Alberto Burri og transformationen af materialer

Hvis vi siger, at et kunstværk har betydning, implicerer det, at vi tror, at betydning eksisterer. Men hvis betydning eksisterer, burde livet selv så ikke være den mest meningsfulde ting? Trods alt er det kun fordi vi er i live, at vi kan nyde at overveje betydningen af andre ting. Alberto Burri blev kunstner i en tid med paradokser vedrørende betydning. Han begyndte at male som krigsfange under Anden Verdenskrig. Han havde været læge før krigen og tjente på frontlinjen i den italienske infanteri, og som sådan havde han været vidne til den konklusion, som civilisationen åbenbart var kommet til vedrørende den tilsyneladende meningsløshed i menneskelivet. Alligevel kastede kunstnere i Europa og Amerika sig hovedkulds ind i udtryksformer, der udelukkende handlede om personlig betydning: ubevidst betydning, psykologisk betydning, skjult betydning og universel betydning. På en eller anden måde holdt samfundet to modsatrettede tanker: at en levende ting kan have så lidt betydning, at den kan gå til spilde i krig, og at en livløs genstand kan besidde så meget betydning, at den kan blive uvurderlig. Burris arbejde, i det mindste delvist, adresserer hans følelser om, hvad der bør og har betydning. Ved at overveje det nøje kan vi måske nå frem til noget af det, denne unikke kunstner afdækkede; sandheder, der måske kan øge vores forståelse af abstrakt kunst og os selv.

Alberto Burris Rødder

I en forstand, uden krig ville Alberto Burri måske ikke være blevet en kunstner. Han ville i stedet være blevet en landsbylæge. Burri blev født i en lille by i Umbrien, Italien, i 1915, af en far der solgte vin og en mor der underviste i skolen. Landskabet i hans hjemland er idyllisk. Dets landskab ville senere blive emnet for mange af Burris første malerier, dem han lærte sig selv at male som amerikansk krigsfange i Texas. I 1940 dimitterede Burri fra universitetet med en medicinsk grad. Han var lige begyndt at praktisere som læge, da Italien senere samme år gik ind i Anden Verdenskrig. Burri blev indkaldt til infanteriet. I næsten tre år kæmpede han som frontsoldat i Nordafrika, hvor han også fungerede som læge i felten.

Da Burris enhed blev fanget, blev han sendt til en krigsfangelejr i Hereford, Texas. Der fik Burri ikke lov til at praktisere medicin. Så ligesom mange andre krigsfanger begyndte han at male for at fordrive tiden. Mangel på ordentlige lærreder fik ham til at male på sække af jute. Han malede idylliske landskaber af det, han så i Texas, og af det, han tidligere havde set i livet, i Umbrien. Efter krigen, da han blev repatrieret til Italien, opgav Burri medicin for altid og kastede sig helt over sin kunst. Men han tog sin æstetik i en helt anden retning. Han reducerede sit visuelle sprog og skabte billeder, der var helt abstrakte. Han fortsatte med at bruge jute, som var i overskud i efterkrigstidens Italien, og inkorporerede også alle andre materialer, medier og værktøjer, der var billige og let tilgængelige. Hans palette og hans billeder mindede om det sønderrevne landskab i hans hjemland og teksturen og udseendet af så meget, der var blevet spildt.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Hast til mening

Det faktum, at Burris ny-abstrakte stil inkorporerede farver, teksturer, materialer og former, der minder om ødelæggelse og blodbad, virker som en invitation til seerne om at antage, at han lavede værker om sine oplevelser som læge og soldat. Men Burri hævdede gennem hele sin karriere, at der ikke var nogen sådan betydning at finde i hans valg, og at der slet ikke var nogen betydning i hans billeder. I 1994 sagde han med henvisning til sit samlede værk, “Form og Rum! Slut. Der er ikke noget andet.”

Måske ligger der en dybere sandhed i den erklæring, som Burri opdagede om mening og eksistens. Den eneste universalitet, der deles af alle ting, inklusive mennesker, malerier, dyr og bomber, er, at alt bare er materie, der tager forskellige former i rummet. I filosofi prioriterer Materialisme den fysiske verden over den bevidste verden. Nogle gange bruger ateister termen i forbindelse med deres benægtelse af et åndeligt rige. Nogle gange bruger forskere det til at adskille objektive observationer fra deres personlige reaktioner på de samme observationer. Hvis vi skal tro på, hvad Alberto Burri selv siger om sit arbejde (og hvorfor skulle vi ikke?), så eksemplificerer hans kunstværk Materialisme. Det udforsker virkeligheden af de formelle, fysiske egenskaber ved hans materialer, og ikke mere.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Burri’s Material Realities

Når det kommer til de formelle kvaliteter i hans værk, var Burri en vildt kreativ innovator. Han banede vejen for en række teknikker til at skabe sit arbejde og inkorporerede et lige så forskelligt udvalg af materialer for at fremhæve virkningen af disse teknikker. Ved at låne konceptet collage fik hans billeder et lagdelt udseende, der udviskede grænsen mellem maleri, relief og skulptur. Hans tidligste værker var blandinger af maling og lagdelt stof, som han syede og syede sammen. Senere tilføjede han dimension ved at skære, flå og stikke huller i sine overflader. Han brugte ild til at brænde træelementer i sit arbejde, og brugte forkulningsprocessen til at skabe sine former. Han brugte varme til at smelte plastik, hvilket tilføjede underligt organiske dimensioner og tekstur til sine kompositioner.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

For at understrege den formalistiske karakter af sit kunstværk, gav han i stedet for poetiske navne sine værker titler baseret på deres fysiske natur, ved at bruge de italienske ord for deres farve, materiale eller den teknik, han brugte til at lave dem. Hans værker lavet med tjære kaldte han Catrami, hans smeltede plastværker var Plastichi, hans værker i træ blev kaldt Legni. Han kaldte sine værker i jute Sacchi, det italienske ord for poser. De værker, han lavede med ild, blev kaldt Cumbustiono, og hans ikoniske bulende værker, som han lavede ved at indsætte fremmede fremspring bag overfladerne; han navngav Gobbi, det italienske ord for pukkelryggede.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Det store knæk

Et af de mest ikoniske præstationer i Burris karriere kom i form af en æstetik, han pionerede, som han kaldte Cretto, et toskansk slangord for revne. For at opnå Cretto overdrevede han de processer, der førte til det naturlige udseende af fine, hårfine revner i forskellige malemedier, efterhånden som de ældedes over tid, en effekt kendt som craquelure. Effekten betragtes normalt som en skadelig ting for et maleri. For eksempel er Kazimir Malevich’s seminalmaleri Black Square, som engang var en solid sort form, nu blevet så dårligt ældet, at det ligner et af Burris Cretto malerier.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Gennem tilegnelsen af en proces, der normalt tilskrives forfald, og som i stedet omdannes til en skabelsesproces, udtrykker Burri igen en væsentlig dikotomi om betydningen af ting. Han skaber gennem handlingen af ødelæggelse. Han finder skønhed i forfald. Den ultimative manifestation af dette udtryk kom i 1985, da Burri brugte det til at skabe sit mest monumentale værk, Il Grande Cretto. Et af de største kendte værker inden for land art, Il Grande Cretto blev bygget over det tidligere sted for en udslettet by, byen Gibellina på Sicilien, som blev ødelagt i et jordskælv i 1968. Il Grande Cretto ligger over dens ruiner, en massiv samling af stenformer og sprækker, der måler cirka 120.000 kvadratmeter.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

En arv af innovation

Burri var ikke den eneste kunstner, der blev inspireret til at vende sig mod denne slags æstetik efter Anden Verdenskrig. I 1960'erne brugte så mange kunstnere kasserede, tilsyneladende værdiløse materialer i deres arbejde, at termen Arte Povera, eller fattig kunst, blev opfundet for at henvise til deres stil. Og termen Art Informel blev opfundet for at henvise til de vilde, ekspressive lærreder, som malere skabte gennem intuition og følelsesmæssig handling. Selvom Burris æstetik har fået ham til at blive associeret med både Arte Povera og Art Informel, har han haft en meget anden grund til at omfavne denne æstetik end de andre, der kom i hans kølvand.

Arte Povera var en reaktion på noget andet, der skete i kunsten; det var en tilbagevenden til en proletarisk æstetik. Arte Informel var en omfavnelse af personlig udtryk og kraften i at skabe værker, der var udtryksfulde for noget dybt og skjult inden i værket. Hvad Burri gjorde, var ikke en reaktion imod noget andet. Og der var ingen mening skjult i hans arbejde. Han sagde, "Ordene betyder ikke noget for mig; de taler omkring billedet. Det, jeg har at udtrykke, fremgår i billedet." Denne unikke, selvsikre tilgang til en helt formel undersøgelse af materialer, form og rum efterlod et eksempel, der sagde noget håbefuldt: Malerier er bare malerier. Det er kunstneren, der bestemmer deres betydning, og derfor er det kunstneren – den levende, åndende, kreative individ – der bør værdsættes.

Fremhævet billede: Alberto Burri - Ferro, 1954, foto kredit Guggenheim Museum
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio