At skabe nutidig tradition - Jeffrey Gibson
Jeg havde en sjælden oplevelse for nylig, mens jeg så på værkerne af Jeffrey Gibson. Noget ved værkerne åbnede en dør for mig. Det viste mig et større og mere interessant forhold til det fysiske rum. Se, jeg går til mange kunstudstillinger. Og jeg har som regel den samme slags forhold til hver udstilling, jeg besøger. Du kan sikkert gætte, hvilken slags forhold det er, ud fra hvordan jeg taler om det lige nu. Det er kendetegnet ved, at jeg føler mig adskilt fra kunsten og det rum, den fylder. Jeg ser mig selv, kunsten, udstillingen og rummet som fire adskilte ting uden nogen iboende forbindelse. Jeg går ind i et rum, hvor kunst er udstillet, jeg ser på kunsten, jeg tænker over, hvad jeg ser, og senere, efterhånden som tiden går, kan værket måske eller måske ikke resonere med mig på forskellige måder. Selvfølgelig har der været tilfælde, hvor værket har fået mig til ikke at se det på den måde, som for eksempel James Turrells Skyspace, hvor rummet er kunsten. Men for det meste ser jeg næsten altid kunstudstillinger som muligheder for at tage et sted hen og se på noget. Det, der skete med Jeffrey Gibsons værker, var dog, at de fremkaldte en anden slags forhold hos mig. De ville ikke acceptere begrænsningen i blot at være ting i et rum, der bliver set på og tænkt over. Ved deres nærvær lod de mig vide, at jeg ikke så hele billedet. De fik mig til at indse, at kunst ikke kun optager plads: rum og kunst bebor hinanden. Og når et menneske træder ind i det forhold, opstår en begivenhed, hvor alle tre – kunsten, rummet og personen – bliver ligeværdige samarbejdspartnere. Jeg taler ikke om noget åndeligt eller metafysisk. Jeg siger, at på samme måde som en person, der tager en militæruniform på, “bliver” soldat, eller en person, der tager en præstekjole på, “bliver” præst, så “bliver” et rum, der viser en kunstudstilling, noget nyt, noget mere. Og når vi indgår i et forhold til denne nye ting – denne kombination af kunst og rum – bebor vi den på samme måde, som en præst bebor en præstekjole eller en soldat bebor en uniform. Vi giver den liv. Vi giver den magt og dens privilegier. Den er mere, end den ellers ville have været, på grund af vores tilstedeværelse. Og det er op til os at vise, hvad det betyder.
Powwows og Raves
Jeffrey Gibson blev født i Colorado i 1972. Hans familiearv er oprindelig amerikansk, delvist Cherokee og delvist Choctaw. På grund af hans fars arbejde rejste Gibson som ung og boede på forskellige tidspunkter i Sydkorea, Tyskland, England og flere steder i USA. Blandingen af kulturelle påvirkninger var til tider oplysende for ham og andre gange frustrerende. Et godt eksempel er hans kærlighed til musik og dans. Som ung blev han indviet i den oprindelige amerikanske tradition med powwow, en social sammenkomst, hvor der spilles musik, og farverige dragter bringes til live af dansere. Og som teenager i Asien og Europa kunne han bringe den samme ånd ind i sit liv ved at gå i klubber med sine venner for at lytte til musik og danse. Men da han vendte tilbage til USA som 16-årig, blev han kastet ind i en kultur, hvor han var for ung til at komme ind på barer og klubber. Det var en subtil, men gennemgribende kulturel mærkværdighed. Han var draget af musik og dans, men havde få muligheder for at udtrykke den følelse på en socialt acceptabel måde.
En udvej, han fandt, var den underjordiske rave-scene, som han på mange måder følte havde samme ånd som powwow: den var social, bygget omkring musik, og scenen opmuntrede folk til at udtrykke deres personlighed gennem udsmykning og dragter og til at tiltrække opmærksomhed gennem dans. Efter at have afsluttet gymnasiet fik han sin BFA fra Art Institute of Chicago i 1995. Derefter, efter at være blevet optaget på kandidatuddannelsen i billedkunst på Royal College of Art i London, fandt han ud af fra sin høvding, at Mississippi Band of Choctaw Indians var villig til at betale hans studieafgift. Gibson sagde i et interview med ARTnews i 2007: “Min høvding mente, at det at jeg gik der, som en stærk kunstner, gjorde ham stærkere.” De værker, Gibson har lavet siden han fik sin MFA i 1998 og flyttede tilbage til USA, er præget af det store og mangfoldige spektrum af kulturelle oplevelser, der fyldte hans opvækst, især en følelse af hans mange fællesskaber og en tiltrækning til arven fra powwows og raves: rum, der bliver levende, når de beboes af mennesker og kunst.
Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Blandede medier, Foto: Scott McCrossen/ FIVE65 Design
Kampen mod generaliseringer
De værker, Gibson laver, omfatter mange medier og former, men formidler et samlet æstetisk sprog. Dette sprog domineres af klare, rene farver, skarpt afgrænsede geometriske former og optiske mønstre. Billederne fremkalder straks både modernistisk abstraktion og oprindelig amerikansk æstetik. Det, der er så effektivt ved denne kombination, er, at den straks åbner op for, hvad begge disse æstetiske positioner potentielt kan tilbyde. Modernistisk abstrakt kunst bruger former og mønstre på en selvhenvisende måde, hvor trekanter blot er trekanter og ikke mere, og hvor beskueren opfordres til at nyde farveforholdene for deres egen skyld uden at søge efter en skjult, underliggende mening. Men oprindelig amerikansk tradition er iboende kodet. En trekant er aldrig bare en trekant. Den symboliserer noget: måske noget personligt, måske noget kulturelt, måske noget poetisk. Men uanset hvad har den en betydning for nogen. På grund af de to traditioner, som disse værker udspringer af, er vi frie til at fortolke dem åbent og tilføje vores egne traditioner, koder og forventninger til blandingen.
Et af de mest ikoniske værkserier, Gibson har skabt indtil nu, er en serie af boksepuder pyntet med farverigt perlearbejde. Han stødte først på boksepuder, da hans terapeut foreslog, at han hyrede en personlig træner for at hjælpe ham med den vrede, han følte som ung kunstner, der prøvede at finde sin stemme og vej i den moderne kunstverden. Formen på boksepuden er i sig selv symbolsk. Den antyder modstand, isolation og overførsel af energi. Boksepuder bevæger sig og svajer. De giver efter for pres, men vender altid tilbage til deres oprindelige position. De er bløde og hårde på samme tid. Gibson skaber billeder på dem ved hjælp af materialer som perler og flydende tekstiler, som taler til den forudfattede opfattelse, nutidens mennesker har af oprindelig amerikansk kunst. Han indsætter nogle gange også tekst i kompositionerne, hvilket inviterer til dybere eftertanke over billederne og formen. Boksepuderne er dækket af kunsthistoriens visuelle sprog, såvel som det kodede sprog i kulturelle fortællinger og det materielle sprog i generaliseringer. De taler til den kamp, vi alle oplever, når vi prøver at finde ud af, hvad vi skal blive til.
Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Akryl og grafit på lærred, 31 × 27 tommer, 78,7 × 68,6 cm (venstre) og Village, 2017, Akryl og grafit på lærred, 31 × 27 tommer, 78,7 × 68,6 cm (højre), foto: De Buck Gallery
At bebo former
Det, der mest direkte påvirker mig, når jeg tænker på Jeffrey Gibsons værker, er hans dragter. Han skaber flydende, farverige, udsmykkede dragter og placerer dem på træstrukturer. Jeg forestiller mig straks at tage en på. Jeg tænker på, hvordan dragten ville forvandle mig, hvis jeg bar den. Så tænker jeg på, hvordan jeg ville forvandle den. Sammen ville vi blive noget mere udtryksfuldt, end vi hver især er alene. Formerne, farverne og mønstrene på dragten ville få ny betydning, når de kombineres med mine kropsbevægelser. Kunstobjektet og jeg ville smelte sammen til en levende form for kommunikation.
Noget ved måden, disse dragter illustrerer sammensmeltningen af kunst, rum og menneskekrop på, har givet mig ny indsigt – ikke kun i disse kunstværker, men i alle kunstværker. Udstillingsrummet er en beholder for billeder og genstande, ligesom disse dragter. Jeg træder ind i det, ligesom når jeg tager en dragt på min krop. Når jeg bebor udstillingen og bevæger mig rundt i den, vækkes billederne og genstandene på dens overflader til live af mine bevægelser. Måske lyder det kliché, men jeg føler ikke længere, at jeg bare er en fyr, der går til kunstudstillinger for at se på kunst. Nu indser jeg, at hvert rum, der viser kunst, er som en af de dragter, Jeffrey Gibson laver. Det venter på os, venter på vores åndedræt og kroppe, så vi kan fylde det, give det liv, bringe det til live og tildele hinanden mere mening, end nogen af os nogensinde kunne have haft alene.
Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016, 18 × 11 1/2 × 13 tommer, 45,7 × 29,2 × 33 cm (venstre) og I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 tommer, 47 × 38,1 × 35,6 cm (højre), foto: Roberts & Tilton, Culver City
Forsidebillede: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Blyant, akvarel, akrylmaling, tape, tråd, arkivpigmenttryk, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 tommer, 148,9 × 244,8 × 7 cm
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
