(Gen)Opdagelse af Vivian Springfords Stain Malerier

Almine Rech Gallery i New York åbnede for nylig sin anden store soloudstilling med værker af Vivian Springford. Kunstneren har været genstand for en langsom revurdering, der begyndte i slutningen af 1990'erne, da hendes næsten forladte studio i Chelsea – fyldt med en støvindhyllet samling af årtiers malerier – blev opdaget af hendes omsorgsperson. På tidspunktet for opdagelsen var Springford praktisk talt anonym, idet hun ikke havde malet i mere end et årti (hun stoppede med at male i midten af 1980'erne, efter at makuladegeneration berøvede hende synet). Hun havde ikke udstillet sine værker i mere end 15 år. Alligevel var hun i begyndelsen af 1960'erne klar til at tage sin plads blandt de mest berømte kunstnere i sin generation. Lige som hendes omdømme blev etableret, forlod Springford den abstrakte ekspressionistisk inspirerede, gestural stil, der havde givet hende opmærksomhed, og adopterede i stedet en soak-stain farvefelt maleteknik. Hun ophørte samtidig næsten helt med at sælge og udstille sine værker, undtagen i en håndfuld udstillinger over flere årtier. Hun dedikerede de sidste tyve år af sin karriere til at udvikle et enkelt og straks genkendeligt abstrakt visuelt sprog præget af koncentriske, biomorfe ringe af gennemsigtig farve. Da hun døde i 2003, efterlod hun ikke kun et fantastisk, men næppe kendt oeuvre, men også en fængslende gåde – hvorfor ville en talentfuld og velknyttet kunstner, der var på vej til at blive berømt, pludselig trække sig tilbage fra det kunstmarked, der elskede hende? Den nuværende udstilling på Almine Rech er blot det seneste forsøg på at bringe denne kunstners værk i rampelyset. De næsten 20 værker i udstillingen cementerer yderligere det omdømme, Springford fortjener som en virtuos, samtidig med at de også giver nogle hints om, hvorfor denne kunstner måske endte i tilbagetrækning snarere end i centrum.

Form og Intethed

De koncentriske cirkelpletmalerier, som Springford brugte de sidste to årtier af sit liv på at male, er for mig fundamentalt forskellige fra hendes tidligere værker i det samspil, de demonstrerer mellem form og intethed. Hendes tidligere værker favoriserer uigennemsigtige, mørke, amorfe farveområder, malet hurtigt i traditionen for kinesisk kalligrafisk mærkning. Disse mørke, gestuelle områder er fyldt med følelser og primordiale i deres tilstedeværelse, dominerende i kompositionen og tilbyder beskueren et afgørende fokuspunkt. Selv hvis en specifik form er ugenkendelig i disse malerier, skaber masserne af mørk maling en entydig tilstedeværelse. Derimod omfavner Springford i sine senere cirkulære pletmalerier gennemsigtighed og lysstyrke, hvilket forhindrer ethvert bestemt element i at dominere kompositionerne.

Vivian Springford - Uden titel, 1972. Akryl på lærred. 124,5 x 124,5 cm (49 x 49 tommer).

Det valg i hendes senere malerier at give hvert lag af maling, hver farve og hver zone af maleriet lige værdi antyder for mig ikke kun en æstetisk evolution, men at Springford også gennemgik en evolution i sin tankegang. Ved at involvere seerne i samspillet mellem overflade, farve og lys inviterer disse malerier os ind i deres proces af at blive. De handler mere om løshed og frihed end om struktur og følelser. De er billeder af transformation, suspenderet mellem en tilstand af mestring og en tilstand af total eksperimentering. Sammenlignet med den afledte følelse af hendes tidligere Abstract Expressionist værker, har disse soak stain malerier en autenticitet, der antyder, at de blev malet af en kunstner, der var komfortabel med ideen om liminale rum. At ikke have brug for sikkerhed føles relateret til ikke at have brug for accept, hvilket måske har noget at gøre med, hvorfor Springford så sjældent udstillede disse værker.

Vivian Springford - Uden titel, 1983. Akryl på lærred. 69,2 x 67,3 cm (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 tommer).

Måling af tid

Det føles også naturligt for mig at omtale disse sene soak stain malerier som procesværker. Jeg mener ikke at antyde, at de som objekter er mindre vigtige end de processer, der førte til deres skabelse. Snarere mener jeg, at de afslører vigtigheden af proces. Ligesom de koncentriske ringe, der er synlige på stubben af et fældet træ, er de koncentriske ringe i disse malerier optegnelser over tidens gang. Hver ring minder os om den tid, det tog for et lag maling at blive påført, at sprede sig og at blive ét med sin støtte. Intet i disse malerier er hastet. Deres æstetiske tilstedeværelse er resultatet af gradvist spredende kræfter, der opererer efter uventede regler. Malerierne henleder opmærksomheden på processerne i deres skabelse, samtidig med at de også henleder vores opmærksomhed på begrebet processer generelt.

Installationsvisninger af Vivian Springford, Almine Rech New York, 13. november 2020 - 13. januar 2021

Springford sagde engang, at maleri for hende var "et forsøg på at identificere sig med det universelle hele.... Jeg vil finde min egen lille plet eller mønster af energi, der vil udtrykke det indre jeg i form af rytmisk bevægelse og farve. Det ekspansive centrum af universet, af stjernerne og af naturen er min konstante udfordring i abstrakte termer." Som kunstner var hun hengiven til begyndelser, ligesom universet i det øjeblik lige før Big Bang. Hver af hendes soak stain malerier ligner faktisk et univers lige efter big bang, stadig ekspanderende, eksploderende, metamorfoserende til noget enkelt, hvis endelige natur er ukendt. Hun kan have opfattet hele sit oeuvre og sin hele karriere på samme måde, som hun opfattede hvert af disse malerier. Dette ville forklare, hvorfor hendes ansvar ikke var at udstille eller sælge malerierne, eller endda nødvendigvis lade nogen vide, at hun havde malet dem. Snarere var hendes prioritet at forstå naturen af hendes materialer, opdage de kræfter, der var på spil i hendes teknik, og at sætte disse kræfter løs i de verdener, hun skabte. Springford var gudelignende, tror jeg, i sin villighed til at lade os andre bekymre os om, hvor det hele ender.

Fremhævet billede: Vivian Springford - Uden titel, 1971. Akryl på lærred. 127 x 127 x 2,5 cm (50 x 50 x 1 in).
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio