Meget maleriske abstrakte kunstnere: De nye alkymister

I sit studie i Heidelberg skraber Arvid Boecker (billedet) metodisk hen over sit lærred med en serigrafi-skraber. Lag for lag bygger han det, han kalder en "farvearkæologi." Otte tusinde kilometer væk i sit amerikanske studie gør Clay Johnson det samme med gipsværktøj, nogle gange ødelægger og genopbygger den samme sektion tredive gange. Imens opvarmer Janise Yntema i Bruxelles bivoks til præcis den rette temperatur med sin blæselampe og tilføjer endnu et gennemsigtigt lag til måneders ophobede arbejde.

Disse kunstnere har aldrig mødt hinanden, men de deler en besættelse, der bliver stadig sjældnere i samtidskunsten: troen på, at selve malingen—dens vægt, tekstur og fysiske tilstedeværelse—besidder en uerstattelig kraft.

Clay Johnson, After Midnight,  2020

Tålmodighedens forsvindende kunst

Vi lever i en tid med kunstneriske genveje. Digitale værktøjer lover øjeblikkelige resultater. Nye teknikker dukker op ugentligt, fejret blot for deres nyhedsværdi. Kunstverdenen, som alt andet, er blevet forført af hastighed og bekvemmelighed. Traditionelle maleriske teknikker—langsomme, arbejdskrævende, ubarmhjertige—virker næsten anakronistiske.

Alligevel, spredt over atelierer fra Tyskland til Californien, fra Belgien til Holland, fortsætter nogle kunstnere med at skubbe maling rundt på lærreder med middelalderhåndværkeres dedikation. De repræsenterer det, vi kunne kalde Meget Malerisk Abstrakt Kunst, en praksis defineret ikke af fælles æstetik, men af fælles overbevisning: at den fysiske manipulation af maling skaber noget, som ingen digital proces kan efterligne.

Dette er ikke nostalgi. Det er modstand.

Janise Yntema, Murmur, 2015

Hvad gør kunst "Meget Malerisk"?

Se Clay Johnson arbejde, og du forstår det med det samme. Han bruger ikke pensler - for blide, for forudsigelige. I stedet angriber han sit lærred med paletknive og byggematerialer, skraber, bygger, ødelægger, genopbygger. Hans akrylmaling tørrer hurtigt nok til, at han kan reagere på hvert lag, efterhånden som det opstår, og skaber overflader, der er så bearbejdede, at de nærmer sig skulptur.

Eller observer Martina Nehrling's metodiske ophobning af impasto-mærker, hver omhyggeligt placeret penselstrøg, der griber fat i sin nabo som arkitektoniske elementer. Hendes rene, uigennemsigtige farver skaber hypnotiske mønstre, der synes at vibrere med fysisk energi.

Det, disse kunstnere deler, er ikke stil—their færdige værker ser bemærkelsesværdigt forskellige ud. Det, de deler, er proces: en besat forpligtelse til maling som materiale, til overflade som motiv, til tid gjort synlig gennem akkumulerede lag.

Martina Nehrling, Apophis, 2024

De fire søjler i Very Painterly Art

Gennem omhyggelig observation af deres praksis dukker fire grundlæggende principper op, der definerer Very Painterly Abstract Art. Det er ikke regler, men besættelser, drivkræfter, der former hver beslutning i atelieret.

Materiale-ærlighed

Disse kunstnere forsøger ikke at få maling til at ligne noget andet. Yari Ostovany fejrer den måde, pigment opløses, dækker, skrabes væk, opløses igen. Danny Giesbers opbygger transparente lag, der skaber luminescerende felter, hvert strøg spiller en afgørende rolle i en samlet komposition, der tog måneder at færdiggøre. Maling får lov til at være maling—viskøs, uigennemsigtig, stædig, smuk i sig selv.

Tidsmæssig dybde

Hvert lag repræsenterer en beslutning, et øjeblik i tiden, et svar på det, der kom før. Jeremy Annear's relief-lignende overflader bliver arkæologiske steder for kreativ beslutningstagning. Du kan læse historien om hvert maleri i dets topografi—hvor kunstneren opbyggede, skrabede tilbage, ændrede retning, fandt løsning.

Fysisk engagement

Disse værker kræver kroppe, ikke kun sind. Robert Niesse opbygger og forstyrrer flere farvesektioner gennem komplekse fysiske processer. Emily Berger arbejder med gestiske horisontale strøg, hele hendes krop involveret i hvert mærke. Malerierne bærer spor af menneskelig indsats, som ingen assistent kunne efterligne, ingen digital proces kunne simulere.

Modstand mod reproduktion

Måske vigtigst af alt kan disse værker ikke fuldt ud værdsættes gennem skærme. De kræver fysisk tilstedeværelse for fuld forståelse. I vores Instagram-tid repræsenterer dette en dristig kunstnerisk erklæring: nogle oplevelser kan ikke digitaliseres, nogle fornøjelser kan ikke deles virtuelt.

Jeremy Annear, Cascading Lines, 2013

Modet til anakronisme

Det kræver mod at arbejde på denne måde i 2025. Mens andre kunstnere udforsker AI-samarbejde, NFT-muligheder og installationsspektakler, trækker disse malere sig tilbage til deres atelierer i måneder med ensomt arbejde. De omfavner teknikker, der ikke tilbyder genveje, ingen øjeblikkelig tilfredsstillelse, ingen viral potentiale.

Arvid Boeckers malerier opstår gennem tålmodig opbygning—først skitseres kompositionen med blyant, derefter udvikles farver og lag over længere perioder. Hvert værk bliver et topografisk kort over vedvarende opmærksomhed. I en kultur, der belønner det umiddelbare, insisterer han på det endelige.

Janise Yntema arbejder med encaustic voks, en teknik bogstaveligt talt oldgammel—brugt af romerne, perfektioneret gennem årtusinder. I sit atelier påfører hun naturlig bivoks og harpiks på træpaneler og bruger varme som sit aktive opløsningsmiddel. Gennem langsomme opbygninger af halvgennemsigtige lag skaber hun billeder, hvor lyset selv bliver kompositorisk til stede. Hendes proces kræver det, hun kalder "en alkymistisk dans mellem det styrede og det ukontrollerede"—det modsatte af digital forudsigelighed.

Danny Giesbers, Neon 1 (venstre) og Dan Flavin (højre), 2020

Historiske ekkoer, nutidig hastværk

Denne tilgang forbinder til berømte forgængere. Gerhard Richters squeegee-malerier demonstrerer den ultimative dialog mellem kontrol og tilfældighed gennem stærkt bearbejdede overflader. Frank Auerbach og Leon Kossoff forvandlede impasto til skulpturelt relief. Anselm Kiefer indarbejdede sand, aske og erindring i overflader, der bar historiens vægt.

Men nutidens Very Painterly Abstract-kunstnere står over for en anden kulturel kontekst. Hvor deres forgængere arbejdede imod fotografiets og massemediernes dominans, arbejder disse kunstnere imod den digitale kulturs dominans. De laver ikke bare malerier; de bevarer en tankegang, en måde at engagere sig på, en type oplevelse.

Emily Berger, Old Flame (venstre) og Red Dream (højre), 2022

Den Internationale Vedholdenhed

Det bemærkelsesværdige er, hvordan denne forpligtelse viser sig på tværs af kulturer og kontinenter. Danny Giesbers i Holland udvikler algoritmiske tilgange kombineret med spontan mærkning. Hans "Shifts"-serie indeholder fosforescerende maling, der forandrer sig med lysforholdene—den stærkt bearbejdede overflade bliver en deltager i sin egen kontinuerlige udvikling.

Emily Berger påfører lag af oliemaling på træpaneler i Californien og skaber skub-træk-dynamikker gennem komplementære farver, der giver hendes kompositioner en nuanceret lysstyrke. Gennem skrabning og skumling forbinder hun Abstract Expressionist-gestus med en moderne materialebevidsthed.

Robert Niesse bygger blanke lag, der veksler med kraftfulde signaturmærker, og skaber det, han beskriver som "brutal kontekst og konklusion af farvekompositioner." Hans systematiske, men intuitive tilgang afspejler designbaggrund samtidig med at den omfavner spontan abstrakt ekspression.

Hver kunstner bringer kulturel specifikhed til delt materiel besættelse, beriger vokabularet samtidig med at de opretholder essentiel forpligtelse til stærkt bearbejdede overflader og tidsmæssig dybde.

Yari Ostovany, Her mødes vi (For John Berger), 2015

Hvorfor dette er vigtigt nu

Når vi forsvarer Very Painterly Abstract Art, forsvarer vi mere end æstetisk præference. Vi forsvarer værdien af vedvarende engagement, af processer der ikke kan accelereres, af oplevelser der ikke kan digitaliseres.

Disse kunstnere minder os om, at på trods af teknologiske fremskridt findes der noget uerstatteligt i direkte, fysisk manipulation af materialer. Deres stærkt bearbejdede overflader står som monumenter over menneskelig kreativitet – optegnelser af vedvarende engagement mellem kunstner og medium, som ingen digital proces kan efterligne.

Markedet anerkender denne uerstattelighed. Nogle samlere søger værker, der kræver fysisk tilstedeværelse for fuld forståelse, malerier der afslører nye detaljer ved hvert kig, overflader der ændrer sig med lys og perspektiv. Very Painterly Abstract artists leverer netop denne oplevelse.

Robert Niesse, 2121-6, 2024

Modstandens fremtid

Efterhånden som den digitale kultur bliver mere gennemgribende, bliver Very Painterly Abstract Art mere værdifuld – ikke som historisk kuriositet, men som en nutidig nødvendighed. Disse kunstnere bevarer ikke fortiden; de sikrer, at visse typer menneskelig erfaring forbliver mulige.

De repræsenterer de sidste alkymister i en tid med øjeblikkelig alt, der forvandler råmaterialer til uerstattelige oplevelser gennem tid, tålmodighed og fysisk engagement. Deres atelierer bliver helligdomme, hvor forskellige forhold til tid og skabelse forbliver mulige.

Ved at fejre disse kunstnere fejrer vi ikke kun individuel præstation, men den fortsatte vitalitet i praksisser, der nægter kompromis med hastværk. De sikrer, at maleri forbliver ikke blot relevant, men essentielt, og tilbyder noget, der bliver stadig sjældnere: muligheden for at møde fysiske spor af vedvarende menneskelig tanke og følelse.

Deres malingstykkede overflader bærer mere end pigment: de bærer overbevisning om, at nogle ting ikke kan forhastes, digitaliseres eller forenkles. I vores accelererede tid insisterer de på deceleration. I vores virtuelle verden kræver de fysisk tilstedeværelse. I vores tid med uendelig reproduktion skaber de det uerstattelige.

Det er deres mod, deres gave og deres arv.

Featured image: Arvid Boecker, Fra venstre mod højre: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Venligst udlånt af kunstneren.