Det Mørke, Abstrakte Kunst af Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb var en af hovedpersonerne inden for abstraktion i midten af det 20. århundrede. Hans malerier er følelsesladede, sparsomme og primitive, og mange mennesker anser dem for at være mørke. Men Gottlieb så sig selv som det modsatte af mørk. Han følte, at han var energisk, kompleks, lidenskabeligt moderne og en, der kastede lys, ledte vejen med sin kunst mod noget bedre for menneskeheden. Født i New York City i begyndelsen af en af de mest omvæltende perioder i menneskets historie, kom Gottlieb bestemt til modenhed i en mørk tid: en tid med social, politisk og økonomisk uro, hvor samfundets fremtid var i reel, konkret tvivl. Det er tydeligt ikke kun fra hans kunst, men også fra hans skrifter, at angst og tvetydigheder fra Første Verdenskrig, Den Store Depression og Anden Verdenskrig absolut bidrog til udviklingen af hans æstetiske vision. Men den æstetiske vision var ikke kun en af sorg eller undergang, som så mange kritikere har antydet. Den var faktisk en, hvorigennem Gottlieb blot stræbte efter at formidle sandheden om det menneskelige hjerte og sind på en håbefuld måde. Måske er det uundgåeligt, at en sådan sandhed, som Gottlieb opfattede den, må indeholde en vis grad af galskab og kaos. Men det omfattende værk, Gottlieb efterlod ved sin død i 1974, indeholdt også det smukke, det rolige, det fredelige og det ophøjede. De paradoksale kompleksiteter, som definerede hans til tider kontroversielle verdenssyn, førte til sidst Adolph Gottlieb til at omdefinere abstrakt kunst og resulterede i skabelsen af et værk, der først nu begynder at blive anerkendt for sin sande strålendehed og lys.
En kunstner af hjertet
Adolph Gottlieb blev født i en arbejderklassefamilie af indvandrere i New York i 1904. Sammenlignet med mange af de andre børn, der voksede op på Lower East Side på det tidspunkt, fik han en fremragende start på livet, da hans forældre opbyggede en succesfuld papirvareforretning og håbede at kunne give den videre til ham en dag. Men allerede som ganske ung vidste han med sikkerhed, at alt, hvad han ønskede, var at blive kunstner. Han var så sikker på dette, at han droppede ud af skolen som 15-årig for fuldt ud at vie sig til sin kunst. Han deltog i forelæsninger på Art Students League, en kunstnerdrevet institution, hvor mange kunstnere, der senere blev en del af Abstract Expressionist-bevægelsen, gik til undervisning. Og så, som blot 17-årig, rejste Gottlieb til Europa og tjente sin passage ved at arbejde ombord på et skib på vej til Frankrig.
Hans unge tro på sine evner betalte sig i udlandet, da han hurtigt blev bekendt med den europæiske modernismes verden. I modsætning til amerikansk kunst i 1920’erne var europæisk kunst på det tidspunkt fantastisk opfindsom. Han blev udsat for Fauvisme, Kubisme, Suprematisme, Futurisme og Geometrisk Abstraktion. Han besøgte museer og deltog i alle de gratis kunstklasser, han kunne finde. Og da hans visum udløb, tilbragte han næsten endnu et år med at rejse rundt i Europa. Undervejs blev han overbevist om, at europæiske kunstnere var forbundet med noget vigtigt. Især blev han fascineret af den voksende indflydelse fra stammekunst, en tendens, der inspirerede ham til at afvise den folkelige form for figurativ amerikansk kunst til fordel for at søge universelle træk i gamle symboler og århundreder gamle visuelle traditioner.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Farvesilketryk, 31 1/8 × 23 1/8 tommer, 79,1 × 58,7 cm (venstre) og Flying Lines, 1967, Farvesilketryk, 30 × 22 tommer, 76,2 × 55,9 cm, fotokreditter Marlborough Gallery
Den filosofiske kunstner
Da Gottlieb vendte tilbage til New York i 1922, bragte han en følelse af sit eget ansvar som kunstner med sig. Han så sig selv som en moderniserende kraft for sin kultur og omfavnede tanken om, at kunstnere skulle være filosoffer og agenter for social forandring. Han færdiggjorde sin kunstuddannelse og blev i løbet af de næste år venner med en kreds af andre kunstner/filosoffer, såsom Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith og Milton Avery, nogle af dem, der til sidst blev de mest berømte amerikanske kunstnere i deres generation. Gottlieb og hans kammerater var undtagelser. De var abstrakte kunstnere, eller i det mindste kunstnere, der lavede kunst, som blev opfattet som abstrakt, men de var også ivrige efter offentligt at tale om meningen med deres værker.
På det tidspunkt blev avantgardekunstnere, og især abstrakte kunstnere, ikke forstået i USA og blev bestemt ikke bredt respekteret – ikke engang i New York. Mange havde svært ved at kæmpe for sig selv og deres værdi, især for værdien af modernistiske æstetiske idealer. Men Gottlieb var en naturlig fortaler og en født formidler. Han var politisk og socialt engageret og var hurtig til at tale til fordel for det, han anså for vigtigt. I 1935 satte Gottlieb og hans ven Mark Rothko (dengang kendt som Marcus Rothkowitz) deres overbevisninger i praksis ved at danne en gruppe kaldet The Ten. Den omfattede Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg og Yankel Kufeld. I åben protest mod de herskende tendenser i New Yorks kuratorverden udstillede The Ten deres abstrakte værker sammen og afviste det, de kaldte “den påståede lighed mellem amerikansk maleri og bogstaveligt maleri.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, Olie på papir monteret på lærred
Piktogrammerne
Et af de første fremskridt mod den modne abstrakte stil, som Gottlieb til sidst udviklede, kom i begyndelsen af 1940’erne i form af hans Pictograph-malerier. Disse værker var i bund og grund forsøg på at skabe et nyt symbolsk billedsprog, der kunne formidle universelle følelser og stemninger. Gottlieb konceptualiserede sine Pictograph-malerier på en sådan måde, at deres overflade blev fladet ud, hvilket fjernede dybde og enhver illusion, der kunne forbindes med deres figurative elementer. Han demokratiserede også alle områder af lærredet i en forudseende henvisning til det, der snart ville blive kaldt “all-over” maleri. Hans Pictographs benyttede en råhed, der mindede om barnlige mærker, og fremkaldte æstetiske tendenser fra stammekulturer.
På en måde forsøgte Gottlieb at skabe et nyt billedalfabet i traditionen fra hieroglyffer eller kinesiske kanji. Men i stedet for at forsøge at formidle specifikke fortællinger, forsøgte han at destillere sine udsagn ned til det mest nødvendige. I stedet for at stave de myter ud, han refererede til, forsøgte han at formidle de fælles menneskelige følelser, der bor i deres kerne. For at nå dette mål skabte han omhyggeligt billeder, der var helt originale og fri for ydre associationer, i håb om at deres universelle natur ville overskride de små kulturelle forskelle, der holdt folk adskilt.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Olie på kunstnerplade, 29 1/4 × 23 1/4 tommer, 74,3 × 59,1 cm, fotokreditter Hollis Taggart Galleries, New York (venstre) og Untitled, 1949, Pastel på papir, 24 × 18 tommer, 61 × 45,7 cm, fotokreditter Berggruen Gallery, San Francisco (højre)
Forestillinger om landskaber
Mens Gottlieb udviklede sine Pictographs, gik han igennem en proces med forenkling. Gennem denne proces nåede han frem til en række værker, han kaldte Imaginary Landscapes. I modsætning til Pictographs, som ikke lagde klar vægt på nogen del af billedet, delte Gottlieb billedfladen i disse malerier op i to adskilte områder ved indførelsen af en horisontlinje. Under linjen tilføjede Gottlieb piktografiske kruseduller. Over linjen tilføjede han farvede geometriske former. Imaginary Landscapes antydede et hierarkisk forhold mellem de to typer billeder. Underordnet blev afbildet en krusedullede, følelsesladet, kompliceret udtryk for menneskelig angst. Svævende ovenover var et enkelt, direkte udtryk for universel renhed.
Imaginary Landscape blev derefter yderligere forenklet til det, Gottlieb kaldte Burst-malerier. I disse værker fjernede han horisontlinjen, men beholdt krusedullen i bunden og den samlede form øverst. Bursts benyttede store farvefelter og forenede farveelementet med formen. De inviterede til eftertanke på et næsten helligt niveau og syntes at formidle begrebet om et symbiotisk forhold mellem en højere og en lavere bevidsthed.
Adolph Gottlieb - Imaginary Landscape, 1971, Akvatint i farver, på Fabriano-papir, med fulde margener, 26 3/10 × 32 1/2 tommer, 66,7 × 82,6 cm
Adolph Gottliebs arv
I 1970 fik Gottlieb et slagtilfælde og mistede brugen af venstre side af sin krop. Han fortsatte alligevel med at skabe værker og lavede nogle af de mest dybtgående og ekstreme udtryk i sin Burst-serie blot et år før sin død. Da hans liv sluttede, var han kendt ikke kun for det unikke værk, han havde skabt, men også for sin indflydelse på andres arbejde. Hans filosofier var en integreret del af ideerne hos Abstract Expressionisterne. Og hans æstetiske vision anses for at have haft indflydelse på fremkomsten af Farvefeltmaleri og Minimalisme.
Men lige så vigtig som den æstetiske arv fra de malerier, skulpturer og tryk, som Adolph Gottlieb skabte i løbet af sine 70 år, er det bidrag, han gav til det større kunstnerfællesskab, han tilhørte – det, som overskrider formelle fremskridt, generationer og bevægelser. Gottlieb havde en vision om kunstneren som en, der ikke er adskilt fra resten af samfundet, men tæt forbundet med det. Han troede på kunstens potentiale til at forvandle civilisationen og mente, det var vigtigt at diskutere æstetiske ideer åbent og i klart sprog, så alle kunne forstå det. Han opfattede, at kunstnere er afgørende for en kulturs evne til at forstå sig selv, og gennem sit arbejde viste han det ansvar, alle kunstnere har for at udtrykke galskaben, kaosset, strålendeheden, skønheden, mørket og lyset i deres tid.
Fremhævet billede: Adolph Gottlieb -
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
