Klarhed i Tone og Form i Barnett Newman Malerier

De ikoniske lynmalerier af Barnett Newman, der har tynde, lysende lodrette bånd omgivet af immersive farvefelter, betragtes som nogle af de mest følelsesladede og magtfulde værker fra det 20. århundrede. Men Newman blev ikke værdsat i sin tid. Han var i fyrrerne, før han nåede sin modne stil, og da han første gang udstillede sine lynmalerier, blev de universelt foragtet af både kritikere og samlere. Ikke desto mindre forblev Newman singular fokuseret på, hvad han ønskede at kommunikere med sin kunst. Hans lange og vanskelige vej til succes gav ham et unikt perspektiv og en mulighed for selv at overveje meningen og formålet med livet og kunsten. Da historien indhentede Newman, havde hans unikke perspektiv resulteret i et kunstnerisk oeuvre, der med perfekt klarhed kommunikerer det universelle, det individuelle og det sublime.

Barnett Newman forfatteren

Barnett Newman blev født med en passion for at kommunikere, både gennem ord og billeder. Som barn, der voksede op i Bronx, vandt han engang en talekonkurrence i skolen. Da han var sidsteårsstudent i gymnasiet, tog han næsten hver dag i ugen på Art Students League. I college satte han sine passioner i brug, studerede kunst, havde hovedfag i filosofi og bidrog med artikler til skolens publikationer. Men på trods af sit enorme talent og sin drivkraft, fandt Newman efter college sig selv uden en klar retning for præcist, hvordan han skulle bruge sine passioner i en karriere.

Efter at have afsluttet sin filosofiuddannelse i 1927, begyndte Newman at arbejde i familiens virksomhed for at spare penge, inden han skulle leve livet som kunstner. Men da aktiemarkedet kollapsede to år senere, blev næsten alle udsigter for ham og hans familie ødelagt. Konfronteret med hårde realiteter satte Newman sig alvorligt for at overleve på enhver mulig måde. Han prøvede at undervise som vikar og skrev for en række publikationer om emner som politik og kunsthistorie. Mens han kæmpede og søgte, fortsatte han med at male og skabte forbindelser med andre ligesindede sjæle, der også kæmpede for at finde deres vej. Disse forbindelser omfattede hans kone Annalee, malerne Mark Rothko og Adolph Gottlieb, samt galleriejer Betty Parsons.

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman filosoffen

I løbet af 1930'erne og begyndelsen af 1940'erne var Newman uendeligt utilfreds med sine egne bestræbelser som maler. Han havde hjertet af en digter og filosof og søgte en måde at kommunikere sin indre natur gennem sin kunst. Han fandt trøst i at skrive om kunst, da han skrev udstillingskatalog-essays for forskellige andre kunstnere, takket være sit samarbejde med Betty Parsons. Disse skrifter, sammen med hans varierede livserfaringer og personlige kampe, førte ham gradvist til at udvikle en dyb teori om menneskehedens natur og kunstens formål.

Han uddybede den filosofi i to essays, han skrev i henholdsvis 1947 og 1948. Det første essay hed Den Første Mand Var en Kunstner. I det argumenterede Newman for, at den poetiske eller kunstneriske instinkt altid har forudgået det utilitaristiske instinkt hos mennesker, siden tidernes morgen. Han hævdede, at ler-skulpturer af guder havde forudgået keramik, og at poetiske grynt og skrig, der udtrykte de mest primitive følelser, havde forudgået såkaldte civiliserede ytringer. “Keramik er produktet af civilisationen,” skrev Newman. “Den kunstneriske handling er menneskets personlige fødselsret.”

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Olie på lærred. Samlet: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 tommer). Gave fra Annalee Newman, til ære for 50-års jubilæet for National Gallery of Art. 1988.57.2. National Gallery of Art Samlingen. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman maleren

Det andet vigtige essay, Newman skrev, hed The Sublime Is Now. I dette stykke kritiserede han alle tidligere kunstnere for blot at jage skønhed. Selv modernistiske kunstnere, hævdede han, var kun i gang med at reinterpretere, hvad der var smukt, og skabte en “overførsel af værdier i stedet for at skabe en ny vision.” Han hævdede, at han og hans samtidige var efter noget helt nyt, “ved helt at benægte, at kunst har nogen bekymring med problemet om skønhed og hvor man finder det.” Han hævdede, at det arbejde, han og de lavede, ikke havde nogen forbindelse til noget historisk, nostalgisk eller mytisk, men var “selvindlysende” og lavet “ud af vores egne følelser.”

Resultatet af al denne filosofiske tænkning manifesterede sig kunstnerisk for Newman i 1948, da han skabte sit ikoniske mesterværk Onement, det første af hans zip malerier. Titlen på stykket er et ordspil. Det refererer til ordet forsoning, som kan betyde at reparere noget, men er også en kristen reference til sammensmeltningen af menneskeheden og guddommeligheden repræsenteret af Kristusfiguren. Men ved at udelade de første to bogstaver i ordet, henviste Newman også til totaliteten af individet, den ene, og hans overordnede idé om, at hele den sublime forståelse kan være selvindeholdt i én person, eller for den sags skyld, ét maleri.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olie på lærred og olie på maskeringstape på lærred. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Gave fra Annalee Newman. 390.1992. MoMA Samling. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Et Enestående Udtryk for Formål

Efter at have malet Onement ødelagde Barnett Newman alle sine tidligere værker. Han havde opnået den æstetiske stemme, som han havde søgt efter, og fra det øjeblik fortsatte han med at ødelægge ethvert værk, der ikke passede ind i hans specifikke vision. Ironisk nok var han ikke den eneste, der følte behovet for at ødelægge sit arbejde. Han lærte den uheldige lektie i 1950, da han begyndte at blive repræsenteret af sin ven Betty Parsons. I løbet af de næste to år holdt han to solo-udstillinger i hendes galleri. Ved begge shows blev hans malerier skåret i stykker, og i deres anmeldelser blev værkerne universelt kritiseret af anmelderne.

Rystet af det had, han oplevede, trak Newman sit arbejde tilbage fra Betty Parsons og stoppede helt med at udstille sine værker i de næste fire år. Han købte endda et af sine malerier tilbage, som var blevet solgt, og skrev til samleren: “Forholdene eksisterer endnu ikke . . . som kan gøre det muligt at have en direkte, uskyldig holdning til et isoleret stykke af mit arbejde.” Men han fortsatte med at male sine zip-malerier, idet han i sin essens troede, at de kommunikerede renheden og storheden af den sublime, individuelle ånd. Da han endelig besluttede at udstille sit arbejde igen, blev det dog stadig latterliggjort, idet en kritiker af en udstilling i 1957 af maleriet Vir Heroicus Sublimis gik så langt som til at forbanne værket og kun henlede opmærksomheden på dets størrelse og det faktum, at det er rødt.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olie på lærred. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Gave fra hr. og fru Ben Heller. 240.1969. MoMA Samling. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Den næste generation

På trods af den offentlige misforståelse af hans bestræbelser, fortsatte Newman, og fastslog sit udtryk ved at forenkle det. Hans mest succesfulde værker bestod kun af to elementer: tone og form. Zipsene i sig selv var ikke så meget former som de var former. Men malerierne var former i deres helhed. Zipsene var i virkeligheden blot udtryk for tonale kvaliteter, en ændring i farve, der adskilte dem fra deres omgivende farvefelter. Og han udtrykte også tone i en musikalsk forstand, som i et klart, præcist, forlænget udtryk for en stemme. Gennem sit klare udtryk for tone og form definerede Newman sin ubarmhjertige tro på værdien af empowerment, idiosynkrasi og den universelle essens af individet.

På trods af sin oprigtighed og passion, støttede kun én kritiker Barnett Newman i løbet af 1950'erne, og det var Clement Greenberg. Selvom hans støtte gjorde lidt for at overbevise kunstetablissementet om værkets værdi, afspejlede det den voksende forståelse, den yngre generation havde for, hvad Barnett Newman repræsenterede. For de unge malere, i stedet for at binde dem til fortiden, havde Newman frigivet dem til at omfavne deres unikke individualitet. Han havde demonstreret, at beskuere kunne nærme sig ethvert af hans malerier og møde dem på præcis samme måde, som de ville møde et andet menneske: bare én essentiel enhed, der møder en anden. Han beviste, at malerier ikke behøvede at relatere til hinanden, og de behøvede ikke at relatere til historien. Han viste, at hvert kunstværk var et univers i sig selv.

Barnett Newman - The Third, 1964. Olie på lærred. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

En forsinket men varig indflydelse

Selvom det først tog til Newman var i tresserne, før en ny generation kunne forbinde sig med hans ideer, fik han til sidst den respekt og anerkendelse, han fortjente. I dag kan indflydelsen fra Barnett Newman ses i et væld af nutidige abstrakte kunstnere, der har skabt idiosynkratiske æstetiske visioner baseret på tone og form. Overvej for eksempel Tom McGlynn, som har skabt en sublim og idiosynkratisk vision baseret på tone og form; eller værket af Richard Caldicott, som udforsker seriell gentagelse og strukturer i skabelsen af unikt singular æstetiske rum.

På trods af den indledende misforståelse omkring hans arbejde, bliver Barnett Newman nu rutinemæssigt inkluderet blandt de bedste abstrakte ekspressionister, Color Field-kunstnere og endda minimalister. Men han betragtede sig selv som uafhængig af nogen af disse grupper. Han så sig selv mere som en bevægelse for sig selv. Ikke desto mindre, selvom han ikke var som de abstrakte ekspressionister i stil, var han en standardbærer for værdien af personlig udtryk. Selvom han ikke var en Color Field-kunstner, demonstrerede han evnen til, at tonale kvaliteter alene kunne skabe meditative og kontemplative æstetiske former. Og selvom han ikke var en minimalist, udtrykte han forudseende værdien af at forenkle og reducere det visuelle sprog.

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Olie på lærred. 114 x 84 tommer. (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Fremhævet billede: Barnett Newman - Onement I (detalje), 1948. Olie på lærred og olie på maskeringstape på lærred. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Gave fra Annalee Newman. 390.1992. MoMA Samling. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio