Arven efter banebryderen inden for abstrakt kunst, Gillian Ayres

Den britiske abstrakte maler og grafiker Gillian Ayres er død i en alder af 88 år. Hendes død efterlader et tomrum i kunstverdenen, og også inden for uddannelse og forbilleder. Ayres var uden tvivl en af de mest karismatiske og selvsikre kunstlærere i Storbritannien, hovedsageligt på grund af hendes fulde omfavnelse af ukonventionalitet. Hun underviste på Bath Academy of Art fra 1959 til 1965, holdt forelæsninger på Saint Martin’s School of Art i London fra 1966 til 1978, og i 1978 blev hun leder af malerafdelingen på Winchester School of Art. Den sidste stilling var mere en ledelsespost end en undervisningsstilling. Hun forlod den efter konstant at have kæmpet med skolens ledelse om, hvordan, og faktisk om overhovedet, afdelingen skulle styres. Ayres mente, at kunstuddannelse ville være bedre tjent uden, at et kontor havde ansvaret for den. Selvom det var hendes sidste officielle akademiske stilling, fortsatte Ayres med at undervise ved sit eksempel. Hun var et forbillede for vigtigheden af at have principper og stå fast ved dem. Hendes principper omfattede stor gavmildhed over for sine elever og venner (som hun ofte indlogerede i sit hjem), en kærlighed til champagne og cigaretter (som hun nød til det sidste), og en fuldstændig afsky for medlemmerne af den såkaldte Euston Road School, en sammenslutning af traditionelle realistiske kunstnere, der var imod avantgarde og abstrakt kunst. Hendes hengivenhed for abstraktion hjalp med at inspirere utallige andre britiske abstrakte kunstnere og bidrog til at vende den institutionelle fordom mod abstraktion i skoler, gallerier og museer. Den arv, hun håbede at efterlade, kan opsummeres i en udtalelse, hun gav i et interview med Financial Times i 2015. Hun sagde: ”Folk kan godt lide at forstå, og jeg ville ønske, de ikke gjorde det. Jeg ville ønske, de bare ville se.”

Former og rum

Ayres afsluttede kunstskolen i 1950 og tog et job som assistent i et galleri. Hun beholdt stillingen i seks år på deltid, samtidig med at hun malede. Hun har sagt, at hun i disse tidlige år af sin karriere var stærkt påvirket af Jackson Pollock og de abstrakte ekspressionister. Det, der dog inspirerede hende mest ved dem, var ikke deres metafysiske tendenser, altså deres forsøg på at forbinde sig med en oprindelig kilde til dyb, skjult følelse. I stedet blev hun inspireret af deres arbejdsmetoder, som for hende virkede frie og eksperimenterende. Hun tog teknikken til sig med at arbejde på gulvet og bruge løse, lyriske bevægelser under maleriet. Mange af hendes værker fra denne tid kan beskrives som actionmalerier. De indeholder ofte sprøjtet og dryppet maling, gestiske penselstrøg og store, energisk påførte farvefelter.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Træsnit på 75gsm Unryu-shi japansk papir, 33 3/5 × 64 2/5 tommer, 85,4 × 163,5 cm, foto venligst udlånt af Alan Cristea Gallery, London

Samtidig med sin udforskning af ”all-over” stilens actionmaleri viste Ayres også interesse for en ligefrem undersøgelse af former og rum. Mange af hendes malerier fra 1950’erne og 60’erne indeholder løse kompositioner af cirkler, firkanter og andre geometriske eller næsten geometriske former. Formerne synes ofte at svæve omkring hinanden i et tomrum. Disse malerier er rent abstrakte, men ikke i den forstand, at Ayres ”abstraherede” dem fra den naturlige verden. I stedet søgte hun blot at skabe kompositioner, der slet ikke har nogen fortællende eller figurativt indhold, fordi hun troede på potentialet i abstrakte billeder af former, der interagerer i rummet, til at være ”hovedrige”. Med andre ord følte hun, at sådanne billeder kunne være berusende. Hun mente, at denne kvalitet var afgørende, så folk blot kunne nyde at se på hendes kunst uden at føle pres for at tænke logisk over den eller endda at bruge deres intellekt overhovedet.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Træsnit på 75gsm Unryushi japansk papir, 36 1/5 × 40 9/10 tommer, 92 × 104 cm, foto venligst udlånt af Alan Cristea Gallery, London

Overdådig farve

Ud over sin kærlighed til former og rum var Ayres en entusiastisk farveelsker. Hun sagde engang: ”For mig er farve i kunsten vidunderligt forkælende.” Hun ønskede, at folk skulle drikke hendes malerier ind. Hun betragtede dem som festmåltider for øjnene. Hun sagde: ”Jeg forstår ikke, hvorfor man ikke skulle fylde sig selv op, gøre sig glad – nyde sig selv, feste på skønhed.” Så uskyldigt som dette kan lyde i dag, var der en tid, hvor det fik Ayres til at blive dybt mistroet af britiske publikum. Den mistillid kulminerede i 1957, da hun efter at være blevet udvalgt til udstillingen Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today fik til opgave at male et vægmaleri i spisesalen på en skole i London. Næsten lige efter, at hun havde færdiggjort vægmaleriet, beordrede skolens ledelse, at det skulle dækkes til med tapet. Først årtier senere, efter at Ayres var blevet berømt, blev vægmaleriet genopdaget i næsten perfekt stand under tapetet.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Træblok på Unryushi 75gsm papir, 18 4/5 × 22 4/5 tommer, 47,8 × 57,9 cm, foto venligst udlånt af Alan Cristea Gallery, London

Den hengivenhed, Ayres havde for farve som motiv, er tydelig gennem hele hendes karriere. Efterhånden som hendes kompositioner blev mindre lyriske, mindre gestiske og mere strukturerede og arkitektoniske med tiden, voksede hendes kærlighed til farve kun stærkere. I 1980’erne udviklede hun en noget lunefuld, festlig æstetisk vision baseret på levende, lyse farver og biomorfe former. Disse senere værker synes at være inspireret af naturen. Nogle mener, det skyldes, at Ayres i denne periode flyttede med sin familie til et kystnært landligt samfund i Wales. Hun har sagt, at forholdene der, især landskabet, havde stor indflydelse på hende. Hun insisterede dog altid på, at hendes arbejde ikke var abstraheret fra naturen eller nedtonet fra billeder af landskabet. På nogle måder minder de seneste malerier, Ayres lavede, om Matisse’s udskæringer. Begge kunstnere tog en lignende farvepalet til sig sent i deres karriere, og begge udviklede en lignende sans for rumlige forhold. Dog, hvor Matisse stolt håbede at fremkalde former og figurer fra den naturlige verden i sit sene arbejde, forblev Ayres indtil det sidste dedikeret til, at hendes værker ikke var baseret på noget. De er blot billeder af farver og former i rummet uden mening ud over sig selv, og tilbyder ren glæde til de beskuere, der tør lade sig forføre af deres skønhed.

Forsidebillede: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Træsnit på Unryu-shi japansk papir, 30 7/10 × 45 7/10 tommer, 78 × 116 cm, oplag på 18, foto venligst udlånt af Alan Cristea Gallery, London

Af Phillip Barcio