Det Mørke, Abstrakte Kunst af Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb var en af de centrale skikkelser inden for midten af det 20. århundredes abstraktion. Hans malerier er følelsesladede, sparsomme og primitive, og mange mennesker betragter dem som mørke. Men Gottlieb så sig selv som det modsatte af mørket. Han følte, at han var energisk, kompleks, lidenskabeligt moderne, og en, der lyste op, og førte an med sin kunst mod noget bedre for menneskeheden. Født i New York City i begyndelsen af en af de mest tumultariske perioder i menneskehedens historie, kom Gottlieb bestemt til modenhed i et mørke: en tid med social, politisk og økonomisk nød, hvor samfundets fremtid var i spørgsmål i en reel, konkret forstand. Det er klart, ikke kun fra hans kunst, men også fra hans skrifter, at de bekymringer og tvetydigheder, der prægede Første Verdenskrig, Den Store Depression og Anden Verdenskrig, absolut bidrog til udviklingen af hans æstetiske vision. Men den æstetiske vision var ikke kun en af sorg eller undergang, som så mange kritikere har antydet. Det var faktisk en, gennem hvilken Gottlieb blot stræbte efter at kommunikere sandheden om det menneskelige hjerte og sind, på en håbefuld måde. Måske er det uundgåeligt, at sådan en sandhed, som Gottlieb opfattede den, må inkludere en vis grad af vanvid og kaos. Men det omfattende værk, Gottlieb efterlod sig, da han døde i 1974, omfattede også det smukke, det rolige, det fredelige og det sublime. Disse paradoksale kompleksiteter, som definerede hans til tider kontroversielle verdenssyn, førte i sidste ende Adolph Gottlieb til at redefinere abstrakt kunst, og resulterede i skabelsen af et oeuvre, der først nu begynder at blive anerkendt for sin sande brilliance og lys.
En kunstner i hjertet
Adolph Gottlieb blev født ind i en arbejderklasse, immigrantfamilie i New York i 1904. Sammenlignet med mange af de andre børn, der voksede op på Lower East Side på det tidspunkt, fik han en fantastisk start i livet, da hans forældre byggede en succesfuld papirvarerforretning og håbede at overdrage den til ham en dag. Men allerede som ung vidste han med sikkerhed, at alt hvad han ønskede at være, var en kunstner. Han var så sikker på denne kendsgerning, at han droppede ud af skolen som 15-årig for fuldt ud at dedikere sig til sin kunst. Han deltog i forelæsninger på Art Students League, en kunstnerdrevet institution, hvor mange kunstnere, der senere blev en del af Abstract Expressionist bevægelsen, deltog i klasser. Og så, kun 17 år gammel, rejste Gottlieb til Europa, hvor han tjente sin billet ved at arbejde ombord på et skib, der sejlede til Frankrig.
Hans ungdommelige tro på sine evner gav pote i udlandet, da han hurtigt blev bekendt med verden af europæisk modernisme. I kontrast til amerikansk kunst i 1920'erne var europæisk kunst på det tidspunkt fantastisk opfindsom. Han blev udsat for Fauvisme, Kubisme, Suprematisme, Futurisme og Geometrisk Abstraktion. Han besøgte museer og deltog i alle gratis kunstkurser, han kunne finde. Og da hans visum udløb, tilbragte han næsten et år mere med at rejse rundt i Europa. Undervejs blev han overbevist om, at europæiske kunstnere var forbundet med noget vigtigt. Især blev han fascineret af den voksende indflydelse fra tribal kunst, en tendens der inspirerede ham til at afvise den dagligdags figurative amerikanske kunst til fordel for at søge universaliteter inden for gamle symboler og århundreder gamle visuelle traditioner.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Farvesilketryk, 31 1/8 × 23 1/8 tommer, 79.1 × 58.7 cm (Venstre) og Flying Lines, 1967, Farvesilketryk, 30 × 22 tommer, 76.2 × 55.9 cm, foto kredit Marlborough Gallery
Den Filosofiske Kunstner
Da Gottlieb vendte tilbage til New York i 1922, bragte han en følelse af sit eget ansvar som kunstner med sig. Han så sig selv som en moderniserende kraft for sin kultur og omfavnede tanken om, at kunstnere burde være filosoffer og agenter for social forandring. Han afsluttede sin kunstuddannelse, og i de følgende år blev han venner med en gruppe af andre kunstner/filosoffer, såsom Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith og Milton Avery, hvoraf nogle senere ville blive de mest berømte amerikanske kunstnere i deres generation. Gottlieb og hans kammerater var anomalier. De var abstrakte kunstnere, eller i det mindste kunstnere, der lavede kunst, der blev fortolket som værende abstrakt, men de var også ivrige efter at tale offentligt om betydningen af deres arbejde.
På det tidspunkt blev avantgarde-kunstnere, og især abstrakte kunstnere, ikke forstået i USA, og de blev bestemt ikke bredt respekteret - ikke engang i New York. Mange havde svært ved at tale for sig selv og deres værdi, og især for værdien af modernistiske æstetiske idealer. Men Gottlieb var en naturlig talsmand og en født kommunikator. Han var politisk og socialt engageret og var hurtig til at tale op for det, han så som vigtigt. I 1935 satte Gottlieb og hans ven Mark Rothko (dengang kendt som Marcus Rothkowitz) deres overbevisninger i aktion ved at danne en gruppe kaldet The Ten. Den inkluderede Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg og Yankel Kufeld. I åben protest mod de dominerende tendenser i den New York kuratoriske scene udstillede The Ten deres abstrakte værker sammen og afviste, hvad de kaldte "den påståede lighed mellem amerikansk maleri og bogstaveligt maleri."
Adolph Gottlieb - Rød grund, olie på papir monteret på lærred
Piktograferne
Et af de første fremskridt mod den modne abstrakte stil, som Gottlieb til sidst udviklede, kom i begyndelsen af 1940'erne i form af hans Pictograph malerier. Disse værker var i bund og grund forsøg på at skabe et nyt symbolsk sprog af billeder, der kunne kommunikere universelle følelser og stemninger. Gottlieb konceptualiserede sine Pictograph malerier på en måde, så deres overflade blev flad, hvilket eliminerede dybde og enhver form for illusion, der kunne være forbundet med deres figurative elementer. Han demokratiserede også alle områder af lærredet i en forudseende reference til, hvad der snart ville blive kaldt "all-over" maleri. Hans Pictographs anvendte en råhed, der mindede om barnlige mærker, og fremkaldte de æstetiske tendenser fra stamme-samfund.
I en forstand forsøgte Gottlieb at skabe et nyt billedalfabet i traditionen fra hieroglyffer eller kinesiske kanji. Men i stedet for at forsøge at kommunikere specifikke fortællinger, forsøgte han at destillere sine udsagn ned til de mest grundlæggende elementer. I stedet for at stave myterne ud, som han henviste til, forsøgte han at kommunikere de kollektive menneskelige følelser, der bor i deres kerne. For at opnå dette mål skabte han omhyggeligt billeder, der var helt originale og fri for udenforstående associationer, i håbet om, at deres universelle natur ville overskride de små kulturelle forskelle, der holdt folk adskilt.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Olie på kunstnerplade, 29 1/4 × 23 1/4 tommer, 74.3 × 59.1 cm, foto kredit Hollis Taggart Galleries, New York (Venstre) og Untitled, 1949, Pastel på papir, 24 × 18 tommer, 61 × 45.7 cm, foto kredit Berggruen Gallery, San Francisco (Højre)
Fantastiske Landskaber
Da Gottlieb udviklede sine Piktogrammer, engagerede han sig i en proces med forenkling. Gennem denne proces nåede han frem til en række værker, som han kaldte Imaginary Landscapes. I modsætning til Piktogrammerne, som ikke lagde nogen klar vægt på nogen del af billedet, adskilte Gottlieb billedplanet i disse malerier i to distinkte områder gennem introduktionen af en horisontlinje. Under linjen tilføjede Gottlieb piktografiske kruseduller. Over linjen tilføjede han farvede geometriske former. Imaginary Landscapes antydede et hierarkisk forhold mellem de to typer billeder. Afbildet som underdanig er en krusedullende, følelsesladet, kompliceret udtryk for menneskelig angst. Svævende ovenfor er et simpelt, direkte udtryk for universel renhed.
Imaginary Landscape blev derefter yderligere forenklet til det, som Gottlieb kaldte Burst malerier. I disse værker eliminerede han horisontlinjen, men bevarede kradset nederst og den enhedlige form øverst. Bursts gjorde brug af store farvefelter og forenede farveelementet med form. De indbød til kontemplation på et næsten helligt niveau og syntes at kommunikere konceptet om et symbiotisk forhold mellem en højere og en lavere bevidsthed.
Adolph Gottlieb - Fantasilandskab, 1971, Akvatint i farver, på Fabriano papir, med fulde margener, 26 3/10 × 32 1/2 tommer, 66,7 × 82,6 cm
Arven efter Adolph Gottlieb
I 1970 fik Gottlieb et slag og mistede brugen af venstre side af sin krop. Han fortsatte dog med at skabe værker og skabte nogle af de mest dybtgående og ekstreme udtryk i sin Burst-serie blot et år før han døde. Da hans liv sluttede, var han kendt ikke kun for det unikke værk, han havde skabt, men også for sin indflydelse på andres arbejde. Hans filosofier var integrale for ideerne hos de abstrakte ekspressionister. Og hans æstetiske vision anses for at have været indflydelsesrig i fremkomsten af Color Field Painting og Minimalisme.
Men lige så vigtigt for den æstetiske arv af de malerier, skulpturer og tryk, som Adolph Gottlieb skabte i løbet af sine 70 år, er det bidrag, han gav til det større kunstneriske fællesskab, som han tilhørte - det, der transcenderer formelle fremskridt, generationer og bevægelser. Gottlieb havde en vision om kunstneren som en, der ikke er adskilt fra resten af samfundet, men indviklet forbundet med det. Han troede på kunstens potentiale til at transformere civilisationen, og at det var vigtigt at diskutere æstetiske ideer åbent og i klart sprog, så de kunne forstås af alle. Han opfattede, at kunstnere er essentielle for en kulturs evne til at forstå sig selv, og gennem sit arbejde demonstrerede han det ansvar, som alle kunstnere har for at udtrykke tidens vanvid, kaos, stråleglans, skønhed, mørke og lys.
Fremhævet billede: Adolph Gottlieb -
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio
