Kombinere det Abstrakte og det Figurative - Kunst af Albert Oehlen

Ved første øjekast virker mange af Albert Oehlens malerier komplicerede, som den visuelle pendant til støj. De kombinerer figurative elementer med elementer, der er rent abstrakte. De indeholder en bred og stadigt udviklende samling af processer, materialer og teknikker. Når vi fokuserer på disse forskellige elementer, kan kompositionerne til tider virke usammenhængende og disharmoniske. Men når man betragter dem fra et bredere perspektiv, ikke som endelige visuelle udsagn, men som udløsere af en dybere æstetisk reaktion, træder en følelse af harmoni frem i hans malerier. Oehlen var elev hos Sigmar Polke, en tysk maler, fotograf og professor, der udfordrede grænserne mellem figurativt og abstrakt. Han har også tidligere boet sammen med Martin Kippenberger, en tyskfødte multimediekunstner, der også er kendt for at udforske, hvordan den objektive verden krydser med det abstrakte. Og han er desuden en mangeårig ven af Christopher Wool, en maler, der kombinerer dristige tekstbaserede budskaber med abstraktion på måder, der skaber skarpe skel mellem de to, samtidig med at de antyder, at de er det samme. På den måde, hvor han kombinerer figurativt og abstrakt, deler det værk, Oehlen har skabt, en klar arv med alle tre af disse andre kunstnere. Men det deler også en anden vigtig, mindre åbenlys lighed: det er enklere, end det ser ud.

Albert Oehlens udvikling

Albert Oehlen blev født i 1954 i Krefeld, Tyskland, nordvest for Düsseldorf. Han voksede op i en kunstnerisk familie. Oehlens far var kunstner, og hans bror Markus, to år yngre, er også blevet en dygtig abstrakt popkunstner, der arbejder med maleri og skulptur. Albert har sagt, at han altid vidste, at han ville blive kunstner, som om det bare var noget, han tog for givet. Men valget om at fokusere på maleri, og især abstrakt maleri, kom til ham gradvist over tid.

Oehlen afsluttede sin uddannelse på Kunstakademiet i Hamborg i 1978. Efter skolen eksperimenterede han med forskellige udtryksformer, herunder musik. Men det var først efter at være flyttet fra Tyskland til Spanien, hvor han delte bolig med Martin Kippenberger, at han fandt sin stemme som abstrakt maler. I et interview med Interview Magazine i 2009 siger Oehlen, at han greb muligheden for at forvandle sin tilgang til kunsten. “Jeg ville starte noget nyt, som jeg havde drømt om længe, nemlig abstrakt maleri,” sagde Oehlen, “og jeg tog chancen for at starte det der [i Spanien], hvilket var meget godt, fordi vi var meget isolerede. Det var kun Martin og mig i det hus, så man kunne lave sine fejl og se, hvordan den anden reagerede.”

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Olie og harpiks på lærred. 23 4/5 × 28 9/10 tommer. 60,4 × 73,5 cm. © Albert Oehlen

Maleriets uforudsigelighed

At have frit spil til at eksperimentere og fejle indprentede i Oehlen vigtigheden af usikkerhed i hans kunst. Der er en iboende spænding i ikke at vide, hvordan noget vil ende. Der er en levende kraft, der driver en kunstner mod at manifestere det ukendte eller det uforestillede. Men en mulig ulempe ved fuldstændig frihed til at eksperimentere er, at det kan være lamme. Hvor begynder man, hvis man ikke har nogen idé om, hvor man er på vej hen? For at give sig selv nok struktur til at forblive fokuseret, samtidig med at han kunne nyde friheden til at eksperimentere, begyndte Oehlen at opfinde simple regler for sig selv i atelieret.

Disse vilkårlige regler har intet andet formål end at udfordre ham i hans proces, skabe uforudsigelighed og strid. Han begrænser nogle gange sine værker til en enkelt farvetone. Andre gange giver han sig selv begrænsningen at gå langsommere til værks. En af Oehlens yndlingsregler, som han plejede at dele med sine elever, da han underviste på Kunstakademiet i Düsseldorf, var: “Skift materiale. For mange beslutninger er du ikke bevidst om. Det starter, når du går på indkøb efter kunstmaterialer. Du træffer beslutninger, og de er altid de samme, som hvilken slags pensler du køber. Og hvis du tvinges til at ændre noget, giver det en usikkerhed til værket, som er meget hjælpsom. Det får dig til at finde ud af, hvad du virkelig har brug for.”

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Olie på lærred. © Albert Oehlen

Intet er grimt

Gennem årtier med eksperimenter og selvpålagte vilkårlige begrænsninger er Oehlen kommet til en morsom erkendelse. På grund af de unikke fysiske egenskaber, som værkerne besidder, er der lidt, nogen kan gøre for at få et maleri til at være grimt. Der var en tid, hvor idéen om dårligt maleri var i tankerne hos mange kuratorer og kunstnere, inklusive Oehlen. Forskellige definitioner af dårligt maleri blev overvejet. Nogle mente, det havde at gøre med processen. Andre mente, det var grundlæggende for kompositionen eller de æstetiske kvaliteter i et værk.

Oehlen arbejdede hårdt med tanken om at lave dårlige malerier på samme måde, som en musiker kunne lave en sang, der er umulig at lytte til. Men han opdagede, at nogen kunne betragte hvert maleri som smukt, fordi mennesker simpelthen har en instinktiv tiltrækning til den iboende skønhed i maling på en overflade. Uanset motiv, uanset kunstnerens færdighedsniveau, uanset komposition og uanset proces, kan man argumentere for, at intet maleri er dårligt, fordi noget godt kan findes i det, hvis vi bare er villige til at se efter.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Akryl og olie på lærred. © Albert Oehlen

Visuelle udløsere

Det modne værk, Albert Oehlen skaber i dag, afspejler sindet hos en maler, der simpelthen elsker at engagere sig i sit arbejde. Han er alsidig i sit valg af materialer og teknikker og giver sig selv muligheder for at vokse og udvikle sig. Han laver nogle gange collager og maler derefter ovenpå dem, hvor han til collagerne bruger en blanding af billige reklameskilte og inkjet-udskrifter. Han bruger nogle gange spraymaling, nogle gange olie, nogle gange smører han malingen ud over overfladen i en sløring. Glæden for ham som kunstner kommer tydeligvis fra den rette blanding af eksperiment og regler, eller med andre ord, processen.

For beskuere kan det være let at blive forvirret over de mange lag, stilarter og referencer i Oehlens kunstværker. Men som vi nævnte tidligere, kan vi ved at forenkle måden, vi ser på dem, komme tættere på at forstå deres værdi. Måden at forenkle dem på er at se dem ikke som værker, der indeholder mening, der skal udfoldes, men i stedet som visuelle udløsere. Træd et skridt tilbage og se dem som en afsløring af en proces, og lad dem udløse en følelse eller en tanke. De figurative billeder, teksten, farverne, mærkerne eller de fysiske rester af vores kultur tilsammen giver en følelse, som for det meste er op til os. Billedet er ikke historiens ende. Hvis det var, ville det virkelig være forvirrende. Men det er kun begyndelsen.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Papircollage på lærred. © Albert Oehlen

Udglat støjen

Visuelt er Albert Oehlens værker blevet placeret i forskellige kunstretninger, såsom neo-ekspressionisme og Neue Wilde. Neo-ekspressionisterne var centrale i genindførelsen af figurativt maleri efter bevægelser som abstrakt ekspressionisme, minimalisme og konceptkunst. Neue Wilde, eller vilde unge, kombinerede abstrakte og figurative billeder med klare farver og følelsesladede penselstrøg. Ved første øjekast synes Oehlens værker ofte at indeholde begge elementer. Men Oehlen har også fået et andet kælenavn: den frie radikal. Det navn skyldes Oehlens insisteren på, at han ikke er en del af nogen bevægelse, og at hvert af hans værker bør betragtes for sig selv og efter dets egen æstetiske påstand.

Hvad præcis Oehlens påstande indebærer, er en åben samtale, som ikke engang Oehlen fuldt ud kan forklare. Det eneste, der er tydeligt, er, at han gradvist har udbygget en unik æstetisk vision, som fortsætter med at udvikle sig. Han bruger de visuelle redskaber, han har til rådighed, til at skabe noget, der vil fremkalde en følelse hos beskueren. Det er alt sammen smukt og godt, i hvert fald i nogle af vores sind. Folk kan sige, at de kan lide det, eller at de ikke kan. Og hvad så? Det kan ikke forstås gennem faktuel analyse. Alt, hvad vi med sikkerhed kan sige, er, at støjen af mærkater, domme og æstetisk kritik virkelig bare står i vejen for hans arbejde. Ligesom de mange elementer, Oehlen kombinerer i sine værker, er det hele støj. Gennem sin uforudsigelige og åbne proces prøver Oehlen simpelthen at skabe gode malerier. Han tager de komplicerede elementer i den visuelle atmosfære og udglatter dem. Jo mere vi kan forenkle, hvordan vi ser på hans arbejde, desto enklere bliver det, og desto lettere er det at se det som smukt.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Litografisk tryk på Somerset Epson. © Albert Oehlen

Forsidebillede: Albert Oehlen - Untitled (detalje), 1993. Olie på lærred. © Albert Oehlen
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio