De fascinerende animationer af Oskar Fischinger

I år er det 50 år siden Oskar Fischinger døde, et fremsynet geni, der kom tættere på end nogen anden kunstner på at udtrykke de mystiske, abstrakte fællestræk, der findes mellem musik og billeder. Gennem sine animerede film sammenkædede Fischinger billedsprogene for former, figurer, linjer og farver med musikkens sprog af toner, takter, harmonier og dissonanser. Gennem sin opfindelse af Lumigraphen, et lysudsendende apparat, der blev håndteret på samme måde som et musikinstrument, demonstrerede han potentialet for at skabe æstetisk-emotionelle forbindelser gennem improviserede, dynamiske farvekompositioner, der blev spillet på en maskine. Og gennem sine malerier formidlede han de forhøjede konceptuelle planer, der var skjult i hans film, ved at fastholde dem på forenklede, todimensionelle flader. Samtidig udfoldede han gennem hele sin karriere sine kunstneriske intentioner grundigt i skrifter og taler. “Jeg ønsker, at dette værk skal opfylde de åndelige og følelsesmæssige behov i vores tid,” skrev han i 1950. “For der er noget, vi alle søger - noget, vi stræber efter gennem et helt liv ... i håbet om ... at noget en dag måske vil blive åbenbaret, opstået af det ukendte, noget, der vil afsløre den sande skabelse: den kreative sandhed!”

Oskar Fischinger: En født kunstner

Nogle kunstnere bliver skabt; andre bliver født. Oskar Fischinger studerede aldrig kunst på en skole. Han blev født i 1900 i Hessen i Tyskland og blev som de fleste medlemmer af sin generation indkaldt til militærtjeneste som teenager. Men på grund af sin dårlige fysiske tilstand blev han ikke tvunget til at kæmpe for Tyskland i krigen. I stedet tog han arbejde på en orgelfabrik. Denne tidlige eksponering for mekanismerne bag musikalsk skabelse skulle senere vise sig at få afgørende betydning for Fischinger, især kombineret med den ingeniøruddannelse, han kunne få efter krigen, da hans familie flyttede til Frankfurt. Disse erfaringer var måske ikke typiske for en person, der var bestemt til at blive en stor kunstner, men de var kreative i deres væsen, og som det skulle vise sig, var de perfekte til den skæbne, der ventede netop denne kunstner.

I 1921 stiftede Fischinger bekendtskab med den avantgardistiske tyske filminstruktør Walter Ruttman. Ruttman var en af en lille håndfuld kunstnere, der eksperimenterede med film som et abstrakt medium og udforskede, hvordan det kunne interagere med andre kunstformer. Fischinger blev inspireret af Ruttmans arbejde, og takket være sin mekaniske og tekniske baggrund lykkedes det ham til gengæld at imponere Ruttman. Det gjorde han gennem opfindelsen af et mekanisk animationsapparat: en “voksskæremaskine”. Efter at have hørt om apparatet blev Ruttman så imponeret, at han bad Fischinger om rettighederne til at bruge det. Fischinger licenserede rettighederne til sin maskine til Ruttman og flyttede efterfølgende til München, hvor han fik adgang til mere udstyr, som gjorde det muligt for ham at eksperimentere videre på egen hånd.

Oskar Fischinger - stillbillede fra Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmene

Mens han boede i München, lavede Fischinger nogle af sine tidligste film. I stedet for at efterligne den realistiske verden undersøgte de andre måder, hvorpå lys og lyd kunne interagere i en film. I 1926 skrev han et af sine banebrydende essays med titlen Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, eller En ny kunst: rumlig lysmusik. Selvom det tilsyneladende aldrig blev udgivet, mens han levede, findes det nu i arkivet hos The Center for Visual Music i Los Angeles, som ejer og administrerer Fischingers samlede værk, herunder hans film og papirer. De tanker, Fischinger udtrykte i dette essay, sammen med de resultater, der kom til udtryk i hans tidlige film, placerede Fischinger i samme filosofiske selskab som kunstnere som Wassily Kandinsky, der havde en stærk tro på, at ikke-figurative billeder kunne kommunikere åndeligt på samme abstrakte niveau som musik. Men ved at fokusere på film frem for maleri blev Fischinger i stand til at forstå en afgørende forskel mellem musik og billeder: at musik, i modsætning til statiske billeder, udfolder sig i tid.

En enkelt tone, der kun varer et øjeblik, har ikke den samme følelsesmæssige effekt på en lytter som en symfoni, der spilles over en time. Og det samme gælder billeder. En enkelt visuel komposition i et maleri har ikke den samme følelsesmæssige effekt på en beskuer som en visuel komposition, der udfolder sig over tid i et levende billede. Ved at anvende denne grundlæggende tankegang brugte Fischinger de næste to årtier på at skabe nogle af de mest banebrydende abstrakte animationsfilm, der nogensinde er lavet. Nogle var sat til musik og er blevet kaldt de første musikvideoer. Men de lignede intet af det, vi i dag kender som musikvideoer. De var kun sat til musik i et forsøg på at undersøge lighederne i den måde, visuelle kompositioner og musikalske kompositioner kommunikerer abstrakt til vores hjerner på.

Oskar Fischinger - stillbillede fra Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composition in Blue

I 1935, mens han boede i Berlin, skabte Oskar Fischinger det, som mange betragter som hans hovedværk: en film med titlen Composition in Blue. Den animerede kortfilm blev optaget på 35 mm farvefilm og er sat til en melodi fra The Merry Wives of Windsor, en opera af den tyske komponist Otto Nicolai, baseret på skuespillet af samme navn af William Shakespeare. Gennem hele filmen danser levende farvede, abstrakte former i perfekt synkronisering med musikken. Baggrunden synes at skifte fra to til tre dimensioner og falder ofte sammen med sig selv, mens den forvandles i en endeløs, lunefuld visuel fryd.

Et bemærkelsesværdigt aspekt ved Composition in Blue er, hvordan den blev lavet. Fischinger byggede hver eneste af de små former, der danser rundt i filmen, i hånden. Det er malede modeller, der blev flyttet omhyggeligt, mens filmen blev optaget, ét billede ad gangen. Hvert fastfrosset billede kunne under andre omstændigheder udgøre et abstrakt maleri. Eller, hvis han havde ønsket det, kunne hver komposition før optagelsen være blevet betragtet som en skulpturel installation. Men det var kun i bevægelse, når de udfoldede sig over tid, at Fischinger mente, at disse abstrakte billeder kunne opnå samme virkning som musikalske kompositioner, og det var dette mål, han rettede arbejdet mod.

Oskar Fischinger - stillbillede fra Composition in Blue, 1935, © Center for Visual Music

Malerierne

Composition in Blue opnåede international anerkendelse. Blandt andet takket være filmens succes kunne Fischinger komme til Amerika i 1936, hvor han havde forskellige stillinger i Hollywood og arbejdede for Paramount, Walt Disney og andre studier. Men han lærte hurtigt om den kløft, der findes mellem kunstneres idealistiske mål og de kommercielle filmproduktionsselskabers mål. Da han ikke kunne finde økonomisk støtte til at fortsætte med at lave sine rent kunstneriske animationsværker, blev Fischinger til sidst tvunget til at opgive filmen. I stedet helligede han i slutningen af 1940'erne en stor del af sin opmærksomhed til sin opfindelse, Lumigraphen. Og ironisk nok tilbragte han de sidste 15 år af sit liv som maler.

De malerier, Fischinger skabte, er bemærkelsesværdige i deres mangfoldighed. Ligesom hans tidligere animationer synes de at rumme det abstrakte billedsprog fra alle andre abstrakte kunstnere i det 20. århundrede. Men det er ikke afledte værker. Tværtimod blev de fleste af disse billeder igangsat af Fischinger længe før kunstnere som Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis og Kenneth Noland på egen hånd nåede frem til dem. Og i modsætning til forventningerne tager hans malerier ikke noget fra hans film; de tilfører tværtimod kraft til hans ideer om musik og billeder og virkningerne af at opleve dem i tid. Hvert maleri er et fastholdt øjeblik - et isoleret fragment af en større oplevelse. At se dem i hans film tager os med på en rejse. At se dem i hans malerier lader os værdsætte dem som kendere.

Oskar Fischinger - stillbillede fra Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Den værste hyldest nogensinde

Oskar Fischinger var tydeligvis en pioner, så det er ikke overraskende, at folk ofte ønsker at hylde ham og hans bedrifter. Men sidste juni, på det, der ville have været hans 117-års fødselsdag, “hyldede” Google Fischinger med en Google Doodle - en af de interaktive afledningsmanøvrer, Google tilbyder brugerne på sin søgeside. Doodlen gav besøgende mulighed for at ændre en musikalsk-visuel komposition ved at klikke på skærmen. Selvom den var underholdende, var det en absurd hyldest til Fischinger. Fischinger sagde engang med henvisning til sine oplevelser i Hollywood: “Ingen fornuftig, kreativ kunstner kunne skabe et fornuftigt kunstværk, hvis en stab af medarbejdere af alle slags hver især får lov til at sige deres mening om den endelige skabelse ... De ændrer ideerne, dræber ideerne, før de bliver født, forhindrer ideer i at blive født og erstatter de absolut kreative motiver med billige ideer, der passer til den laveste fællesnævner.”

Hvordan Google mente, at en højtlønnet programmør, der arbejdede for en kommerciel fabrik, kunne hylde denne kunstner ved bogstaveligt talt at give alle med en internetforbindelse “indflydelse på den endelige skabelse”, er uvist. Et eller andet sted går noget tabt i oversættelsen. Men vil resten af menneskeheden nogensinde indhente Oskar Fischinger? Måske. Det er ikke svært at forstå, hvad Fischinger ønskede, at vi skulle gøre med hans værk. Han ønskede, at vi skulle bruge det til åndelig og følelsesmæssig næring. Måske er de bedste måder, hvorpå vi kan hylde hans arv, ikke at skabe fjollede selskabslege eller reducere hans bedrifter til udsagn som: “Wow, gjorde han virkelig alt det uden en computer?!” I stedet burde vi måske give ham den anerkendelse, han fortjener, som kunstner, filosof og digter, og forsøge at forstå det dybere formål med hans værk, som kalder på, at vi genopretter forbindelsen til de skjulte mysterier, der binder vores forskellige og stadig stærkt misforståede sansemæssige evner sammen.

Google fejrer Oskar Fischingers 117-års fødselsdag, © Google

Fremhævet billede: Oskar Fischinger - stillbillede fra Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Alle billeder bruges udelukkende til illustrative formål

Af Phillip Barcio 2017

Redigeret af IdeelArt (2026)