Berømte abstrakte malerier, der ændrede den måde, vi opfatter kunst på

“Hvilke billeder vi kan have, kan man sige, afhænger af, hvem der forestiller sig dem.” - John Hospers, fra En introduktion til filosofisk analyse

Vi er afhængige af visionære til at åbne skjulte døre, så vi kan få et glimt af dele af verden og dele af os selv, som ellers kunne forblive skjulte. Syn er abstrakte kunstneres speciale, og gennem de sidste 100+ år har mange berømte abstrakte malerier formået at udvide menneskehedens udsyn. De visionære, der skabte disse billeder, gav ikke blot os, beskuerne, gaven af nye ting at se; de tilbød os helt nye måder at se på.

Berømte abstrakte malerier: 1910’erne – 1920’erne

Det må indrømmes, at nogle af vores valg i denne artikel kan være kontroversielle, da hver abstrakt kunstelsker har forskellige smag. Men de fleste vil nok være enige i vores første udvalg af abstrakte malerier, der ændrede den måde, vi opfatter kunst på. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) blev malet i 1910 og betragtes af kunsthistorikere som det første rent abstrakte maleri. Den dristige fremstilling af livligt farvede pletter, strøg og linjer undlader al visuel reference til objektiv virkelighed. Dette maleri befriede kunstnere fra emnets lænker og inviterede beskuerne til at engagere sig på en helt ny måde med begrebet om, hvad et billede kan være.

Wassily Kandinsky - Untitled (First Abstract Watercolor), 1910. Akvarel og indisk blæk og blyant på papir. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olie på lærred. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland

I 1925 opløste Joan Miró barriererne mellem abstraktion og surrealisme med sit maleri La mancha roja (Den røde plet). Miró betragtede sig ikke som en abstraktionist. Han sagde, at han kom hjem til sit lille hjem, sulten og udmattet, og malede de billeder, han så i sit hoved. La mancha roja (Den røde plet) balancerer på den tynde linje mellem antropomorf figurativitet, drømmelignende totemer og ren abstraktion. Noget barnligt, men alligevel frygteligt, lurer i billedet. Med dette værk åbnede Miró døren til den skjulte billedverden i vores mareridt og drømme.

Joan Miro - La mancha roja (Den røde plet), 1925. Olie og pastel på lærred. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection. © Joan Miro Foundation, Barcelona

Berømte abstrakte malerier: 1930’erne – 1940’erne

Mens den vestlige verden igen i det 20. århundrede faldt ned i depression, hungersnød og krig, var abstraktionen fast etableret som en stor kraft i kunstverdenen. En fantastisk række metoder blev brugt af kunstnere, der arbejdede i stilen, hver medvirkende til de voksende bestræbelser på at forbinde med noget rent, noget sandt og noget frit i den menneskelige ånd. I Storbritannien udvidede maleren Ben Nicholson sit abstrakte arbejde til en række, han kaldte hvide reliefmalerier. Et af hans tidlige banebrydende værker, 1935 (white relief), brød ny visuel grund og etablerede Nicholson som en af de vigtigste stemmer inden for engelsk abstraktion. Nicholson var ven med og påvirket af maleren Piet Mondrian. De hvide reliefværker byggede videre på Mondrians brug af hårde linjer og geometrisk rum, idet de introducerede lagdeling i dybden og en monokrom palet. Nicholsons første hvide reliefmalerier blev skabt i 1933, og da 1935 (white relief) blev skabt, havde han fastlagt en stil, der kombinerede elementer af abstraktion, konstruktivisme, konkret kunst, og som antyder de tidlige spirer til minimalisme og postmalerisk abstraktion.

I den anden ende af spektret i 1930’erne og 1940’erne var de abstrakte ekspressionister, også kendt som New York-skolen. De afviste fuldstændigt den rationelle geografi og rumlige reduktion hos kunstnere som Mondrian og Nicholson og søgte at forbinde med den oprindelige følelse i deres værker. Ingen abstrakt ekspressionist var så indflydelsesrig og succesfuld til at indkapsle stilen som Jackson Pollock.

Pollock, en berygtet alkoholiker og neurotiker, blev inspireret af psykoanalyse til at nå dybt ind i sit underbevidste for inspiration. Hans værker trak på fysiskhed og ubevidste totembilleder for at skabe voldsomme skildringer af moderne, efterkrigstidens angst. Et af Pollocks første dryp-maleri, Full Fathom Five, malet i 1947, ændrede abstrakt kunst for altid. Dette værk er en sammensmeltning af hans tidligere penselstil og hans visionære dryp-teknik. Det indeholder mønter, cigaretskod og andre tilfældige ting fra hans atelier, hvilket giver en tekstur og dybde, der er helt ny for abstraktionen. Full Fathom Five markerede et vendepunkt i Pollocks karriere og ændrede for altid vores forhold til lærredet.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olie på lærred med søm, knappenåle, knapper, nøgle, mønter, cigaretter, tændstikker osv. 50 7/8 x 30 1/8 tommer. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Berømte abstrakte malerier: 1950’erne

I 1950’erne havde de abstrakte ekspressionister fast overtaget kunstverdenens fantasi. Overalt stræbte kunstnere efter at forbinde med det oprindelige jeg, det ubevidste sind og det skjulte billedsprog i underbevidstheden. Midt i denne iver opstod en tendens mod ro, delvist født af en voksende interesse blandt mange kunstnere for østlige livsanskuelser som taoisme og zenbuddhisme. En af de mest dybtgående bevægelser, der voksede ud af denne tid, var en abstrakt malestil kendt som farvefeltmaling.

Formålet med farvefeltmaling, som det generelt forstås, var at udforske farve uafhængigt af motiv, form, linje og andre begrænsninger i billedskabelse. Malerne søgte en meditativ kvalitet, som, hvis den lykkedes, blev overført fra værket til dets beskuere.

Den abstrakte maler Helen Frankenthaler var en af de mest betydningsfulde stemmer i farvefeltbevægelsen. Med sit maleri Mountains and Sea, malet i 1952, introducerede Frankenthaler verden for en ny maleteknik, hun havde opfundet, kaldet “soak-stain-processen.” I denne proces brugte Frankenthaler terpentin til at fortynde malingen. Hun hældte forsigtigt den fortyndede maling på et ugrundet lærred på gulvet, så malingen helt gennemtrængte lærredet og gav værket en helt ny tekstur og udseende. Soak-stain-processen skabte sublime farvefelter, der antog organiske, foranderlige former med en beroligende karakter. Frankenthalers Mountains and Sea betragtes som en af de første succeser i farvefeltbevægelsen og er stadig et af dens mest elskede billeder i dag.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Olie og kul på lærred. 72 5/8 x 117 ¼ tommer. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Måske den mest berømte kunstner forbundet med farvefeltmalerne er Mark Rothko, en kunstner, der også kraftigt afviste den og de fleste andre betegnelser. Rothko arbejdede udelukkende med farve og stræbte efter at åbne et åndeligt plan, hvor han og beskuerne kunne opleve dybden af menneskelig følelse. Selvom han var fuldt fokuseret på farve, afviste Rothko den som blot et middel til at skabe denne åndelige forbindelse. Et af Rothkos kendetegnende tidlige værker var No. 2, Green, Red and Blue, malet i 1953. Dette værk er ikonisk for Rothkos senere produktion og etablerede hans stemme som en særligt kærkommen beboer i både den abstrakte kunsts og den transcendente ånds verdener.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue, 1953. Privat samling

Berømte abstrakte malerier: 1960’erne – 1970’erne

Da abstraktionen gik ind i 1960’erne og 1970’erne, afviste mange malere allerede dens grundlæggende idéer, vendte tilbage til figurativ kunst og udforskede området for begrebskunst. Ikke desto mindre holdt abstraktionens klarhed og frihed stadig stort løfte. En af de mest sublime stemmer i denne periode var den amerikanske abstrakte maler Agnes Martin. Kendt for sine linjerede gittermalerier, består Martin som en ikonisk stemme inden for abstrakt kunst.

Agnes Martins maleri Night Sea, lavet i 1963, er et af de tidligste eksempler på det, der skulle blive hendes kendetegnende stil. I værket er en næsten monokrom blå baggrund krydset af et omhyggeligt gittermønster malet i bladguld. Dette værk omfavner farve, samtidig med at det lægger lige stor vægt på linje. Det omfavner enkelhed, mens det samtidig formidler vidde, kompleksitet og en følelse af sammenvævet indbyrdes afhængighed. Martin talte om, hvordan linjen for hende repræsenterede uskyld. Hun håbede, at følelsen af uskyld blev overført til beskuerne gennem hendes værk. Enkeltheden i hendes billeder og den direkte følelse, hun håbede at formidle, var afgørende for at bygge bro mellem abstrakt ekspressionisme og minimalisme.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olie og bladguld på lærred. 72 x 72 tommer. © Agnes Martins bo / Artists Rights Society (ARS), New York

I 1970’erne rystede Robert Motherwell igen abstraktionsverdenen med en stemme, der syntes at være det modsatte af minimalismens tiltrækning. Hans oprindelige, rå bevægelser udtrykte energi, styrke og angst på én gang. Der var en stoisk styrke i dem, og alligevel kom der dyb følelse frem, som indkapslede kraften og friheden i ren abstraktion.

Motherwells kendetegnende værk kom i 1971 og hed Elegy to the Spanish Republic No. 110. Dette maleris rasende energi omslutter beskueren og synes at sprænge ud af lærredet. Der er en chokerende livskraft i det, en aggression, der overfører følelse og raseri til rummet. På et tidspunkt, hvor mange malere mente, at abstraktionen havde spillet sin rolle, injicerede Motherwell en kraftfuld ny livskraft i stilen. Hans friske vision og selvsikre stemme hjalp abstraktionen til at bestå og fortsætter med at inspirere og styrke abstrakte kunstnere den dag i dag.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971. Akryl med grafit og kul på lærred. 82 x 114 tommer. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenseret af VAGA ved Artists Rights Society (ARS), New York

Ændring af vores opfattelse af fremtiden

Nutidens samtidsabstrakte kunstnere skylder en gæld til hver af disse kunstnere, både for de måder, de søgte frihed i deres udtryksformer, og for de måder, de hjalp beskuerne med at åbne sindet for nye måder at se på. Abstraktionen fortsætter med at åbne nye døre for os, mens vi forsøger at forstå de endeløse kompleksiteter, som vores udviklende samfund præsenterer os for. Ved at trække på eksemplerne fra de store abstrakte kunstnere fra fortiden kan nutidens og morgendagens abstrakte kunstnere forhåbentlig hjælpe os med at oversætte vores samtidige bekymringer og frygt og hjælpe os med at se ud over begrænsningerne i vores egne øjne.

Fremhævet billede: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio