Farve, Fokus og Felt i Kenneth Noland Malerier

En tilfældig observatør kunne forveksle Kenneth Noland som en maler af designs. Faktisk udtrykker de mest mindeværdige Kenneth Noland malerier et begrænset udvalg af former og mønstre: cirkler, chevrons, diamanter, striber og tern. Men i modsætning til det perspektiv var Noland slet ikke interesseret i ting som form og design. Årsagen til, at han vendte tilbage til de samme billeder igen og igen, var, fordi han mente, at gentagelse ville invitere seerne til at ignorere formerne og designene og i stedet fokusere på hans sande interesseområde: det uendelige potentiale af farve og felt.

En rejse til stil

Udover at være en fremragende kunstner, er Kenneth Noland også et fremragende eksempel på værdien af G.I. Bill; et amerikansk regeringsprogram, der giver udskrevne soldater mulighed for at gå på universitetet uden at betale undervisningsafgift. I 1942 meldte Noland sig ind i det amerikanske luftvåben i en alder af 18. Efter at være vendt hjem til North Carolina ved slutningen af Anden Verdenskrig, brugte han sine G.I. Bill-rettigheder til at tilmelde sig sin lokale kunstskole. Den skole viste sig at være den berømte Black Mountain College, hvor mange indflydelsesrige lærere fra Bauhaus var flyttet hen, da deres akademi lukkede som reaktion på nazistisk indblanding.

Mens han var på Black Mountain College, studerede Noland under Ilya Bolotowsky, som havde været en protegé af Piet Mondrian, grundlæggeren af Neo-Plasticism. I traditionen fra Neo-Plasticisterne fremhævede Bolotowsky enkle geometriske mønstre og rene farver. Noland studerede også under Josef Albers, en førende modernistisk teoretiker og maler, samt en passioneret studerende af farverelationer. Noland optog sin læreres vejledning og byggede videre på deres ideer, hvilket førte til en livslang interesse for de udtryksfulde muligheder i enkle kompositioner lavet af levende farver.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryl på lærred. 60 x 60 tommer. Samling af Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-malerisk abstraktion

Sammen med Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko og Jules Olitski blev Kenneth Noland snart forbundet med Color Field-bevægelsen, en af de kunstneriske tendenser, der er forbundet med det, der kaldes Post-Painterly Abstraction. Begrebet Post-Painterly Abstraction blev skabt i 1964 af Clement Greenberg til en udstilling, han kuraterede på Los Angeles County Museum of Art, og refererer til en tendens i maleri væk fra maleriske, impasto værker og mod flade overflader og mangel på synlige penselstræk.

Selvom termen Color Field Painting lider under en noget uklar definition, var Kenneth Noland den quintessentiale repræsentant for Post-Painterly Abstraction. Hans malerier afviste den personlige drama fra Abstract Expressionism. De forenklede maleriets midler, afviste collage, assemblage, fundne objekter og andre kompleksiteter, og stolede i stedet på de simpleste ingredienser: maling og lærred. Hans farver var livlige og rene, hans kompositioner var direkte og enkle, og hans billeder blev ét med deres understøtninger.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryl på lærred. 75 x 141 tommer. © Kenneth Noland

Sammenlægning af farve med felt

Noland skabte sine første såkaldte Color Field Paintings omkring 1956. De bestod af koncentriske ringe af farvede cirkler. Det er fristende at spekulere i, at disse malerier på en eller anden måde relaterede til hans oplevelse i krigen, da de mindede om mål. Men i forskellige interviews har Noland sagt, at han valgte cirkelmotivet, fordi det var et ikke-billede, der kunne tillade øjet at blive draget ind i en oplevelse af farve. Men farve var ikke det eneste, hans malerier handlede om. De handlede også om at konfrontere adskillelsen mellem et maleri og dets overflade.

I størstedelen af kunsthistorien er malerier blevet set som billeder malet oven på forberedte overflader. Det felt, som maleriet eksisterer på, dvs. lærredet, var forbehandlet, forstrakt og primet. Det ventede på maleriet, støttede det og var adskilt fra billedet. I sindet hos malere som Noland var denne adskillelse en ulempe. I stedet for at nyde fri, uhindret udtryk var kunstneren begrænset eller styret af en forudbestemt støtte, på trods af at det resulterende billede måske endnu ikke var forestillet. Noland ønskede at fusionere billedet med støtten og kombinere farve med feltet i en samlet æstetisk erklæring.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Akryl på lærred. 103,7 x 142,5 tommer. © Kenneth Noland

Det Forenede Udtryksobjekt

Noland modtog sin åbenbaring i 1953, i form af et besøg i studiet hos maleren Helen Frankenthaler. I hendes New York-studio havde Frankenthaler banet vejen for det, hun kaldte soak-stain teknikken. I stedet for at prime et forbehandlet lærred som forberedelse til et malet billede, bredte hun rå stykker lærred ud på gulvet og hældte derefter maling direkte på den ubehandlede overflade. Malingen smeltede sammen med overfladen og spredte sig på organiske måder over overfladen, mens den smeltede sammen med stoffet. Malingen og understøttelsen blev én enhed.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Akrylharpiks på lærred. 98 x 208 tommer. © Kenneth Noland

Noland tog straks Frankenthaler soak-stain teknik i brug. Det gav ham muligheden for at skabe et samlet objekt, hvor farven var indlejret. Det gjorde det også muligt for ham at eliminere udseendet af penselstræk, som blev set som et tegn på kunstnerens personlighed. Sammen gjorde disse to fremskridt det muligt for ham at begynde at lave malerier, der ikke fokuserede på at skildre noget specifikt, men som handlede om de essentielle elementer, der optog ham, såsom farve, overflade, tekstur, symmetri og skala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryl på lærred. © Kenneth Noland

Beskæring

Det er veldokumenteret, at Noland, ligesom hans samtidige Morris Louis, adopterede soak-stain teknikken fra Helen Frankenthaler. Men der er en anden teknik, Kenneth Noland adopterede senere i sin karriere, som også kan have været inspireret af Frankenthaler. Det er praksis med beskæring. I fotografi betyder det at beskære et billede at vælge kun den del af en eksponering, som du ønsker at printe, og afsløre kun det, du kan lide. Mange fotos af Frankenthaler i hendes studie viser hende arbejde på massive ustrakte lærreder. Hun beskars og rammede sine lærreder efter at have malet dem, hvilket gjorde det muligt for hende at udvikle billedet med så få begrænsninger som muligt og derefter vælge det område, hun mente resulterede i det mest ekspressive objekt. Dette var en praksis, som Kenneth Noland brugte i vid udstrækning, især da han begyndte at lave formede lærreder. Han arbejdede på et massivt lærred på gulvet og skabte farvekompositioner uden rumlige begrænsninger. Dette gjorde det muligt for ham at udforske farverelationer frit uden at bekymre sig om det endelige resultat. Når skabelses- og opdagelsesprocessen var afsluttet, kunne han derefter "stemple" det endelige billede, vælge det område, han ønskede at ramme fra uendelige mulige valgmuligheder i hvad der grundlæggende var en redigeringsproces. Noland henviste til skønheden ved denne proces i et interview fra 1977 med Diane Waldman for Art in America, hvor han sagde, “En farve kunne være på kanten af et billede eller inde i rummet af et billede: spørgsmålet om top, bund, venstre, højre blev helt fleksibelt, ligesom spørgsmålet om parallel eller vertikal eller horisontal.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Akryl på lærred. © Kenneth Noland

Simplicitetens Dybder

Kenneth Noland kiggede periodisk på skulptører i et forsøg på at udforske den abstrakte natur af farve. Skulptøren David Smith inspirerede ham især, og Noland samarbejdede endda lejlighedsvis med skulptøren Tony Caro, hvor han malede hans skulpturer efter de var bygget. Han gjorde dette udelukkende af nysgerrighed og i eksperimentets ånd. Han kunne ikke præcist udtrykke, hvad han håbede at finde, eller hvad sådanne eksperimenter var beregnet til at betyde. Han sagde: “Vi har tendens til at undervurdere meget af den mening, der foregår i livet, som ikke er verbal. Farve kan formidle et totalt spektrum af humør og udtryk, af ens oplevelser i livet, uden at skulle give det beskrivende eller litterære kvaliteter.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Folk med en forkærlighed for det udførlige kan finde det let at afvise en karriere, der udelukkende er baseret på enkelhed og nysgerrighed. Kenneth Noland malerier synes faktisk at indeholde ingen drama overhovedet. Og alligevel er de udtryksfulde. De er som et barns klage, klangen af en klokke eller skriget fra en sirene. Vi genkender dem straks for hvad de er. Vi ved, de beder os om at reagere, selvom vi måske ikke forstår deres præcise formål eller præcist hvad vores reaktion skal være. Men måske, ligesom med klokker, gråd og sirener, er en reaktion fra alle ikke nødvendig.

Fremhævet billede: Kenneth Noland - April (detalje), 1960. Akryl på lærred. 16 x 16 tommer. © Kenneth Noland
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio