Det Fuld og det Tomt i Henry Moore Skulpturer

En menneskekrop er mere end en enkelt masse; den er en samling af mindre masser. Og hver krop er også en del af en større masse: menneskeheden. Og menneskeheden er igen en del af en endnu større masse: verden. Billedhuggeren Henry Moore formulerede det bedst, da han sagde, “Hele naturen er en uendelig demonstration af form og skikkelse.” Moore dedikerede sin karriere til en udforskning af form og skikkelse. Selvom det lyder akademisk, er Henry Moore skulpturer ikke blot intellektuelle genstande. De er heller ikke kun genstande for skønhed. De overskrider både intellektualisme og æstetik for at forbinde beskueren med noget dybere. Som figurativ kunstner først og derefter som abstraktionist skabte Moore værker baseret på forholdet mellem menneskekroppen og den større naturlige verden. Hans skulpturer udtrykker ideen om, at menneskeheden er en del af naturen, og at vi gennem vores sanser kan forbinde os med noget tidløst og universelt.

Henry Moore Skulpturer - Materialets Sandhed

Når en billedhugger taler om materialets sandhed, henviser det til, hvor godt et objekt repræsenterer egenskaberne ved det materiale, det er lavet af. Valnød har en anden materialets sandhed end marmor, som igen har en anden sandhed end alabast, og så videre. Henry Moore troede på materialets sandheds kraft. Han afviste ideen om, at billedhuggere skulle lave deres værker ud fra forme eller afstøbninger. Han gik ind for direkte udskæring, da det efterlod mærker, som afslørede objektets fysiske natur. Direkte udskæring var ikke bredt accepteret i Moores tid, selvom nogle andre indflydelsesrige billedhuggere også omfavnede ideen. Men for Moore var det ikke blot en teori; det var hans natur.

Henry Moore - Liggende figur relief på Underground-bygningen ved St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore var et af ni børn født i en arbejderfamilie i Castleford, en kulmineby i Yorkshire, England. Hans forældre kæmpede og ofrede for at sende deres børn i skole, så de ikke skulle arbejde med hænderne. Som 11-årig, efter at have mødt Michelangelos værker, skuffede Henry dem ved at beslutte, at han ville være billedhugger. Uden råd til at gå direkte på universitetet kæmpede Henry i en Civil Service Rifles-enhed under Første Verdenskrig og blev såret i et gasangreb. Da han efter krigen havde råd til kunstskole, var han grundigt formet af sine egne materialets sandheder: han var født til hårdt arbejde og at gøre ting med hænderne. Direkte udskæring fremhævede ikke blot materialernes karakter, men også hans egen karakter.

Henry Moore - UNESCO Liggende Figur, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Ægteskabet mellem Chac-mool og Cézanne

I slutningen af 20’erne, i Paris, stødte Moore på et æstetisk objekt, der ændrede ham på en dyb og meningsfuld måde. Det var en Chac-mool, en præcolumbiansk aztekisk skulptur af en liggende menneskefigur. Skulpturens holdning vækker mindelser om menneskefigurer skabt af klassiske billedhuggere som Michelangelo, men den opstod uafhængigt af sådanne påvirkninger og i en helt anden verden. Figurens væsen og menneskelighed inspirerede Moore, og han tog formen til sig som noget universelt, han kunne arbejde med.

Henry Moore - Fire-delt Komposition: Liggende Figur. © The Henry Moore Foundation.

Moore forenede Chac-moolens væsen med figurativ inspiration fra et af hans mest elskede malerier, Cézannes Badende. Resultatet blev en ikonisk, modernistisk skulpturel form, han kaldte en “liggende figur.” Han udforskede liggende figurer gennem hele sin karriere og vendte tilbage til dem igen og igen som grundlag for opdagelser om rumfang og rum. I dag findes Moores liggende figurer over hele verden, i skulpturparker, naturområder og museer på seks kontinenter. Hans første offentlige opgave var en liggende figur udskåret i relief på Underground-bygningen ved St James’s i London. Hans mest berømte pryder UNESCO’s hovedkvarter i Paris.

Cézanne - Badende, 1898-1905, olie på lærred, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA

Formens Reduktion

De fleste af Moores Liggende Figurer var abstrakte. Han reducerede kontinuerligt menneskefigurens form til dens væsentlige elementer og abstraherede dem derefter, så de lignede former, der findes i naturen. Hans biomorfe, abstraherede liggende figurer syntes at have en analogi med det naturlige landskab, hvilket inspirerede mange til at finde humanistiske budskaber i dem. Selvom han foretrak at tale så lidt som muligt om sin kunsts mening, passer denne fortolkning godt med Moores filosofi om kunstens, menneskehedens og naturens indbyrdes sammenhæng.

Henry Moore - Liggende Figur. © The Henry Moore Foundation.

Ud over at abstrahere den liggende figur dissekerede Moore den også. Han borede huller i figurerne og bemærkede, “Det første hul, der laves i et stykke sten, er en åbenbaring.” Han udfordrede også opfattelser af rumfang og rum ved at trække figurerne fra hinanden i samlinger af løst forbundne former, som hver for sig var abstraherede, men når de blev samlet, antydede en menneskelig form.

Henry Moore - Mor og Barn, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Beskyt den Indre Form

På højdepunktet af Moores produktivitet brød Anden Verdenskrig ud, og han blev indkaldt som krigskunstner. Han skabte en række tegninger, der dokumenterede borgere, der samlede sig i masser under jorden under bombetogter. Tegningerne fanger frygten, mens menneskefigurerne indhyller sig selv i et tilflugtssted og derefter indhyller hinanden i bunker af sammenkrøllede kroppe. Efter krigen manifesterede denne idé, om en form beskyttet inden i en anden, sig overalt i hans skulpturer. Han lavede flere værker med titlen Mor og Barn, nogle der fremkalder et barn inden i moderens form, og andre der viser to former adskilt, men samlet tæt.

Henry Moore - Hjelmhoved nr. 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Han udforskede også denne idé med en serie kaldet Hjelmhoved, hvor han skabte hjelmformer, der nogle gange kun rummede tomt rum, og andre gange indeholdt sekundære former beskyttet inden i dem. Disse beskyttende skulpturer bruger masse og rummet omkring som deres emne. Formelt undersøger de rummets fylde og tomhed. Humanistisk viser de vores mest grundlæggende virkelighed: behovet for tryghed.

Henry Moore - Tre Former Ryghvirvler, 1978-79, udenfor Rådhuset, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Øvelser i Form

I 1947 skrev en samtidig af Moore, den franske forfatter Raymond Queneau, en bog kaldet “Øvelser i Stil,” hvor han fortalte den samme korte anekdote i 99 forskellige litterære stilarter. Man kan sige, at Henry Moore tog en lignende tilgang til sin karriere. Han forfulgte få emner på mange forskellige måder med fokus på en snæver række af bekymringer, såsom form, skikkelse og deres samspil med rum. Men hvis det var alt, han gjorde, ville han ikke have sat så legendarisk et præg på det 20. århundredes abstrakte kunst.

Moores store idé var altid menneskeheden; et punkt, der er mest tydeligt, når man betragter hans offentlige skulpturer, som i dag findes i 38 lande. Moore ønskede, at de skulle røres ved, klatres på, udforskes og beboes. De findes for alle vores sanser. Moore sagde engang, “Vores viden om form og skikkelse er generelt en blanding af visuelle og taktile oplevelser... Et barn lærer om rundhed ved at håndtere en bold langt mere end ved at se på den.” Fra Moores værker lærer vi om rundhed, materialitet, form, rum og mange andre formelle, taktile ting. Men vi lærer også noget vigtigere: noget om vores indbyrdes sammenhæng med landskabet, med hinanden, med naturen og med os selv.

Fremhævet billede: Chac-mool, en skulpturel figur fundet over hele det forhistoriske Mexico
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio