Psykologien bag form og figur

Hvorfor tiltaler abstrakt kunst? Ofte betragtet som et visuelt sprog af form, farve og skikkelse, er der noget helt særligt ved tiltrækningen til et abstrakt kunstværk. Flere teorier eksisterer, som søger at forklare psykologien bag beskuerens nydelse og kunstnerens skabelse af abstrakt kunst. Effekterne af traumer hos kunstnere kan ofte observeres i en mærkbar bevægelse mod abstraktion: berømt fortsatte Willem de Kooning med at male efter at have udviklet Alzheimers sygdom, hvorefter hans stil blev mere og mere abstrakt. Eksemplet med de Kooning, og mange andre som ham, viser, at kunst kan give indsigt i de forandringer i den menneskelige hjerne, der ændrer udtryk og opfattelse. I den følgende rapport vil vi tage fat på nogle af de psykologiske teorier knyttet til abstrakt kunst.

Neuroæstetik: Indføring af videnskabelig objektivitet i studiet af kunst

I løbet af 1990’erne grundlagde synsneurovidenskabsmanden Semir Zeki fra University College London disciplinen kendt som neuroæstetik, som undersøger, på neurologisk basis, den relative succes af forskellige kunstneriske teknikker. Flere videnskabelige undersøgelser, der ser på årsagen til tiltrækningen til abstrakte værker, har konkluderet, at studiet af denne kunstgenre stimulerer meget aktiv neural aktivitet, da beskueren kæmper for at identificere genkendelige former, hvilket gør værket ’kraftfuldt’. Når hjernen ser værket som et puslespil, bliver den tilfreds, når den formår at ’løse’ denne problemstilling (Pepperell, Ishai).

En særlig undersøgelse, ledet af Angelina Hawley-Dolan fra Boston College, Massachusetts (Psychological Science, bind 22, side 435), spurgte, om abstrakt kunst, skabt af professionelle kunstnere, ville være lige så behagelig for øjet som en gruppe tilfældige streger og farver lavet af børn eller dyr. Hawley-Dolan bad frivillige om at se på et maleri af en berømt abstrakt kunstner og et af en amatør, et barn, en chimpanse eller en elefant, uden forudgående viden om, hvilket der var hvilket. De frivillige foretrak generelt værkerne af de professionelle kunstnere, selv når etiketten fortalte, at det var lavet af en chimpanse. Undersøgelsen konkluderede derfor, at når vi ser på et værk, er vi i stand – selvom vi ikke kan sige hvorfor – til at fornemme kunstnerens vision. Hawley-Dolans undersøgelse fulgte op på fundene, at de slørede billeder i impressionistisk kunst stimulerer hjernens amygdala, som spiller en central rolle i følelser og emotioner. Abstrakt kunst, som ofte søger at fjerne ethvert fortolkeligt element, falder dog ikke ind under denne kategori.

Med inspiration fra denne undersøgelse undersøger Kat Austen i New Scientist (14. juli 2012) tiltrækningen til abstrakt kunst, inspireret af effekten ved at se et værk af Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, som hun skriver, var første gang et abstrakt kunstværk vækkede hendes følelser. Austen fremsætter hypotesen, at abstrakte værker, som tilsyneladende ikke indeholder genkendelige objekter for hjernen – nemlig Rothko, Pollock og Mondrian – kan have en virkning gennem velafbalancerede kompositioner, da de appellerer til eller ’kaprer’ hjernens synssystem.

I en undersøgelse af Oshin Vartanian ved University of Canada, hvor forskeren bad frivillige sammenligne en række originale malerier med en, hvor kompositionen var ændret, opdagede Vartanian, at vi har en forstærket reaktion på mønster og komposition. Næsten alle de frivillige foretrak det originale værk, selv når der var tale om så forskellige stilarter som et stilleben af van Gogh og Bleu I af Miró. Resultaterne antydede, at beskueren instinktivt er bevidst om den rumlige hensigt bag maleriernes særlige kompositioner.

Tilbage til Austen, som også overvejer fundene fra Alex Forsythe, en psykolog ved University of Liverpool, der har lavet en forbindelse mellem de former, der bruges i abstrakt kunst, og hjernens evne til at bearbejde komplekse scener, med henvisning til værker af Manet og Pollock. Ved at bruge en komprimeringsalgoritme til at måle den visuelle kompleksitet i kunstværker og lagre komplekse billeder konkluderede Forsythe, at nogle kunstnere kan gøre brug af denne kompleksitet for at appellere til hjernens behov for detaljer. Forsythe undersøgte også hjernens tiltrækning til fraktale mønstre og abstrakt kunsts appel. Disse gentagende mønstre, hentet fra naturen, kan appellere til det menneskelige synssystem, der udviklede sig udendørs, og Forsythe mener, at abstrakte kunstnere kan bruge farve til at ”lindre en negativ oplevelse, vi normalt ville have, når vi møder for højt fraktalt indhold”. Austen påpeger, at neuroæstetik stadig er i sin spæde start, og at det kan være for tidligt at fremsætte vidtgående udsagn. Dog giver de mange teorier, der er blevet behandlet inden for dette studieområde, os større indsigt i den visuelle tiltrækning ved abstrakt kunst. Ikke mindst har nogle forskere antaget, at hjernen kan være tiltrukket af værker af kunstnere som Pollock, fordi vi bearbejder visuel bevægelse – som et håndskrevet brev – som om vi genoplever skabelsen. Dette kunne være en forståelse af den opfattede dynamik i Pollocks værker, hvis energiske frembringelse genopleves af beskueren.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Trækul og vand på papir. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Om det åndelige i kunsten

Lad os nu gå tilbage til for omkring et århundrede siden, til en af lederne af tysk ekspressionisme, kendt for sin rolle som synæstetisk kunstner: Kandinsky spillede en central rolle i tidlige 1900-tals teorier om psykologien bag abstrakt kunst. Hans bog ’Om det åndelige i kunsten’, udgivet i 1911, blev kendt som grundtekst for abstrakt maleri og undersøgte i detaljer de følelsesmæssige egenskaber ved form, linje og farve. Kandinskys synæstesi viste sig i hans unormale følsomhed over for farve og hans evne ikke blot til at se, men også høre den. Derfor mente han, at et maleri skulle undgå intellektuel analyse og i stedet tillades at nå de dele af hjernen, der er forbundet med bearbejdning af musik. Kandinsky mente, at farve og form var de to grundlæggende midler, hvorved en kunstner kunne opnå åndelig harmoni i kompositionen, og han delte derfor skabelsen og opfattelsen af kunst i to kategorier: indre og ydre nødvendighed. Med henvisning til Cézanne foreslog Kandinsky, at kunstneren skabte sammenstillingen af lineære og farvebaserede former for at skabe harmoni, et kontrastprincip som Kandinsky mente var "det vigtigste princip i kunsten til alle tider". Vi kan anvende et af Kandinskys principper, som diskuteret i dette akademiske arbejde, på Jackson Pollocks kunstneriske praksis, hvor han placerede lærreder på gulvet og dryppede maling på dem oppefra. For Kandinsky måtte kunstneren ikke følge kunstens regler, men skulle være fri til at udtrykke sig på enhver mulig måde: en væsentlig faktor for indre nødvendighed. Ifølge Edward Lavine bliver maleriet for Pollock "en oplevelse, hvor værket har sine egne krav, som eksisterer uafhængigt af malerens personlighed. Disse krav synes ofte at kræve opgivelse af personlig valg til fordel for værkets indre nødvendighed." (Mythiske overtoner i Jackson Pollocks værk) Til en vis grad modsiger denne teori Forsythes og andres, da den antyder, at kunstneren har begrænset valg i skabelsen af værket. Ikke desto mindre viser den kraften i processen med at skabe abstrakt kunst.

Anya Spielman - Bury, 2010. Olie på papir. 28 x 25,4 cm.

Peak-Shift

Den grundlæggende idé bag princippet peak-shift er, at dyr kan reagere stærkere på et mere overdrevet stimulus end på et normalt. Begrebet, oprindeligt formuleret af etologen Nikolaas Tinbergen, blev anvendt af V.S. Ramachandran og William Hirstein i 1999-artiklen The Science of Art, som brugte måge-eksperimentet – hvor kyllinger vil hakke lige så villigt på en rød plet på en moders næb som på en pind med tre røde striber i enden – til at vise, at kyllinger reagerer på et ’superstimulus’, her repræsenteret ved mængden af rød kontur. For de to mænd ville denne pind med det røde endestykke svare til for eksempel et mesterværk af Picasso i forhold til den reaktion, beskueren opnår.

Ramachandran hævdede, at abstrakte kunstnere manipulerer denne teori for at opnå de mest positive resultater ved at identificere essensen af det, de ønsker at skildre, overdrive det og fjerne alt andet. Ifølge Ramachandran er vores reaktion på abstrakt kunst en peak-shift fra en grundlæggende reaktion på et oprindeligt stimulus, selvom beskueren måske ikke husker, hvad det oprindelige stimulus var.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olie på lærred. 60 x 54 in.

Hjerneskade og abstraktion

Tilbage til de Kooning: Studier har vist, at hjernen ikke har ét enkelt kunstcenter, men i stedet bruger begge hjernehalvdele til at skabe kunst, noget som kan påvirke kunstnerisk evne eller karakteren af kunstnerisk produktion efter hjerneskade eller neurodegenerativ sygdom. Ifølge Anjan Chatterjee for The Scientist kan skade på højre side af hjernen resultere i nedsat rumlig bearbejdning, hvilket ofte fører til en ekspressiv stil, der ikke kræver samme grad af realisme. Ligeledes kan hjerneskade på venstre side inspirere kunstnere til at bruge mere levende farver i deres værker og ændre indholdet af deres billeder. Den californiske kunstner Katherine Sherwoods stil blev af kritikere anset for at være mere ’rå’ og ’intuitiv’ efter et blødende slagtilfælde i venstre hjernehalvdel. Hjerneskade begrænser sig ikke til produktion af kunst, men kan også ændre påskønnelsen af kunst, siger Chatterjee. Mere specifikt kan skade på højre frontallap forringe vurderingen af abstraktion, realisme og symbolik, og skade på højre isselap kan påvirke vurderingen af livagtighed og symbolik.

Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 in

Præstige frem for produktion

Der er betydelige beviser for, at vi reagerer mere positivt på kunst baseret på hvordan vi oplever den. Når folk præsenteres for et abstrakt kunstværk, vurderer de det som mere tiltalende, når de får at vide, at det kommer fra et museum, end når de tror, det er computerfremstillet, selvom billederne er identiske. Dette fungerer på forskellige psykologiske niveauer, idet det stimulerer den del af hjernen, der bearbejder episodisk hukommelse – idéen om at gå på museum – og orbitofrontale cortex, som reagerer mere positivt på elementet status eller ægthed i et værk end på dets egentlige sanselige indhold, hvilket antyder, at viden og ikke det visuelle billede spiller en nøglerolle i vores tiltrækning til abstrakt kunst. Ligeledes kan det være tilfældet, at vi får større glæde af at huske information om kunst og kultur.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryl på lærred. 70 x 100 cm. 

Abstrakt kunst tiltaler kunstnere

Yderligere undersøgelser har vist, hvorfor abstrakt kunst kan appellere mere stærkt til bestemte grupper af mennesker, nemlig kunstnere. Ved at registrere de elektriske rytmer i hjernen hos ikke-kunstnere og kunstnere viste en undersøgelse, at den kunstneriske baggrund i høj grad påvirkede bearbejdningen af abstrakt kunst, idet kunstnere viste fokuseret opmærksomhed og aktivt engagement med informationen. En teori antyder, at dette kan skyldes, at hjernen bruger hukommelsen til at genkalde andre værker som en måde at forstå det visuelle stimulus på. Det er denne følelse af genkaldelse og en flerlagsproces med at søge genkendelse, som synes at give abstrakt kunst meget af dens vedvarende tiltrækning. Fra Kandinskys udforskende værk i 1911, til princippet peak-shift og til det moderne studie af neuroæstetik er psykologien bag abstrakt kunst et stort og stadigt foranderligt studieområde, som bekræfter den vedvarende interesse i at afkode, forklare og nyde abstrakt kunst. 

Billedtekst: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 in