Den kvindelige side af minimalisme hos Thaddaeus Ropac

Hvert år hævder forskellige udstillinger at præsentere værker af marginaliserede kunstnere, som uretfærdigt er udeladt af den historiske kanon. Ofte er kunstnerne faktisk succesfulde, blot ikke ”berømte,” og værkerne næppe værd at ændre historien for. Den Kvindelige Side af Minimalismen på Thaddaeus Ropacs London Ely House-lokation er en bemærkelsesværdig undtagelse fra den sædvanlige formel. Med mere end 70 værker fra 1920’erne til 2000’erne, af en international og tværgenerationel gruppe på 13 kvindelige kunstnere, udvider kurateringen gennemført den generelle forståelse af Minimalismen ved at sætte fokus på flere kunstnere, hvis karrierer tilfører bevægelsen uventede dimensioner. Udvalget af værker omfatter malerier, tegninger, video, fotografier, skulptur og relief, hvilket demonstrerer det brede eksperimentfelt, disse kunstnere har dyrket. Selvom ikke alle kunstnere i udstillingen passer præcist ind i definitionen af Minimalisme, er den samtale, deres medvirken sætter i gang, bestemt værd at tage. Oprindeligt planlagt til at vare til 18. december 2020, er udstillingen i øjeblikket lukket på grund af COVID-19-restriktioner i Storbritannien. Imens følger her introduktioner til otte af kunstnerne i udstillingen, hvis værker vi finder særligt fængslende.

Mary Miss

Mary Miss, en af grundlæggerne af tidsskriftet Heresies, tænkes sjældent på i forbindelse med Minimalismens historie. Hendes værker er mere kendte blandt tilhængere af Land Art og Feministisk Kunst. Hendes plastiske interesser kredser ofte om den elegante idé om at skabe en samtidig oplevelse af fladhed og rum. Som den første kunstner nævnt i det skelsættende essay Sculpture in the Expanded Field fra 1979 af Rosalind Krauss, er Miss alt andet end anonym. Denne udstilling placerer hende dog i en sammenhæng, der tilfører hendes praksis en forfriskende dimension.

Mary Miss - Relief, 1968. Stål og tråd. 41 x 635 cm (16,14 x 250 in). Venligst udlånt af Mary Miss og Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Mary Miss Foto: Charles Duprat

Maria Lai

Da hun døde i 2012, var den sardinske kunstner Maria Lai stadig stort set ukendt uden for sit hjemland. I 2017 ændrede det sig, da hendes værker blev vist både på Venedigbiennalen og Documenta. En anden kunstner, der normalt ikke forbindes med Minimalismen, skabte Lai værker, der forbandt materielle sansninger med erindring, historie og fælles oplevelser. Hendes mest kendte værk var en performance fra 1981 kaldet At Binde Bjerget, hvor borgere fra børn til ældre hjalp med at føre et enkelt blåt bånd gennem hele byen Ulassai. Betragtet som linje og farve var det bestemt et minimalistisk værk. Set i forhold til dets bredere betydning deler det arv med alt fra Neo Concrete-bevægelsen til Fluxus og Social Praksis Kunst.

Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Træ, snor, lærred, tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 in). Venligst udlånt af Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Archivio Maria Lai by SIAE 2020 Foto: Bani

Magdalena Wiecek

Uden for museerne i hendes polske hjemland er Magdalena Wiecks værker svære at se i virkeligheden. Hendes praksis var forankret i en humanistisk udforskning af former og relationer. Mere beslægtet med organisk og biomorf abstraktion end Minimalisme, indeholdt hendes produktion alligevel en række genstande – fra små skulpturer til monumentale installationer – der udforsker de enkle rumlige og geometriske spørgsmål i minimalistisk kunst. Særligt bemærkelsesværdigt er udvalget af små messing-skulpturer, der indgår i Den Kvindelige Side af Minimalismen på Thaddaeus Ropac, som ikke blot berører formalistiske spørgsmål, men antyder metafysiske temaer som selvransagelse og skyggeselvet.

Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Messing. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 in). Venligst udlånt af Boet efter Magdalena WiÄ™cek og Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Boet efter Magdalena WiÄ™cek

Lolo Soldevilla

Næsten helt ukendt uden for sit hjemland Cuba var Loló Soldevilla et af nøglemedlemmerne i en lille avantgardistisk gruppe af konkrete kunstnere, der virkede i Havana midt i det 20. århundrede. Hun døde i 1971, 70 år gammel, og efterlod en vidunderlig samling af reliefs, malerier og tegninger, der legende udtrykker rumlige og geometriske spørgsmål. Hendes værker var særligt rettet mod konstruktive formål frem for rent plastiske. At inkludere hende i denne samtale om Minimalismen føles rummeligt både for hende og bevægelsen.

Lolo Soldevilla - Composicion, 1954. Træsnitstrukturer på træ. 45,7 x 94 cm (18 x 37 in). © Boet efter Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat

Ana Sacerdote

For mig er den 95-årige argentinske kunstner Ana Sacerdote den mest givende åbenbaring i Den Kvindelige Side af Minimalismen. Et maleri og en film af Sacerdote er med i udstillingen. Filmen, lavet i 1960’erne, er en simpel animation af farverige geometriske former. Den relaterer sublimt til maleriet, som hun skabte næsten et årti tidligere. Hendes værker taler perfekt sammen med minimalistiske æstetikker, samtidig med at de hævder plads i verdener som kinetisk kunst, computerkunst, videokunst og neo-konkrete kunst.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1953. Olie på lærred. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 in). Venligst udlånt af Verena Loewensberg Fonden og Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Verena Loewensberg Fonden Foto: Charles Duprat

Verena Loewensberg

Den schweiziske kunstner Verena Loewensberg var en anden åbenbaring for mig i denne udstilling. Hendes stille, farverige kompositioner kan let placeres i rækken af minimalistiske ikoner som Agnes Martin, men de er også livlige og sprudlende nok til at tilbyde en spændende æstetisk bro, der forbinder Bauhaus-kunstnere som Mondrian og Albers med bevægelser som Popkunst og Postmalerisk Abstraktion.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1963. Olie på lærred. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 in). Venligst udlånt af Verena Loewensberg Fonden og Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © Verena Loewensberg Fonden Foto: Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

Den japanskfødte kunstner Shizuko Yoshikawa deler meget med Verena Loewensberg med hensyn til farve og komposition, men hun førte sine værker i subtilt unikke retninger, især når det gælder hendes reliefs. Baseret på simple gittermønstre skabte hun tredimensionelle flader, der leger med lys og skygge for at forvandle en ellers monokrom palet til tilsyneladende glødende, illusoriske felter. Ud over reliefs i Den Kvindelige Side af Minimalismen indgår flere geometriske studier, der giver indsigt i den intense forskning, Yoshikawa foretog i geometri og farveforhold.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lak og akryl på polyester. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 in). Venligst udlånt af The Shizuko Yoshikawa and Joseph Müller-Brockmann Foundation og Galerie Thaddaeus Ropac, London · Paris · Salzburg © The Shizuko Yoshikawa and Joseph Müller-Brockmann Foundation Foto: Charles Duprat

Rosemarie Castoro

Den amerikanske kunstner Rosemarie Castoro er måske det mest omdiskuterede indslag i Den Kvindelige Side af Minimalismen. Castoro sagde engang specifikt: ”Jeg er ikke minimalist. Jeg er en Maximus.” Hendes interesser var overvejende begrebsmæssige frem for formale, og hendes værker strakte sig over flere felter, herunder tegning, skulptur og installation. Det, der kunne betragtes som minimalistisk ved hendes værker, er hendes generelle billedsprog, som centrerede sig om monokrome farvepaletter, lineære kompositioner og undertiden geometriske former. Lige så ofte bevægede hun sig dog ind i en hjemsøgte, uhyggelig verden af organiske former, der vækker naturen og menneskekroppen til live. I modsætning til nogle af de andre teoretiske udvidelser i denne udstilling virker det at kalde Castoro minimalistisk faktisk som at tage noget væk fra det, hun forsøgte at gøre. Alligevel er der også noget grundlæggende forenklet, eller måske udledt, over den poesi, der gennemstrømmer alt hendes arbejde, så hvis forenkling og udledning ligger i hjertet af den minimalistiske æstetik, hører Castoro til.

Rosemarie Castoro - Sept 68, 1968. Grafit på papir. Motiv 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 in) Papir 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 in) Ramme 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 in). © Boet efter Rosemarie Castoro. Venligst udlånt af Anke Kempkes Kunstrådgivning Foto: Charles Duprat

Forsidebillede: Lolo Soldevilla - Uden titel, 1954. Blandede materialer på træ. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 in). © Boet efter Lolo Soldevilla
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio