At skabe nutidig tradition - Jeffrey Gibson

Jeg havde en sjælden oplevelse for nylig, mens jeg kiggede på værket af Jeffrey Gibson. Noget ved værket åbnede en dør for mig. Det udsatte mig for et større og mere interessant forhold til fysisk rum. Du forstår, jeg deltager i mange kunstudstillinger. Og jeg har tendens til at have den samme generelle type forhold til hver udstilling, jeg deltager i. Du kan sikkert gætte, hvilken slags forhold det er, baseret på hvordan jeg taler om det lige nu. Det defineres af det faktum, at jeg føler mig adskilt fra kunsten og det rum, den bebor. Jeg ser mig selv, kunsten, udstillingen og rummet som fire separate ting, uden nogen iboende forbindelse. Jeg går ind i et rum, hvor kunsten er udstillet, jeg kigger på kunsten, jeg tænker over, hvad jeg ser på, og senere, som tiden går, kan værket eller ikke resonere med mig på forskellige måder. Selvfølgelig har der været nogle tilfælde, hvor værket har fået mig til ikke at se det på den måde, såsom et James Turrell Skyspace, hvor rummet er kunsten. Men for det meste ser jeg næsten altid kunstudstillinger som chancer for at gå et sted hen og kigge på noget. Hvad der skete med værket af James Gibson, er dog, at det lokkede en anden slags forhold frem i mig. Det var ikke villig til at acceptere begrænsningen af bare at være ting i et rum, der bliver kigget på og tænkt over. Ved kraften af sin tilstedeværelse lod det mig vide, at jeg ikke så det hele billede. Det fik mig til at indse, at kunst ikke kun besætter rum: rum og kunst bebor hinanden. Og når en person kommer ind i det forhold, opstår der en begivenhed, hvor alle tre - kunsten, rummet og personen - bliver lige samarbejdspartnere. Jeg taler ikke om noget spirituelt eller metafysisk. Jeg siger, at på samme måde som en person, der tager en militæruniform på, "bliver" en soldat, eller en person, der tager en præstekjole på, "bliver" en præst, når et rum har en kunstudstilling, "bliver" det noget nyt, noget mere. Og når vi træder ind i et forhold til denne nye ting - denne kombination af kunst og rum - bebor vi det på samme måde, som en præst bebor en præstekjole, eller en soldat bebor en uniform. Vi giver liv til det. Vi giver det magt og dets privilegier. Det er mere, end det ellers ville have været på grund af vores tilstedeværelse. Og det er op til os at demonstrere, hvad det betyder.

Powwows og Raves

Jeffrey Gibson blev født i Colorado i 1972. Hans familiearv er Native American, delvist Cherokee og delvist Choctaw. På grund af den type arbejde, hans far var i, rejste Gibson som ung mand og boede på forskellige tidspunkter i Sydkorea, Tyskland, England og forskellige steder i USA. Blandingen af kulturelle påvirkninger var til tider oplysende for ham, og var til andre tider frustrerende. Et primært eksempel er hans kærlighed til musik og dans. Som ung mand blev han indviet i den Native American tradition for powwow, en social samling, hvor der spilles musik, og livlige kostumer bringes til live af dansere. Og som teenager i Asien og Europa kunne han bringe den samme ånd ind i sit liv ved at gå i klubber med sine venner for at lytte til musik og danse. Men da han kom tilbage til USA som 16-årig, blev han kastet ind i en kultur, hvor han var for ung til at komme ind i barer og klubber. Det var en subtil, men gennemgribende kulturel underlighed. Han blev draget mod musik og dans, men havde få måder at udtrykke den følelse på en socialt acceptabel måde.

En udløbsvej, han fandt, var den underjordiske rave-scene, som han følte på mange måder havde den samme ånd som powwow'en: den var social, den var bygget op omkring musik, og scenen opfordrede individer til at manifestere deres personlighed gennem udsmykning og kostumer, og til at tiltrække opmærksomhed på sig selv gennem dans. Efter at have afsluttet gymnasiet, fik han sin BFA fra Art Institute of Chicago i 1995. Derefter, efter at have fået adgang til Masters of Fine Art-programmet på Royal College of Art i London, fandt han ud af fra sin Chief, at Mississippi Band of Choctaw Indians var villige til at betale hans undervisning for ham. Sagde Gibson i et interview med ARTnews i 2007, “Min chief følte, at jeg gik der, som en stærk kunstner, gjorde ham stærkere.” Det arbejde, Gibson har lavet siden han fik sin MFA i 1998 og flyttede tilbage til USA, er præget af det store og mangfoldige udvalg af kulturelle oplevelser, der fyldte hans opvækst, især en følelse af hans mange samfund, og en tiltrækning til arven fra powwows og raves: rum, der kommer til liv, når de beboes af mennesker og kunst.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Bekæmpelse af generaliseringer

Det arbejde, som Gibson laver, inkorporerer mange medier og former, men formidler et samlende æstetisk sprog. Dette sprog domineres af levende, rene farver, hårde geometriske former og optiske mønstre. Billederne bringer straks både modernistisk abstraktion og indiansk æstetik i tankerne. Det, der er så effektivt ved denne kombination, er, at den straks åbner op for, hvad begge disse æstetiske positioner potentielt kan tilbyde. Modernistisk abstrakt kunst udnytter former og mønstre på en selvrefererende måde, kalder trekanter trekanter, og intet mere, og beder seerne om at nyde farverelationer på deres egne meritter uden at søge efter nogen form for kodet, underliggende mening. Men den indianske tradition er iboende kodet. En trekant er aldrig kun en trekant. Den symboliserer noget: måske noget personligt, måske noget kulturelt, måske noget poetisk. Men uanset hvad, har den en betydning for nogen. På grund af de dobbelte traditioner, som disse værker udspringer fra, er vi frie til at fortolke dem åbent, idet vi tilføjer vores egne traditioner, koder og forventninger til blandingen.

Et af de mest ikoniske værker, som Gibson har skabt indtil videre, er en serie af punching bags prydet med farverigt perlearbejde. Han stødte første gang på punching bags, da hans terapeut foreslog, at han skulle hyre en personlig træner for at hjælpe ham med den vrede, han følte som en ung kunstner, der forsøgte at finde sin stemme og sin vej i den moderne kunstverden. Formen på posen er i sig selv symbolsk. Den antyder modstand, isolation og overførsel af energi. Punching bags bevæger sig og svajer. De giver efter for pres, men vender også altid tilbage til deres oprindelige position. De er bløde og hårde på samme tid. Gibson skaber billeder på dem ved hjælp af medier som perler og strømmende tekstiler, som taler til den forudindtagede forståelse, moderne mennesker har af indiansk kunst. Han sætter nogle gange tekst ind i kompositionerne også, hvilket inviterer til dybere overvejelse af billederne og formen. Punching bags er dækket med den visuelle sprog af kunsthistorie, såvel som det kodede sprog af kulturel fortælling og det materielle sprog af generalisering. De taler til den kamp, vi alle oplever, når vi prøver at finde ud af, hvad vi vil blive.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Beboende Former

Det, der mest direkte påvirker mig, når jeg overvejer arbejdet af Jeffrey Gibson, er hans kostumer. Han skaber flydende, farverige, detaljerede kostumer og placerer dem på træstrukturer. Jeg forestiller mig straks at tage et på. Jeg tænker på, hvordan kostumet ville transformere mig, hvis jeg bar det. Så tænker jeg på, hvordan jeg ville transformere det. Sammen ville vi blive noget mere udtryksfuldt, end hver af os er alene. Former, farver og mønstre på kostumet ville få ny betydning, når de kombineres med bevægelserne af min krop. Kunstobjektet og jeg ville smelte sammen for at blive en levende form for kommunikation.

Noget ved den måde, disse kostumer illustrerer sammensmeltningen af kunst, rum og den menneskelige krop, har givet mig ny indsigt - ikke kun i disse kunstværker, men i alle kunstværker. Udstillingsrummet er en holder af billeder og genstande, ligesom disse kostumer. Jeg træder ind i det, ligesom jeg ifører mig et kostume. Mens jeg bebor udstillingen og bevæger mig rundt i den, bliver billederne og genstandene på dens overflader bragt til live af min bevægelse. Måske lyder det klichéagtigt, men jeg føler ikke længere, at jeg bare er en fyr, der går til kunstudstillinger for at se på kunst. Nu indser jeg, at hvert rum, der viser kunst, er som et af de kostumer, Jeffrey Gibson laver. Det venter på os, venter på vores åndedrag og kroppe, så vi kan fylde det op, animere det, bringe det til live og give hinanden mere mening, end nogen af os nogensinde kunne have haft alene.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Venstre) og I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Højre), foto kredit Roberts & Tilton, Culver City

Fremhævet billede: Jeffrey Gibson - Uendelig sampling, 2010, Blyant, akvarel, akrylmaling, tape, tråd, arkivpigmenttryk, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 tommer, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Alle billeder er kun til illustrative formål

Ved Philip Park