Husker de abstrakte tekstildesigns af Lucienne Day
Det er en sjælden bedrift for en industriel designer at fange tidens ånd så succesfuldt, at deres designs ikke blot ender på forbrugerprodukter, men også udstilles i kunstgallerier og museer. Øverst på denne korte liste står navnet Lucienne Day. I næsten tre årtier midt i det 20. århundrede dominerede Day markedet for funktionelle tekstiler og oversatte smukt modernistiske abstrakte billedsprog til nyttige produkter til dagligdagen. Hun studerede aldrig på Bauhaus, men hendes arbejde indkapslede skolens ånd, som hævdede, at kunst, arkitektur og design skulle arbejde sammen på måder, der er relevante for almindelige menneskers daglige liv. Day krediteres som den første designer, der fik sit arbejde mærket med betegnelsen ”Samtidsdesign.” Hun vandt en stor pris ved Milano Triennalen i 1954, og i 1962 hædrede Royal Academy of the Arts hende med titlen Royal Designer for Industry (RDI). Alligevel var dette kun en fase i hendes fremtrædende karriere. Da hun trak sig tilbage fra designindustrien i 1975, begyndte Day en ny karriere som abstrakt kunstner og skabte en ny kunstform, som hun kaldte ”Silkemosaik.” I dag bliver hendes designs opdaget af en ny generation. Hendes klassiske modernistiske mønstre genudgives og fortolkes til brug på nutidige møbler. Samtidig turnerer udstillingen Lucienne Day: Living Design rundt i Storbritannien og fejrer arven fra denne enestående kunstner med arkivbilleder, der dokumenterer hendes liv og arbejde.
At blive Lucienne Day
Désirée Lucienne Lisbeth Dulcie Conradi blev født i Surrey, England, i 1917. Hun sagde, at hun tidligt var bevidst om, at hun ville studere kunst, men at hun også vidste, at hun ikke ønskede at leve som maler. I stedet ville hun skabe ting, som almindelige mennesker kunne nyde og bruge. Da hun begyndte på Croydon School of Art som 17-årig, fokuserede hun sine studier på stofkunst. Som 20-årig, da hun skiftede til Royal College of Art, begyndte hun at studere modernistiske abstrakte kunstneres værker og forestillede sig, hvordan deres teorier og billedsprog kunne omsættes til mønstre og designs, der kunne bruges på masseproducerede tekstiler som tøj, tæpper, gardiner og håndklæder.
Lucienne Day: Living Design-udstilling. © 2018 Arts University Bournemouth
Men Day var ikke i godt selskab på det tidspunkt. De fleste designere i hendes generation i Storbritannien holdt fast i traditionelle designmetoder og havde ingen interesse i at blande deres arbejde med billedkunsten. Det var først i hendes sidste år på universitetet, at hun mødte en sjæleven, da hun deltog i en skolefest. En håbefuld møbeldesigner ved navn Robin Day, som var dimitteret fra RCA to år tidligere, vendte tilbage til festen med venner. Han mødte Lucienne der, og de to indså straks deres fælles beundring for modernistisk design og abstrakt kunst. De giftede sig to år senere og flyttede ind i et hjem, som de fyldte med møbler og tekstiler, de selv havde lavet. Deres professionelle ambitioner måtte dog vente, fordi Europa var i krig. Mangel på materialer og andre krigsrelaterede vanskeligheder gjorde det umuligt at starte en virksomhed. Men i 1949 ændrede deres held sig. Lucienne fik en kontrakt med Heal Fabrics, som til sidst resulterede i en international udgivelse af mere end 70 af hendes designs, og Robin sikrede sig et partnerskab, der førte til, at han skabte prisvindende designs for prestigefyldte kunder som Royal Festival Hall og OL i Mexico 1968.
Lucienne Day: Living Design-udstilling. © 2018 Arts University Bournemouth
At definere tidens æstetik
Det mest berømte og populære design, Lucienne Day skabte, var også et af hendes første. Kaldet ”Calyx” minder designet om de biomorfe former, der bruges i skulpturer af Alexander Calder, og de finurlige, bølgende linjer, der ses i malerier af Paul Klee. Designets former svæver i et næsten fladt tomrum og vækker samtidig traditionelle blomsterdesigns og banebrydende abstrakt kunst til live. ”Calyx” var designet, der vandt Day guldmedaljen ved Milano Triennalen i 1951. Det var så populært blandt offentligheden, at det overgik alle forventninger. Dets succes cementerede Day som den ledende stemme i den samtidige designbevægelse og gjorde det muligt for hende at udvide sit arbejde til at omfatte håndtrykt tapet, servietter, duge, moderigtige klædestoffer og stort set alle slags hjemmetekstiler, man kan forestille sig. Samtidig, som tiden skiftede og kunstverdenens æstetiske tendenser ændrede sig, holdt Day sig på forkant og skabte maleriske designs, der vækker abstrakt ekspressionisme til live, samt optisk levende geometriske mønstre, der minder om værker af optiske kunstnere som Bridget Riley.
Lucienne Day: Living Design-udstilling. © 2018 Arts University Bournemouth
Efter at have trukket sig tilbage fra industriel design forvandlede Day sit kreative liv fuldstændigt. Hun opgav tanken om masseproduktion og begyndte i stedet at håndsy silkevægophæng – hendes ”Silkemosaikker.” Nogle gange figurative og andre gange rent abstrakte, formidler disse værker et personligt billedsprog, der er mere særpræget end noget, Day tidligere havde designet. I sit industrielle designarbejde var hun altid omhyggelig med at holde sig inden for de billedsprog, der allerede var populære hos offentligheden, og bragte tidens kunst ind i folks daglige liv. Med sine ”Silkemosaikker” frigjorde hun sig dog til at udtrykke noget mere personligt. Disse værker afslører en dyb og moden viden om, hvordan man blander former, farver, mønstre og figurer til stærke abstrakte kompositioner. Day designede dem med arkitektoniske omgivelser i tankerne, hvilket viser, at hun også havde udviklet et skarpt blik for, hvordan billedkunst samarbejder med byggede rum for at aktivere sådanne miljøer til menneskelig brug. Lucienne Day døde i 2010, men hendes arv, som legemliggjorde ideen om at blande modernistisk abstraktion med dagliglivet, lever videre. Lucienne Day: Living Design kan ses fra 19. juli til 15. september i Coach House Gallery i Dublin Castle, Irland.
Fremhævet billede: Lucienne Day: Living Design-udstilling. © 2018 Arts University Bournemouth
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
