Kombinere det Abstrakte og det Figurative - Kunst af Albert Oehlen

Ved første øjekast ser mange af malerierne af Albert Oehlen komplicerede ud, som den visuelle ækvivalent af støj. De kombinerer figurative elementer med elementer, der er rent abstrakte. De inkorporerer et bredt og konstant udviklende udvalg af processer, materialer og teknikker. Når vi fokuserer på disse disparate elementer, kan kompositionerne til tider virke usammenhængende og disharmoniske. Men når de betragtes fra et bredere synspunkt, ikke som endelige visuelle udsagn, men som udløsere for en dybere æstetisk respons, fremstår der en følelse af harmoni i hans malerier. Oehlen var elev af Sigmar Polke, en tysk maler, fotograf og professor, der udfordrede grænserne mellem figuration og abstraktion. Og han er en tidligere huskammerat til Martin Kippenberger, en tyskfødt multimediekunstner, der også er kendt for at udforske, hvordan den objektive verden krydser den abstrakte. Og han er også en langvarig ven af Christopher Wool, en maler, der kombinerer dristige tekstbaserede budskaber med abstraktion på måder, der skaber skarpe linjer mellem de to, samtidig med at de antyder, at de er de samme. På den måde, det kombinerer figuration og abstraktion, deler det værk, Oehlen har skabt, et klart arv med de tre andre kunstnere. Men det deler også en anden vigtig, mindre åbenlys lighed: det er simplere, end det ser ud.

Albert Oehlens udvikling

Albert Oehlen blev født i 1954 i Krefeld, Tyskland, nordvest for Düsseldorf. Han blev opdraget i en kunstnerisk familie. Oehlens far var kunstner, og hans bror Markus, to år yngre, er blevet en dygtig abstrakt popkunstner, der også arbejder inden for maleri og skulptur. Albert har sagt, at han altid vidste, at han ville blive kunstner, som om det bare var noget, han tog for givet. Men valget om at fokusere på maleri, og især abstrakt maleri, var noget, der kom til ham gradvist over tid.

Oehlen afsluttede sin uddannelse ved Kunstakademiet i Hamburg i 1978. Efter skolen eksperimenterede han med forskellige former for udtryk, herunder musik. Men det var efter at han flyttede fra Tyskland til Spanien, hvor han fandt sig selv dele hus med Martin Kippenberger, at han fandt sin stemme som abstrakt maler. I et interview med Interview Magazine i 2009 siger Oehlen, at han greb den mulighed for at transformere sin tilgang til kunst. “Jeg ville starte noget nyt, som jeg havde drømt om i lang tid, som var abstrakt maleri,” sagde Oehlen, “og jeg tog chancen for at starte det der [i Spanien], hvilket var meget godt, fordi vi var meget isolerede. Det var Martin og jeg alene i det hus, så man kunne lave sine fejl og se, hvordan den anden reagerer.”

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

Maleriens Uforudsigelighed

At have frihed til at eksperimentere og fejle indgød Oehlen vigtigheden af usikkerhed i sin kunst. Der er en iboende spænding i ikke at vide, hvordan noget vil ende. Der er en levende kraft, der driver en kunstner mod at manifestere det ukendte eller det uforestillinger. Men en potentiel ulempe ved den fuldstændige frihed til at eksperimentere er, at det kan være lammede. Hvor starter man, hvis man ikke har nogen idé om, hvor man er på vej hen? For at give sig selv nok struktur til at forblive fokuseret, mens han også nød friheden til at eksperimentere, begyndte Oehlen at opfinde enkle regler for sig selv i studiet.

Disse vilkårlige regler har ikke andet formål end at udfordre ham i hans proces, at skabe uforudsigelighed og strid. Nogle gange begrænser han sine værker til en enkelt nuance. Andre gange giver han sig selv begrænsningen til simpelthen at gå langsommere. En af Ohlen’s yndlingsvilkårlige regler, som han plejede at dele med sine studerende, da han underviste på Kunstakademie Düsseldorf, var: “Skift materialet. Fordi der er mange beslutninger, du ikke er klar over. Det starter, når du går på indkøb efter kunstmaterialer. Du træffer beslutninger, og de er altid de samme, som den slags pensler, du køber. Og hvis du bliver tvunget til at ændre noget, giver det en usikkerhed til arbejdet, som er meget hjælpsom. Det får dig til at finde ud af, hvad du virkelig har brug for.”

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

Intet er grimt

Gennem årtier af eksperimentering og ved at sætte vilkårlige grænser for sig selv, er Oehlen kommet til en sjov erkendelse. På grund af de unikke fysiske kvaliteter, som værker besidder, er der ikke meget, nogen kan gøre for at få et maleri til at være grimt. Der var engang, hvor ideen om dårligt maleri var i tankerne hos mange kuratorer og kunstnere, inklusive Oehlen. Forskellige definitioner af dårligt maleri blev overvejet. Nogle mente, det havde at gøre med processen. Andre mente, det var grundlæggende for kompositionen eller de æstetiske kvaliteter af et værk.

Oehlen arbejdede hårdt på tanken om at lave dårlige malerier på samme måde som en musiker kunne lave en sang, der er umulig at lytte til. Men han opdagede, at nogen kunne betragte hvert maleri som smukt, fordi mennesker simpelthen har en visceralt tiltrækning til den iboende skønhed af maling på en overflade. Uanset emnet, uanset kunstnerens færdigheder, uanset kompositionen og uanset processen, kan der argumenteres for, at intet maleri er dårligt, fordi der kan findes noget godt i det, hvis vi bare er villige til at se.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

Visuelle triggere

Det modne arbejde, som Albert Oehlen skaber i dag, afspejler sindet hos en maler, der simpelthen elsker at engagere sig i sit arbejde. Han er alsidig i sit valg af materialer og teknikker, hvilket giver ham muligheder for at vokse og udvikle sig. Nogle gange laver han collager og maler derefter ovenpå dem, hvor han til collagematerialerne bruger en blanding af skrammelreklamer og inkjet-udskrifter. Nogle gange bruger han spraymaling, nogle gange bruger han olier, nogle gange smudger han malingen hen over overfladen i en sløring. Glæden for ham som kunstner kommer tydeligt fra den rette blanding af eksperimentering og regler, eller med andre ord, processen.

For seerne kan det være let at blive forvirret af de mange lag, stilarter og referencer i Oehlens kunstværker. Men som vi nævnte tidligere, kan vi ved at forenkle den måde, vi ser på dem, komme tættere på at forstå deres værdi. Måden at forenkle dem på er at se dem ikke som stykker, der indeholder betydning, der skal afdækkes, men i stedet se dem som visuelle triggere. Træd tilbage og se dem som en åbenbaring af en proces, og lad dem udløse en følelse eller en tanke. Det figurative billede, teksten, farverne, mærkerne eller de fysiske rester af vores kultur tilsammen giver en følelse, som i høj grad er op til os. Billedet er ikke slutningen på historien. Hvis det var, ville det faktisk være forvirrende. Men det er kun begyndelsen.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

Glat støjen ned

Visuelt er Albert Oehlens værker blevet samlet med forskellige kunstbevægelser, såsom Neo-Expressionisme og Neue Wilde. Neo-Expressionisterne var integrale i genindførelsen af figuration efter bevægelser som Abstract Expressionisme, Minimalisme og Konceptuel Kunst. Neue Wilde, eller den vilde ungdom, kombinerede abstrakt og figurativ billedsprog med levende farver og følelsesladede penselstræk. Ved første øjekast synes Oehlens værker ofte at indeholde begge elementer. Men Oehlen har også fået et andet kælenavn: den frie radikal. Det navn skyldes Oehlens insisteren på, at han ikke er en del af nogen bevægelse, og at hvert af hans værker skal betragtes separat og i henhold til sit eget æstetiske forslag.

Hvad Oehlens forslag præcist indebærer, er en åben samtale, en som selv Oehlen ikke er i stand til at forklare fuldt ud. Alt hvad der er åbenlyst, er, at han gradvist har uddybet en unik æstetisk vision, en der fortsætter med at udvikle sig. Han bruger de visuelle værktøjer, der er til rådighed for ham, til at skabe noget, der vil generere en følelse indeni seerne. Det er alt sammen smukt og alt godt, i det mindste i nogle af vores sind. Folk kan sige, at de kan lide det, eller de kan ikke lide det. Så hvad? Det kan ikke forstås gennem faktuel analyse. Alt vi kan sige med sikkerhed er, at støjen fra etiketter og domme og æstetisk kritik virkelig bare kommer i vejen for hans arbejde. Ligesom de mange elementer, som Oehlen kombinerer i sine værker, er det alt sammen støj. Gennem sin uforudsigelige og åbensindede proces forsøger Oehlen simpelthen at skabe gode malerier. Han tager de komplicerede elementer af den visuelle atmosfære og glatter dem ud. Jo mere vi kan forenkle, hvordan vi ser på hans arbejde, jo simplere bliver det, og jo lettere er det at se det som smukt.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

Fremhævet billede: Albert Oehlen - Uden titel (detalje), 1993. Olie på lærred. © Albert Oehlen
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio