Orla Kiely's Liv i Mønster

Hvis du har besøgt London inden for den sidste måned eller to, har du måske bemærket, at den ikoniske facade på Fashion and Textile Museum (FTM) har fået en makeover. Omformningen er skabt af den irskfødte mode- og tekstildesigner Orla Kiely. FTM blev designet af den berømte mexicanske arkitekt Ricardo Legorreta Vilchis—det var den eneste europæiske opgave, han fuldførte. Dets karakteristiske udseende er et udtryk for hans talent for at blande rå modernisme med Pueblo-arkitekturstilen. Bygningen skiller sig især ud på grund af dens livlige farveskema i pink, gul, blå og brændt orange. I anledning af hendes midtvejskarriereretrospektiv, Orla Kiely: A Life in Pattern, har Kiely dækket en del af den berømte yderside med sit mest kendte mønster: “Stem,” som ligner en jungle af spændte bønnespirer, der strækker sig op mod himlen og bærer bulbøse, regnbuefarvede blade. “Stem” tilfører en ekstra gnist til bygningen. Men det er inde i museet, at den virkelige energi findes. Udstillingen udforsker det brede spektrum af arbejde, som Kiely har udført gennem de sidste 20 år. Måden, objekterne er udstillet på, læses dog ikke kun som en designudstilling. Det føles til tider mere som en abstrakt kunstinstallation. Den måde, mønstrene og objekterne interagerer med rummet og lyset på, skaber en mærkelig og til tider respektløs følelse. Den fornemmelse giver et perfekt udgangspunkt for et større spørgsmål: “Hvad er barriererne mellem nutidig kunst og design, og er det tid til at glemme disse barrierer?”

Årsagerne til, at vi gør, hvad vi gør

Når man diskuterer, om man skal kalde nogen kunstner eller designer, dukker ét begreb uundgåeligt op: hensigten – hvorfor gør denne person, hvad de gør? Ifølge traditionelle tankegange skal kunstnere have højere grunde end designere til at gøre ting. Forestillingen siger grundlæggende: “Designere laver produkter med et formål, men kunst har intet formål, eller hvis den har, er det et højtravende formål, som kun de indviede og sofistikerede kan forstå.” Orla Kiely er et eksempel på, hvorfor den antagelse er forkert. Tag for eksempel arbejdet fra en anden, hvis navn ligner hendes: den abstrakte kunstner Ellsworth Kelly. Gennem sin karriere hentede Kelly inspiration fra planteformer. Mange af hans mest mindeværdige værker er blot forenklede afledninger af blade og blomsterblade. Selvom Kiely betragtes som designer og ikke kunstner, henter hun også inspiration fra naturen og refererer til biomorfe former som blade, blomsterblade og stilke. Ellsworth Kelly var ikke interesseret i mønstre – han var mere optaget af individuelle former og figurer. Kiely bruger derimod ofte mønstre som et visuelt redskab. Uanset hvad kan både Kellys og Kielys værker påvirke beskuerens stemning og holdning.

Orla Kiely - Krusarkiv 2007-2018. © Orla Kiely

Så hvorfor er det, at selvom Kiely og Kelly er kendt for at skabe visuelle fænomener, der ligner hinanden og besidder samme følelsesmæssige kraft, betragtes de som grundlæggende forskellige? Er det fordi designere skaber arbejde til massemarkedet? Er det fordi design ses mere som pynt eller udsmykning, eller som nyttige ting? Kan kunst ikke også laves til massemarkedet? Kan kunst ikke fungere som udsmykning eller pynt? Selv de mest fremtrædende billedkunstnere laver forbrugsvarer – de er måske kun tilgængelige for velhavende samlere eller institutioner, ikke for masserne, men de er varer, alligevel. Hvad denne udstilling viser, er, at hensigten bag en visuel oplevelse ikke har noget at gøre med dens evne til at påvirke menneskets opfattelse. Farve er farve, form er form, tekstur er tekstur, og linje er linje – vores hjerne kan opfatte og reagere på æstetiske elementer uafhængigt af, hvordan disse elementer opstod, eller hvorfor de blev skabt.

Orla Kiely - Efterår/Vinter 2017 kampagne. © Orla Kiely

Vores foranderlige nutidige miljø

Kuratorerne for Orla Kiely: A Life in Pattern kalder udstillingen “et must-see for alle, der er interesserede i det foranderlige udseende af det 21. århundredes miljø.” Der er lidt overdrivelse i den udtalelse, men der er også noget dybt i den. Udseendet af vores verden ændrer sig, og på dramatisk forskellige måder afhængigt af, hvor vi bor, vores økonomiske situation, og om vores kultur er i krig eller fred. At være omgivet af skønhed og orden bliver mere et privilegium end en ret. Designeres og kunstneres rolle i denne forandring udvikler sig. Kiely er en designer, hvis arbejde er blevet omfavnet af berømtheder, men hendes sortiment inkluderer også yderst overkommelige ting og spænder over mange dagligdags genstande. Hvis hun og hendes kolleger kan finde flere måder at bygge bro over sociale og kulturelle skel, kan skønhed og orden blive mere udbredt.

Orla Kiely - Forår/Sommer 2016 stof. © Orla Kiely

For mange af os er det “foranderlige udseende af det 21. århundredes miljø” ikke, som vi ville foretrække det. En subtil ting, som vi har magt til at ændre, er forestillingen om, at kunst på en eller anden måde ikke kan være en del af hverdagen. Hvis et maleri kan skabe en transformerende følelsesmæssig oplevelse i beskuerens sind, hvorfor skulle den visuelle oplevelse af et sæt gardiner, en dyne eller et kaffekrus så ikke kunne åbne lignende opfattelsesdøre? Ved blot at betragte udsmykning, pynt og design ikke som adskilt fra kunst, men som en integreret del af kunsten, kan vi bringe skønhed og orden til alle, uanset baggrund eller sofistikeringsgrad. Det er måske ikke positivt for kunstskoler, akademikere, kritikere og institutioner, der definerer deres værdi med kunstige kulturelle skel, men det ville være positivt for menneskekulturen som helhed. Denne ene udstilling er ikke nødvendig for at forstå denne idé, men den er et velformuleret bidrag til samtalen. Orla Kiely: A Life in Pattern kan ses på Fashion and Textile Museum i London frem til 23. september 2018.

Forsidebillede: Orla Kiely - Forår/Sommer 2017, New York Fashion Week. © Orla Kiely

Af Phillip Barcio