Hvorfor er kunsten af Georg Baselitz i bund og grund abstrakt?

Kunsten af Georg Baselitz er blevet kaldt chokerende, kontroversiel og grotesk. Den er også blevet kaldt episk og blandt den mest internationalt indflydelsesrige tyske kunst i de sidste 50 år. Hans malerier, skulpturer og tryk indeholder næsten altid genkendelige billeder fra den objektive verden, uanset hvor tvetydige de måtte være. Og oftere end ikke refererer de åbenlyst til et politisk, historisk eller socialt emne. Ikke desto mindre, på trods af sin deklarative, ofte ligefremme natur, betragter vi kunsten af Georg Baselitz som fundamentalt abstrakt. For os er der tydeligvis så meget mere i hans arbejde end dets emne. Selv Baselitz synes ikke at vide præcist, hvor dybt lagene går. Hans værker synes allerede at være i færd med at spørge, hvad de overhovedet er, før vi har en chance for at spørge. For os er de mere end billeder. De er de nyeste levende optegnelser af en igangværende kamp mellem fortiden og nutiden, mening og intethed, kunstner og kunst.

Talent Er Irrelevant

Georg Baselitz har beskrevet sig selv som grundlæggende svær at fastslå. “Jeg gør det ikke nemt for folk,” har han sagt. “Identifikation er svær. Man genkender ikke min kunst med det samme.” Gennem sin fem årtier lange karriere har Baselitz udviklet sig gennem adskillige forskellige stilarter og udforsket forskellige teknikker. Han har for nylig endda introduceret, hvad han kalder remixes: hurtigt omarbejdede opdateringer af sine egne klassiske værker. Men ét ord beskriver passende alt hans arbejde, uanset medium eller placering i tid: brutalt. En engang samtidige til Baselitz, Jean-Michel Basquiat, fordømte engang kritikere af sin egen brutale stil ved at sige, “Tro det eller ej, jeg kan faktisk tegne.” I Baselitz' tilfælde får den brutale natur af hans arbejde os til at undre: kan han også tegne? For den sags skyld, ønsker han det overhovedet?

Baselitz betragtes som sexistisk af mange mennesker, fordi han ofte siger, at kvinder er de værste malere, fordi de bekymrer sig for meget om virtuositet og ikke nok om ting som ambition, oprør og aggression. Er han en hemmelig virtuos, der simpelthen vælger at lave ambitiøse, oprørske, aggressivt groft udformede billeder, fordi det gør ham til en bedre maler? Måske. Men da Baselitz var i kunstskole, blev han smidt ud i sit første år for at være "socialt og politisk umoden." Måske er hans brutale stil en nødvendighed. Måske er det ikke sexisme, der får ham til at fremsætte de påstande om kvinder. Måske er det bare den fejl, mange succesfulde mennesker begår ved at tro, at siden de er succesfulde, må de også være kloge.

Georg Baselitz with his Dresdener Frauen (Dresden Women) sculptures, 1990. Wood carved with chainsaw. © Georg Baselitz

Billede er ingenting

Men selvom hans brutale stil er af nødvendighed i stedet for valg, kan vi stadig se i den den abstrakte signatur af en kunstner, der stræber efter ægte udtryk. Et af de værker, der først bragte Baselitz ind i offentlighedens søgelys, var et maleri kaldet Die grosse Nacht im Eimer eller The Big Night Down the Drain. Det skildrer den lille, forvrængede, topløse, barnlige figur af en mand, der dumt står med sine bukser åbne og svinger med sin enorme faldus. Sovjetiske myndigheder i Østtyskland konfiskerede maleriet som obskønt, da det først blev udstillet, og mange mennesker har sagt, at det fremkalder billedet af Adolph Hitler.

Men The Big Night Down the Drain er også blevet kaldt et selvportræt. For nogle ligner det endda en Pinocchio-dukke med næsen revet af og stoppet ned i bukserne, måske en finurlig reference til den klassiske mandlige løgn. Uanset den sande betydning er farvevalgene mørke og vilde, hans mærker er levende, hans kompositionsvalg er legende, og figuren er både truende og grotesk. Alle disse elementer taler til eksistentielle ambitioner, hvilket antyder, at vi bør ledes mere af disse følelser end af emnet, mens vi interagerer med værket.

Georg Baselitz - Die grosse Nacht im Eimer, 1963. Oil on canvas. Museum Ludwig, Cologne, Germany (right) and a remix of this painting from 2005 (right) © 2019 Georg Baselitz

Helte er monstre

I midten af 1960'erne rejste Baselitz til Firenze og studerede malerierne af italienske manneristiske malere. Inspireret af deres dramatiserede fysiskhed, indledte han en stor serie af værker, der præsenterede samtidige figurer i lignende mytiske positurer. Disse figurer mindede ofte om soldater, der vendte hjem fra krig, eller bønder, der vandrede i apokalyptiske landskaber. Han kaldte malerierne for Nye Typer og omtalte figurerne i dem som helte, rebeller og hyrder. Det mest berømte eksempel i serien hedder The Great Friends. Det skildrer to sådanne figurer, der holder hænder, mens de går gennem et mareridtsagtigt tomrum foran et faldet amerikansk flag.

De nye typer malerier synes uden tvivl at have en narrativ hensigt. Men det er svært at forklare, hvad narrativet er. De ansigtstræk minder faktisk om heroiske malerier af helgener fra fortiden. De store, mishandlede kroppe fremkalder håndgribelig styrke, men har små hoveder. Kommenterer de på heltemodet i dumhed, krigens uvidenhed, eller nødvendigheden af at være fysisk stærk men mentalt lille, hvis man vil overleve? Igen, bortset fra emnet, vækker abstrakte følelser af angst, meningsløshed og mørke ved farvevalgene, fladheden af billedplanet og kompositionens underlighed.

Georg Baselitz - The Great Friends, 1965. Oil on canvas. 98 2/5 × 118 1/10 in. 250 × 300 cm. Städel Museum, Frankfurt © 2019 Georg Baselitz. Photo: Frank Oleski, Cologne

Verden er på hovedet

I midten af at male sine Nye Typer begyndte Baselitz at bryde nogle af sine billeder, flytte elementer af kompositionen rundt på måder, der gjorde emnet mere tvetydigt og satte mere vægt på den æstetiske komponent. Brydningen afslørede en tiltrækning, Baselitz havde til abstraktion, som fandt sin fulde modenhed i 1969, da han begyndte at male sine malerier på hovedet. For at lave sine malerier på hovedet lagde han sine lærreder på gulvet og malede dem fra et op-ned perspektiv, og hængte dem derefter på hovedet på væggen, når de var færdige.

Han forblev dedikeret til vigtigheden af emnet. For eksempel viser et af hans mest berømte omvendte malerier et billede af en ørn, en mulig reference til tysk historie. Han ønskede den fremkaldelse, der kunne opstå, når en betragter overvejede emnet for hans værker, men han ønskede også, at objektiviteten af hans malerier skulle være af primær betydning. Han ønskede, at malingen skulle fastholde betragterens opmærksomhed, og dermed objektivisere værket, samtidig med at de bevarede deres symbolske potentiale. Hans omvendte malerier befriede ham fra fælden af bogstavelig fortolkning og hjalp ham med at lave værker, der kunne betragtes som rent æstetiske objekter.

Georg Baselitz - Portrat K. L. Rinn, 1969. Oil on canvas. 63 3/4 × 51 1/8 in. 161.9 × 129.9 cm (left) / Georg Baselitz - Finger Painting II Eagle, 1972. Oil on canvas (right) © 2019 Georg Baselitz

Kunstens Brutalitet

Ofte er Georg Baselitz' arbejde blevet kontekstualiseret af kritikere, historikere og endda Baselitz selv ved at referere til det tyske begreb Vergangenheitsbewältigung, som grundlæggende betyder at kæmpe med fortiden. Det refererer til de måder, hvorpå tyske kunstnere efter Anden Verdenskrig har været tvunget til at hjælpe med at forklare de uforklarlige handlinger fra deres kollektive fortid. I et interview med Spiegel Online i 2013 beskrev Baselitz sine følelser omkring dette begreb og sagde: “Alle tyske malere har en neurose med Tysklands fortid: krig, især efterkrigstiden, Østtyskland. Jeg har taget fat på alt dette i en dyb depression og under stort pres. Mine malerier er, hvis man vil.” Sandelig er hans malerier kampe. De er fysiske kampe, idet han aldrig har haft en assistent på trods af den rygsøjleknusende sværhedsgrad i sin proces. Og de er følelsesmæssige kampe, da han kæmper mellem sin eksisterende vision og momentum mod noget andet, der overtager, når maleriet er begyndt.

Et af de mest berømte værker, Baselitz har lavet, er faktisk en henvisning til en faktisk kamp. Titled ’45, dens 20 paneler henviser til bombningen af Dresden i 1945. I den adresserer Baselitz brutalitet med brutalitet på en direkte, personlig måde. Han demonstrerer, at det, der er mest vigtigt for at skabe en acceptabel fremtid, ikke er perfektion, talent eller ynde. Det, der er mest vigtigt, er anerkendelsen af rå menneskelig lyst. Det, der er vigtigt, er følelser, passion og hjerte. Og dette værk i særdeleshed demonstrerer også effektivt, at for en kunstner er brutalitet nøglen: brutalitet over for fortiden, over for andre kunstnere, over for dit eget arbejde, over for dit emne, over for dit medium. Uanset emnet er hvert kunstværk, Georg Baselitz har lavet, abstrakt, fordi det viser os vores verden, mens det samtidig afviser den, vender den om og genskaber den. Det kræver, at vi ser det, men også at vi søger efter noget andet, noget forskelligt, noget endnu uforestillet. Det udtrykker duale realiteter: at der inden for ødelæggelse er skabelse, inden for historie er vores fremtid, og inden for hver kamp er der noget værd at kæmpe for.

Fremhævet billede: Georg Baselitz - Middag i Dresden (detalje), 1983. Olie på lærred. © 2019 Georg Baselitz
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio