Den Evige Forpost—6 Ekstraordinære Kvindelige Abstrakte Kunstnere fra Latinamerika

Jeg taler ofte om avantgarden i forhold til dens fejltagelser, hvilket betyder, at det er et emne, jeg forankrer i fortiden, fuld af fortidige historier om eksperimenterende ting, som kunstnere engang skrev, engang lavede eller engang prøvede. I dag håber jeg at rette opmærksomheden mod seks kvindelige latinamerikanske abstrakte kunstnere, som jeg mener omdefinerer avantgarden, ikke som noget forankret i historien, men som noget evigt friskt og udefineret. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo og Noemi Escandell er hver især på et tidspunkt blevet hyldet som repræsentanter for deres tids æstetiske forpost. Alligevel modsætter de sig alle at blive begravet under tidens gang, fordi relevansen af deres idéer rækker ud over deres individuelle generationer. Deres værker forbliver lige så friske og nysgerrige i dag som nogensinde. Jeg foreslår, at dette ikke kun skyldes værkerne selv, men også måden, hvorpå de nærmede sig deres praksis som kunstnere og lærere. De fleste avantgardekunstnere defineres af den enestående, forreste position, de skaber for sig selv, en position, som kan forklares eller styrkes gennem skrift, og derefter demonstreres gennem et unikt billedsprog og til sidst kanoniseres som en bevægelse. (Jeg tænker på Andy Warhol og Popkunst, Picasso og kubismen, Mondrian og neoplastikken osv.) De seks kvindelige latinamerikanske abstrakte kunstnere, jeg skriver om i dag, undslipper denne skæbne, fordi deres strategier for æstetisk repræsentation ikke er faste, hverken i tid (et kulturelt øjeblik) eller i teori. I stedet for at fremhæve et bestemt sæt idéer udforsker deres arbejde det, som måske aldrig kan forstås, endsige siges: det ukendte. Deres flydende, udefinerlige værker opfordrer beskueren til at undersøge mørket frem for at rette opmærksomheden mod det, der er blevet bragt frem i lyset.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brasilien)

Lygia Clark kaldte sig selv en “forslår.” Hun opfattede sin kunst som løsrevet fra historien, knyttet i stedet til det evigt skiftende nu. Hendes arbejde har ingen forudbestemt mening eller formål andet end det, som tilskrives det af den enkelte beskuer, der interagerer med det på en personlig måde. Hun frigjorde sig fra kunsthistorien og sikrede sin plads i den evige forpost, da hun sagde: “Objektet er ikke længere der for at udtrykke noget som helst begreb, men for at beskueren dybere kan nå sit eget jeg.”

Gego (1912 - 1994, Tyskland/Venezuela)

Født og uddannet i Tyskland flygtede Gertrude Goldschmidt, også kendt som Gego, til Caracas, Venezuela, i 1939 ved starten af Anden Verdenskrig. Det var der i Sydamerika, at hun opdagede sin skæbne som kunstner. Selvom hun også malede, tegnede og skulpturerede, er Gego mest kendt for sine net-lignende installationer, som indeholder netværk af punkter og linjer, der smelter sammen til geometriske universer af indbildte planer. Mange forfattere siger, at hendes arbejde handler om linjen, men for mig handler det mere om søgen efter konstant at udtrykke kumulativ handling. Mængden af punkter og linjer i hendes værker er projektioner ind i rummet og tiden, der trækker beskueren uendeligt ind i det ukendte.

Carmen Herrera (f. 1915, Cuba)

Carmen Herrera solgte sit første maleri som 89-årig. Som 100-årig havde hun sin første museumsretrospektiv på Whitney Museum of American Art i New York. Mange kritikere, kuratorer og forhandlere har siden forsøgt at klassificere hende inden for forskellige kunsthistoriske bevægelser som minimalisme, geometrisk abstraktion og konkret kunst. Det, der dog gør det muligt for Herrera at modstå og faktisk overskride disse betegnelser, er hendes fulde hengivenhed til personlig vision. Hun har engang spøgt med, at hun ikke vil tillade en Picasso-bog i sit hus, fordi det at se på Picasso er at få lyst til at kopiere ham. Hendes eneste mål, siger hun, er at følge sit eget ønske om forenkling, eller hvad hun kalder “en proces med at fjerne det, der ikke er væsentligt.” Spændingen i hendes arbejde kommer ofte fra det glimt ind i det rum, hvor vi konfronterer ikke det, der er der, men det, der mangler.

Rondo (Blå og Gul), 1965 Akryl på lærred af Carmen Herrera, amerikansk, født i Havana, Cuba, 1915. Kilde: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (f. 1926, Cuba)

Født i Cuba har Zilia Sanchez boet og arbejdet i Puerto Rico siden 1970’erne. Hendes formede lærreder buler ud fra væggen, som om objekter – eller kræfter – forsøger at bryde igennem bagfra. Denne poetiske gestus fremhæver mysteriet og antyder følelsen af, at det, der er synligt og tilsyneladende så afgørende i nuet, samtidig bliver ændret for øjnene af os. Dette værk er en ikonisk repræsentation af den evige forpost, da det understreger, at alt konstant omformes af det, der er i færd med at opstå.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Venezuela)

Mange kunstnere taler om deres arbejde som undersøgelser. Mercedes Pardo skilte sig ud ikke ved at søge, men ved at skabe personlige møder for sine beskuere. Kendt for en række geometriske og biomorfe abstrakte malerier, som hun arbejdede på i årtier gennem sin karriere, arbejdede hun faktisk i en række forskellige medier, herunder kostumedesign, bogillustration, collage og storskala offentlig kunst. Pardo betragtede personlige møder med kunst som det modsatte af – eller måske modgiften til – forbrugerkulturen. Hun undgik pålæg af mønstre og centrerede i stedet unikke beskueroplevelser med renset materiale.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentina)

Elsket af sine elever og andre kunstnere, og frygtet af politiske autoritære, troede Noemi Escandell stærkt på, at politiske og kunstneriske gestus er ét og det samme. Hun er nu kendt efter sin død for de abstrakte, rumlige skulpturer og tegninger, hun begyndte at skabe i 1960’erne, som visuelt relaterer til minimalismen. Escandell omfavnede dog en utrolig variation af visuelle strategier gennem sin karriere for at repræsentere sin centrale idé, som var frihed. Måske var hendes mest kraftfulde opfindelse det, hun kaldte “hånd til hånd” – værker, der skal sendes rundt mellem beskuere på en udstilling, før de hænges op på væggen. Hendes arbejde var baseret på det ukendtes skønhed, og det ophøjede den intime forbindelse, der må eksistere mellem mennesker og kunst for, at begge kan nå deres fulde potentiale.

Forsidebillede: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 86 x 66 x 36 cm. Bergamin & Gomide, São Paulo
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio