At fjerne lærredet - Farvel til Ron Gorchov

Under et interview i 2017 med den schweiziske kurator Hans Ulrich Obrist gav den amerikanske maler Ron Gorchov (1930 - 2020) følgende råd til unge kunstnere: “Vær desperat og tålmodig.” Den tilsyneladende oxymoriske udsagn indkapsler perfekt den holdning, som Gorchov, der døde tidligere på måneden, havde til sin praksis. Født i Chicago i 1930, flyttede hans familie fra by til by mere end et dusin gange under den Store Depression, mens hans entreprenør-minded far søgte arbejde. Omstændighederne kan have gjort dem desperate efter penge, men hans far lærte Gorchov at se penge som adskilt fra formål. Hans familie var broke, siger Gorchov, men aldrig fattige. Gorchov arbejdede som livredder, da han først flyttede til New York i 1950'erne, og senere underviste han i kunst: job, der gav ham den tid, han havde brug for til at nærme sig sin kunst med den tålmodighed, den fortjente. Hans vejledende princip var, at kunstnere altid skulle lave værker til det næste århundrede, ikke det århundrede, de lever i. Hans idé om at føre maleriet ind i det 21. århundrede var at kombinere det, i lige præcise mængder, med skulptur og arkitektur. “For mig,” sagde Gorchov, “er essensen af skulptur masse. I arkitektur føler man volumen. Og maleri understreger overflade.” De “sadelformede” malerier, som han blev berømt for, var hans løsning på problemet. Så tidligt som i 1949 havde Gorchov den opfattelse, at malerverdenen var blevet for knyttet til idéen om rektanglet, en tilknytning, der blev fremskyndet af Piet Mondrian, som Gorchov mente havde udtømt formen. Gorchov overvejede forskellige muligheder for at ændre fladheden af et typisk rektangulært lærred, såsom at placere en tennisbold bag det for at skabe en bule. Det tog ham 19 år at udvikle de “sadelstræk” han brugte til at skabe sine nu ikoniske konvekse, buede malerflader. Hans første sadelformede maleri, som han lavede i 1968, hedder “Mine”—et dobbelttydigt udtryk, der refererer til det faktum, at han så værket som unikt hans, og også så det som en potentiel guldmine fuld af uudforskede kreative muligheder.

Abstrakt eller Konkret

De fleste seere betragter det arbejde, Gorchov har udført, som abstrakt. Dog hævder hans forhandler John Cheim, Principal og direktør for udstillinger ved Cheim & Read-galleriet—som har et fremragende ry for at arbejde med kæmper inden for abstraktion som Joan Mitchell, Milton Resnick og Louis Fishman—at Gorchov ikke bør betragtes som helt abstrakt. "Formerne har et stærkt forhold til arbejdet af Giorgio Morandi. Gorchov er ikke en rent abstrakt maler, ligesom Morandi ikke er rent figurativ," siger Cheim. Galleridirektør Stephen Truax tilføjer: "Ron ville bruge ting, han så og stødte på i det virkelige liv, som inspiration til de former, han brugte i sine abstraktioner."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olie på lærred, 85 x 75 x 13 tommer, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle kunstværksbilleder er venligst stillet til rådighed af kunstneren og Cheim & Read, New York.

Et spor til den følelsesmæssige indhold i hans malerier kan findes i de titler, Gorchov gav dem, som ofte refererer til klassiske myter eller historier fra teologiske tekster som Bibelen. Men Gorchov startede ikke med at forsøge at male en bestemt figur eller scene fra en myte. Snarere malede han på en intuitiv, underbevidst måde, ofte malende højre side af lærredet med sin højre hånd og venstre side med sin venstre hånd. Han tænkte på indholdet bagefter. "Når jeg laver et maleri, og jeg ser på det," forklarede Gorchov engang, "må jeg spørge mig selv, hvordan havde jeg det, da jeg gjorde det? Fordi jeg var involveret i at lave det, ved jeg ikke, hvordan jeg havde det. Så studerer jeg maleriet for at finde ud af det... og jeg prøver at finde en historie, der føles som hvordan jeg havde det." Denne give and take mellem ting set i livet, den underbevidste handling af at male, og de senere analyser af følelser synes for mig at være både abstrakt og konkret. Det minder mig om, hvordan Jean Arp talte om den sande betydning af Dada: som uforudsigeligheden, meningsløsheden og den perfekte logik i naturen udtrykt gennem kunst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olie på lærred. 49 x 65 x 10 1/2 tommer / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle kunstværksbilleder er venligst stillet til rådighed af kunstneren og Cheim & Read, New York.

Den Revolutionære Reformator

For mig er der noget dybt amerikansk over det oeuvre, Gorchov skabte. Amerika er både en konkret ting og et abstrakt koncept, der konstant er revet mellem revolution og reform. Da han først udviklede sine sadelstræk, var Gorchov en revolutionær kunstner, en der var fast besluttet på at undergrave den århundreder gamle centrale forestilling om maleri: at det skulle udføres på rektangulære, flade overflader. Selv da han udviklede sit første buede lærred, blev begrebet fladhed igen hyldet af førende kunstkritikere som Clement Greenberg som målet for Post Painterly Abstraction, den nyeste trend inden for maleri ifølge Greenberg. Alligevel, efter dristigt at have undermineret de strukturelle systemer af rektangler og fladhed, forpligtede Gorchov sig fuldstændigt til sit nye system og gentog det i resten af sin karriere, idet han erstattede den gamle normal med den nye normal. Hvad kunne være mere amerikansk end at overgive revolutionære impulser til tvangen for endeløs reform, arbejde inden for nyetablerede systemer for at skabe endeløse fascinerende variationer?

PORTRÆT MED ØST JAMB Ron Gorchov i hans Brooklyn Studio. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov ØST JAMB 1971 Olie på lærred 77 x 77 x 12 1/2 tommer 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Sandelig, når du først ser et Gorchov-maleri, er alle fremtidige Gorchov-maleri, du støder på, straks genkendelige som hans. Men dette er ikke en fornærmelse. Det er den samme kritik, man kunne give til naturen, som også arbejder inden for sine egne særlige systemer for at skabe uendelige og smukke variationer. Faktisk, i konteksten af hans forhold til naturens måder, føler jeg, at Gorchov bedst hører hjemme i slægten af Hans Arp—en anden biomorfisk kunstner, der var delvist Dadaist, delvist Surrealist og delvist abstraktionist, men som altid henviste til sin kunst som konkret. Gorchov skabte et værk, der er både cerebralt og lunefuldt—fuldstændig idiosynkratisk og alligevel straks genkendelig—og så også ligesom Arp, mener jeg, at det placerer Gorchov i sin egen særlige kategori.
Jeg er imponeret over, hvordan Gorchov lykkedes med at opnå sit oprindelige vejledende princip, der minder os om gennem sit eksempel, hvor vigtigt både tænkning og følelser er for kunstnere, der ønsker at være relevante ikke kun i deres århundrede, men også det næste.

Fremhævet billede: PORTRÆT AF AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Gengivet med tilladelse.
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio