At fjerne lærredet - Farvel til Ron Gorchov

Under et interview i 2017 med den schweiziske kurator Hans Ulrich Obrist gav den amerikanske maler Ron Gorchov (1930 - 2020) følgende råd til unge kunstnere: ”Vær desperat og tålmodig.” Den tilsyneladende modsætningsfulde udtalelse indkapsler perfekt den holdning, som Gorchov, der døde tidligere på måneden, havde til sit virke. Født i Chicago i 1930 flyttede hans familie fra by til by mere end et dusin gange under den store depression, mens hans iværksætterorienterede far søgte arbejde. Omstændighederne kunne have gjort dem desperate efter penge, men hans far lærte Gorchov at se penge som adskilt fra formål. Hans familie var blottet for penge, siger Gorchov, men aldrig fattig. Gorchov arbejdede som livredder, da han først flyttede til New York i 1950’erne, og underviste senere i kunst: job, der gav ham den tid, han havde brug for, til at nærme sig sin kunst med den tålmodighed, den fortjente. Hans ledende princip var, at kunstnere altid skulle skabe værker til det næste århundrede, ikke det århundrede, de levede i. Hans idé til at føre maleriet frem i det 21. århundrede var at kombinere det, i lige præcis de rette mængder, med skulptur og arkitektur. ”For mig,” sagde Gorchov, ”er essensen af skulptur masse. I arkitektur mærker man rumfang. Og maleri lægger vægt på overflade.” De ”sadelformede” malerier, som han blev berømt for, var hans løsning på problemet. Allerede i 1949 havde Gorchov den tanke, at maleriets verden var blevet for knyttet til idéen om rektanglet, en tilknytning, som Piet Mondrian havde fremskyndet, og som Gorchov mente havde udtømt formen. Gorchov overvejede forskellige muligheder for at ændre fladheden af et typisk rektangulært lærred, som for eksempel at placere en tennisbold bag det for at skabe en bule. Det tog ham 19 år at udvikle de ”sadelstrammere”, han brugte til at skabe sine nu ikoniske konvekse, buede malerflader. Hans første sadelformede maleri, som han lavede i 1968, hedder ”Mine” — en dobbelttydighed, der henviser til, at han så værket som unikt sit eget, og også som en potentiel guldmine fuld af uudforskede kreative muligheder.

Abstrakt eller konkret

De fleste betragter det arbejde, Gorchov udførte, som abstrakt. Dog hævder hans forhandler John Cheim, principal og udstillingsdirektør hos Cheim & Read-galleriet — som har et fremtrædende ry for at arbejde med giganter inden for abstraktion som Joan Mitchell, Milton Resnick og Louis Fishman — at Gorchov ikke bør ses som fuldstændig abstrakt. ”Formerne har et stærkt forhold til Giorgio Morandis arbejde. Gorchov er ikke en rent abstrakt maler, ligesom Morandi ikke er rent figurativ,” siger Cheim. Galleridirektør Stephen Truax tilføjer: ”Ron brugte ting, han så og mødte i det virkelige liv, som inspiration til de former, han brugte i sine abstraktioner.”

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, olie på linned, 85 x 75 x 13 tommer, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle kunstværksbilleder med tilladelse fra kunstneren og Cheim & Read, New York.

Et spor til det følelsesmæssige indhold i hans malerier kan findes i de titler, Gorchov gav dem, som ofte refererer til klassiske myter eller historier fra teologiske tekster som Bibelen. Dog begyndte Gorchov ikke med at male en bestemt figur eller scene fra en myte. I stedet malede han på en intuitiv, underbevidst måde, ofte med højre hånd på lærredets højre side og venstre hånd på venstre side. Han tænkte over indholdet bagefter. ”Når jeg laver et maleri og ser på det,” forklarede Gorchov engang, ”må jeg spørge mig selv, hvordan jeg havde det, da jeg lavede det? Fordi jeg var involveret i at lave det, ved jeg ikke, hvordan jeg havde det. Så studerer jeg maleriet for at finde ud af det… og jeg prøver at finde en historie, der føles som den måde, jeg havde det på.” Denne vekselvirkning mellem ting set i livet, den underbevidste malerhandling og den efterfølgende analyse af følelser virker for mig både abstrakt og konkret. Det minder mig om, hvordan Jean Arp talte om dadaismens sande mening: som naturens uforudsigelighed, meningsløshed og perfekte logik udtrykt gennem kunst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olie på linned. 49 x 65 x 10 1/2 tommer / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle kunstværksbilleder med tilladelse fra kunstneren og Cheim & Read, New York.

Den revolutionære reformator

For mig er der noget dybt amerikansk over det værk, Gorchov skabte. Amerika er både en konkret ting og et abstrakt begreb, der konstant rives mellem revolution og reform. Da han først udviklede sine sadelstrammere, var Gorchov en revolutionær kunstner, en der var fast besluttet på at undergrave maleriets århundredgamle grundidé: at det skulle udføres på rektangulære, flade flader. Selv mens han udviklede sit første buede lærred, blev fladhedens idé faktisk igen hyldet af ledende kunstkritikere som Clement Greenberg som målet for Post Painterly Abstraction, den seneste tendens i maleriet ifølge Greenberg. Alligevel, efter modigt at have undergravet de strukturelle systemer med rektangler og fladhed, forpligtede Gorchov sig fuldt ud til sit nye system og gentog det resten af sin karriere, og erstattede den gamle norm med den nye norm. Hvad kunne være mere amerikansk end at opgive revolutionære impulser til trangen efter endeløs reform, og arbejde inden for nyetablerede systemer for at skabe uendeligt spændende variationer?

PORTRÆT MED EAST JAMB Ron Gorchov i hans Brooklyn-studie. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Olie på linned 77 x 77 x 12 1/2 tommer 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Sandt nok, når man først har set ét Gorchov-maleri, er alle fremtidige Gorchov-malerier, man møder, straks genkendelige som hans. Men det er ikke en fornærmelse. Det er den samme kritik, man kunne give naturen, som også arbejder inden for sine egne særlige systemer for at skabe uendelige og smukke variationer. Faktisk, i forhold til hans forbindelse til naturens veje, føler jeg, at Gorchov bedst hører hjemme i Hans Arps slægt — en anden biomorf kunstner, der var delvist dadaist, delvist surrealist og delvist abstraktionist, men som altid kaldte sin kunst konkret. Gorchov skabte et værk, der er både intellektuelt og lunefuldt — fuldstændig særpræget og alligevel straks genkendeligt — og ligesom Arp mener jeg, at det placerer Gorchov i sin egen særlige kategori.
Jeg er imponeret over, hvordan Gorchov lykkedes med at opnå sit oprindelige ledende princip og minder os gennem sit eksempel om, hvor vigtigt både tænkning og følelse er for kunstnere, der ønsker at være relevante ikke kun i deres eget århundrede, men også i det næste.

PORTRÆT AF AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Gengivet med tilladelse.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio