Arven efter banebryderen inden for abstrakt kunst, Gillian Ayres

Den britiske abstrakte maler og grafiker Gillian Ayres er død i en alder af 88 år. Hendes død efterlader et tomrum i kunstverdenen og også i uddannelsens og rollemodelleringsverdenen. Ayres var uden tvivl en af de mest karismatiske, selvsikre kunstlærere i Storbritannien, hvilket i høj grad skyldtes hendes totale omfavnelse af non-konformitet. Hun underviste på Bath Academy of Art fra 1959 til 1965, foreleste på Saint Martin’s School of Art i London fra 1966 til 1978, og i 1978 blev hun leder af Malerafdelingen på Winchester School of Art. Det sidste job var mere en ledelsesposition end en undervisningsposition. Hun forlod det efter konstant at have kæmpet med skolens administratorer om, hvordan, og faktisk om overhovedet, man skulle lede afdelingen. Ayres troede på, at kunstuddannelse ville blive bedre betjent uden et kontor, der havde ansvaret for det. Selvom det var hendes sidste officielle akademiske stilling, fortsatte Ayres med at undervise ved sit eksempel. Hun var en rollemodel for vigtigheden af at have principper og stå fast ved dem. Hendes principper omfattede enorm generøsitet over for sine studerende og venner (som hun ofte lod bo i sit hjem), en kærlighed til champagne og cigaretter (som hun nød indtil slutningen), og en komplet had til medlemmerne af den såkaldte Euston Road School, et kollektiv af traditionelle realistiske kunstnere, der var imod avantgarde og abstrakt kunst. Hendes hengivenhed til abstraktion hjalp med at inspirere utallige andre britiske abstrakte kunstnere og hjalp med at vende den institutionelle fordom mod abstraktion i skoler, gallerier og museer. Den arv, hun håbede at efterlade, kan opsummeres i en erklæring, hun gav i et interview med Financial Times i 2015. Hun sagde: "Folk kan godt lide at forstå, og jeg ville ønske, de ikke gjorde. Jeg ville ønske, de bare ville kigge."

Former og rum

Ayres afsluttede kunstskolen i 1950 og tog et job som galleriassistent. Hun beholdt stillingen i seks år på deltid, mens hun også malede. Hun har sagt, at hun i de tidlige dage af sin karriere blev i høj grad påvirket af Jackson Pollock og de abstrakte ekspressionister. Men det, der inspirerede hende mest ved dem, var ikke deres metafysiske tendenser, dvs. deres forsøg på at forbinde med en primær kilde til dyb, skjult følelse. Snarere blev hun inspireret af deres arbejdsmetoder, som for hende syntes at være frie og eksperimenterende. Hun adopterede teknikken med at arbejde på gulvet og bruge løse, lyriske bevægelser, mens hun malede. Mange af hendes værker fra denne tid kunne beskrives som actionmalerier. De inkluderer ofte sprøjtet og dryppet maling, gestuelle penselstræk og store, energisk påførte farvefelter.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Træsnit på 75gsm Unryu-shi japansk papir, 33 3/5 × 64 2/5 tommer, 85,4 × 163,5 cm, foto med venlig hilsen Alan Cristea Gallery, London

Samtidig med hendes udforskning af "all-over" stil actionmaleri, viste Ayres også interesse for den ligefremme udforskning af former og rum. Mange af hendes malerier fra 1950'erne og 60'erne indeholder løse kompositioner af cirkler, firkanter og andre geometriske eller kvasi-geometriske former. Formerne synes ofte at svæve omkring hinanden i et tomrum. Disse malerier er rent abstrakte, men ikke i den forstand, at Ayres "abstraherede" dem fra den naturlige verden. I stedet søgte hun simpelthen at skabe kompositioner, der ikke har noget narrativt eller figurativt indhold overhovedet, fordi hun troede på potentialet for abstrakte billeder af former, der interagerer i rummet, til at være "hjernegymnastik." Med andre ord, hun følte, at sådanne billeder kunne være berusende. Hun mente, at denne kvalitet var afgørende, så folk simpelthen kunne nyde at se på hendes kunst uden at føle pres for at tænke logisk over det, eller endda for at engagere deres intellekt overhovedet.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Træsnit på 75gsm Unryushi japansk papir, 36 1/5 × 40 9/10 tommer, 92 × 104 cm, foto med venlig hilsen Alan Cristea Gallery, London

Overbærende farve

Udover sin kærlighed til former og rum, var Ayres en entusiastisk elsker af farver. Hun sagde engang: "For mig er farve i kunsten vidunderligt forkælende." Hun ønskede, at folk skulle drikke hendes malerier ind. Hun betragtede dem som fester for øjnene. Hun sagde: "Jeg forstår ikke, hvorfor du ikke skulle fylde dig selv op, gøre dig selv glad - nyde dig selv, feste på skønhed." Så meget som dette lyder som et harmløst synspunkt i dag, var der en tid, hvor det fik Ayres til at blive dybt mistroet af britiske publikum. Den mistillid kulminerede i 1957, da Ayres efter at være blevet inkluderet i udstillingen Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, blev kontrakteret til at male et vægmaleri i spisesalen på en skole i London. Næsten så snart hun var færdig med vægmaleriet, beordrede skoleadministratorerne, at det skulle dækkes med tapet. Først flere årtier senere, efter Ayres var blevet berømt, blev vægmaleriet genopdaget i næsten perfekt stand under tapetet.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Træsnit på Unryushi 75gsm papir, 18 4/5 × 22 4/5 tommer, 47.8 × 57.9 cm, foto med venlig hilsen Alan Cristea Gallery, London

Den kærlighed, Ayres havde til farve som emne, er tydelig gennem hele hendes karriere. Efterhånden som hendes kompositioner blev mindre lyriske, mindre gestuelle og mere strukturerede og arkitektoniske med tiden, voksede hendes kærlighed til farve kun stærkere. I 1980'erne havde hun udviklet en noget fantasifuld, fejrende æstetisk vision baseret på livlige, lyse farver og biomorfe former. Disse alterværker synes at være inspireret af naturen. Nogle mennesker mistænker, at det er fordi, at Ayres i denne periode af sit liv flyttede med sin familie til et kystnært landligt samfund i Wales. Hun har sagt, at forholdene der, især landskabet, havde stor indflydelse på hende. Dog har hun altid insisteret på, at hendes arbejde ikke var abstraheret fra naturen, ej heller nedskåret fra billeder af landskabet. På nogle måder minder de seneste malerier, Ayres lavede, om Matisse's udskæringer. Begge kunstnere adopterede en lignende farvepalet sent i deres karrierer, og begge udviklede en lignende fornemmelse for rumlige relationer. Undtagen at mens Matisse stolt håbede at fremkalde formerne og faconerne fra den naturlige verden i sit sene arbejde, forblev Ayres dedikeret indtil slutningen til, at hendes værker ikke var baseret på noget. De er bare billeder af farver og former i rummet uden betydning ud over sig selv, der tilbyder ren fornøjelse til seere, der er modige nok til at forkæle sig selv i deres skønhed.

Fremhævet billede: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Træsnit på Unryu-shi japansk papir, 30 7/10 × 45 7/10 tommer, 78 × 116 cm, Udgave af 18, foto med venlig hilsen fra Alan Cristea Gallery, London

Af Phillip Barcio