Vigtigheden af Adolph Gottliebs Burst-serie

Adolph Gottlieb sagde engang: ”Kunstnerens rolle har naturligvis altid været som billedskaber. Forskellige tider kræver forskellige billeder.” Gottlieb oplevede flere klart forskellige tider og ændrede tre gange væsentligt sin metode for at kunne svare på kulturens udvikling. Hans værk nåede sit højdepunkt med hans Burst-malerier, en serie han begyndte i 1957 og fortsatte med at udbygge indtil sin død i 1974. Det visuelle sprog i Burst-malerierne er enkelt og direkte—dugen er delt i to zoner: top og bund. Topzonen beboes af en eller flere cirkulære former i et begrænset farveudvalg; bundzonen beboes af et hektisk, gestisk udbrud af kakofonisk, hvirvlende energi, normalt malet i sort. For Gottlieb betød Burst-malerierne den ultimative udtryk for hans store idé: at der samtidig eksisterer polariteter i universet, såsom mørke og lys. Den gængse opfattelse beskriver ofte sådanne kræfter som om de er modsætninger—som om lys grundlæggende er det modsatte af mørke. Gottlieb forstod, at lys og mørke er punkter på et spektrum og består af det samme stof, blot fordelt i forskellig mængde. Han anså polariteterne for så ens, at den ene kan blive til den anden med blot et lille skub fra de herskende kræfter, og de to zoner i hans Burst-malerier fungerer på samme måde. De cirkulære former synes at have styr på tingene, svævende selvsikkert over det, der ligner et slagsmål. Men begge er en del af det samme billede, og ingen af dem er i en fast tilstand. Det, der er oppe, kan komme ned, og det, der synes kaotisk, kan under de rette omstændigheder samle sig og blive ét.

De store Burst-malerier

Eksempler på Burst-malerier pryder nogle af verdens mest ærede kunstsamlinger. Det massive ”Blast I” (1957), der måler 228,7 x 114,4 cm, hænger på MoMA i New York. På det svæver en gigantisk rød kugle stoisk over en lige så truende hob af sorte, gestiske mærker. Dette ikoniske billede satte serien i gang, og en poetisk ladet genbesøgelse af dens ikonografi dukkede op igen i 1973, blot et år før Gottlieb døde. I ”Burst” (1973), et af de sidste malerier kunstneren skabte før sin død, er den røde kugle blødere og er begyndt at gå i opløsning, udsendende lyserøde soludbrud ud i æteren. Imens er den kaotiske hob af gestiske mærker brudt op i en slags familie af former, der synker under horisontlinjen og tilsyneladende udsender tråde og frø ud i rummet.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olie på lærred. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fond. © Adolph and Esther Gottlieb Foundation/Licensed by VAGA, New York, NY. MoMA Samling.

Blandt andre berømte Burst-malerier er ”Blues” (1962), nu i samlingen hos Smithsonian American Art Museum. Dets blå og sorte farvevalg er dystert og roligt, mørket læses som en formørkelse eller et solarisert efterbillede. ”Trinity” (1962), et andet monumentalt Burst, hænger i den permanente samling på Crystal Bridges Museum of American Art. Dette 203,2 x 469,9 cm lærred udvider det visuelle felt horisontalt. Tre solide kugler—en blå, en rød og en sort—svæver i rummet over en elegant samling kalligrafiske penselstrøg. Strøgene synes at kaste en grå skygge, mens en blid gul kugle svæver i mellemrummet mellem den øvre og nedre zone. Det variationens spændvidde, som ”Blues” og ”Trinity” viser, demonstrerer den enorme variation Gottlieb udforskede i sit relativt enkle tema, og giver hvert værk i Burst-serien en særpræget betydning helt for sig selv.

Adolph Gottlieb-Icon, 1964. Olie på lærred. 144 x 100". ©Adolph and Esther Gottlieb Foundation.

Forberedelse til udbrud

Selvom han begyndte at male i 1920’erne, startede rejsen, som førte Gottlieb til den enkle genialitet i hans Burst-malerier, i 1930’erne. Det var da, han tog surrealismens omfavnelse af det underbevidste til sig. Han indså, at de mest væsentlige æstetiske udtryk er tidløse, fordi de relaterer til grundlæggende eksistentielle realiteter som magt, frygt, fødsel og død: stoffet i myterne. Hans undersøgelse af denne tankegang førte ham til at udvikle sin første store serie af malerier, som han kaldte Piktografer. Baseret på et symbolsk, intuitivt sprog af abstrakte former var hans Piktografer struktureret inden for gitter—et forsøg på at formidle opdelt udtryk for virkeligheden. Selvom de ofte betragtes som abstrakte, beskrev Gottlieb sine Piktografer som realistiske, da de udtrykte den sande, ængstelige, mystiske menneskelige tilstand. Han malede dem indtil 1951, hvor han besluttede, at tiden kaldte på noget nyt. På jagt efter en forenklet metode opgav han gitteret og delte lærredet i to—en top og en bund med en horisontlinje imellem. Han kaldte denne nye serie Imaginary Landscapes, fordi de formidlede det indre landskab af tilværelsen, inklusive følelsesmæssige, intellektuelle, intuitive og underbevidste tilstande.

Adolph Gottlieb - Mand ser på kvinde, 1949. Olie på lærred. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Gave fra kunstneren. © Adolph and Esther Gottlieb Foundation/Licensed by VAGA, New York, NY. MoMA Samling.

Burst-serien udviklede sig ud af Imaginary Landscapes og repræsenterer destillationen af den samme idé. Gottlieb forenklede, hvad der skete i de øvre og nedre dele af Imaginary Landscapes, og ophørte med at bruge en egentlig horisontlinje til at dele lærredet i to dele. Men Burst-malerierne repræsenterer også en slags tilføjelse—tilføjelsen af rum. Forenklet sagt indså Gottlieb, at når horisontlinjen blev fjernet, var det eneste mellem de øvre og nedre former på lærredet rummet, og jo større lærredet var, desto mere udbredte og episke blev formerne, og desto mere rum syntes der at være. Men han tænkte ikke på rum kun som afstand, der kan måles. Det handlede mere om helheden af det visuelle og følelsesmæssige univers i maleriet. Formerne bebor det samme rum, men indtager alligevel særskilte områder inden for rummet. Deres farverum er særskilt; deres formrum er særskilt; deres linjerum er unikt; og deres intellektuelle rum er unikt. I sidste ende er det denne opfattelse af rum, der var afgørende for, hvordan Gottlieb så sine Burst-malerier, fordi han forstod det som en ophøjet udtryk for helheden af tilværelsen og myten om dens tilsyneladende individuelle dele.

Fremhævet billede: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olie på lærred. 80 x 185". ©Adolph and Esther Gottlieb Foundation.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio