rød kontur. For de to mænd ville denne stok med den røde ende svare til, lad os sige, et mesterværk af Picasso i forhold til det niveau af respons, der opnås af tilskueren.

Ramachandran hævdede, at abstrakte kunstnere manipulerer denne teori for at opnå de mest positive resultater ved at identificere essensen af, hvad de ønsker at skildre, overdrive det og fjerne alt andet. Ifølge Ramachandran er vores reaktion på abstrakt kunst et peak-shift fra en grundlæggende reaktion på et oprindeligt stimulus, selvom tilskueren måske ikke kan huske, hvad det oprindelige stimulus var.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olie på lærred. 60 x 54 tommer.

Hjerneskade og Abstraktion

For at vende tilbage til de Kooning, har undersøgelser vist, at hjernen ikke har et enkelt kunstcenter, men i stedet bruger begge hjernehalvdele til at skabe kunst, noget der kan have en effekt på kunstnerisk evne eller på arten af kunstnerisk produktion efter hjerneskade eller neurodegenerativ sygdom. Ifølge Anjan Chatterjee for The Scientist, kan skade på højre side af hjernen resultere i nedsat rumlig bearbejdning, hvilket ofte fører til vedtagelsen af en ekspressiv stil, der ikke kræver samme grad af realisme. Tilsvarende kan hjerneskade på venstre side af hjernen inspirere kunstnere til at bruge mere levende farver i deres arbejde og til at ændre indholdet af deres billeder. Den californiske kunstner Katherine Sherwoods stil blev anset for at være mere 'rå' og 'intuitiv' af kritikere efter et hæmoragisk slagtilfælde i venstre hjernehalvdel. Ikke begrænset til produktionen af kunst, kan hjerneskade også ændre en værdsættelse af kunst, siger Chatterjee. Mere specifikt kan skade på den højre frontallap nedsætte bedømmelsen af abstrakthed, realisme og symbolik, og skade på den højre parietallap kan påvirke bedømmelsen af livlighed og symbolik.

Gary Paller - 20 (2015) Blå, 2015. 59,1 x 45,7 tommer

Prestige over Produktion

Der er betydelig evidens for at antyde, at vi reagerer mere positivt på kunst baseret på hvordan vi oplever den. Når folk præsenteres for et værk af abstrakt kunst, vurderer de det som mere attraktivt, når de bliver fortalt, at det er fra et museum, end når de tror, at det er computer-genereret, selvom billederne er identiske. Dette fungerer på forskellige psykologiske niveauer, idet det stimulerer den del af hjernen, der behandler episodisk hukommelse – ideen om at gå på museum – og den orbitofrontale cortex, som reagerer mere positivt på elementet af status eller autenticitet af et værk, end på dets sande sensoriske indhold, hvilket antyder, at viden, og ikke visuel billede, spiller en nøglerolle i vores tiltrækning til abstrakt kunst. Tilsvarende kan det være tilfældet, at vi får større fornøjelse ved at huske information om kunst og kultur.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryl på lærred. 70 x 100 cm. 

Abstrakt kunst appellerer til kunstnere

Yderligere undersøgelser har vist, hvorfor abstrakt kunst kan appellere mere akut til specifikke grupper af mennesker, nemlig kunstnere. Ved at registrere de elektriske rytmer, der forekommer i hjernen hos ikke-kunstnere og kunstnere, viste en undersøgelse, at emnets kunstneriske baggrund i høj grad påvirkede behandlingen af abstrakt kunst, hvilket afslørede, at kunstnere udviste fokuseret opmærksomhed og aktiv engagement med informationen. En teori antyder, at dette kan skyldes, at hjernen bruger hukommelse for at genkalde andre værker som en måde at forstå den visuelle stimulus på. Det er denne følelse af genkaldelse og en flerlags proces med at søge efter anerkendelse, som synes at give abstrakt kunst meget af sin vedvarende appel. Fra Kandinskys udforskende værk fra 1911, til konceptet peak-shift, og til den nutidige undersøgelse af neuroæstetik, er psykologien bag abstrakt kunst et stort og konstant foranderligt studieområde, som bekræfter den vedvarende interesse for at søge at afkode, forklare og nyde abstrakt kunst. 

Fremhævet billede: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 tommer