Berømte abstrakte malerier, der ændrede den måde, vi opfatter kunst på
“Hvilke billeder vi kan have, kunne man sige, afhænger af, hvem der forestiller sig dem.” - John Hospers, fra En introduktion til filosofisk analyse
Vi er afhængige af visionære for at åbne skjulte døre, så vi måske kan få et glimt af dele af verden og dele af os selv, som ellers kunne forblive skjulte. Synet er de abstrakte kunstneres speciale, og gennem de seneste mere end 100 år er det lykkedes mange berømte abstrakte malerier at udvide menneskehedens udsyn. De visionære, der skabte disse billeder, gav ikke kun os beskuere gaven ved at have nye ting at se på; de tilbød os helt nye måder at se på.
Disse gennembrud er ikke begrænset til kunsthistorien. Ved siden af hver historisk kunstner, der omtales nedenfor, ser vi på et værk, der er tilgængeligt gennem IdeelArt, og som nærmer sig beslægtede spørgsmål om linje, geometri, materiale eller farve. Disse sammenstillinger er invitationer til at se - ikke påstande om direkte indflydelse: hver kunstner giver disse fælles spørgsmål sit eget sprog.
Berømte abstrakte malerier: 1910'erne – 1920'erne
Det må indrømmes, at nogle af vores udvalgte værker i denne artikel kan vise sig at være kontroversielle, eftersom alle elskere af abstrakt kunst har forskellig smag. Men de fleste vil nok være enige i vores første udvalg af abstrakte malerier, der ændrede den måde, vi opfatter kunst på. Wassily Kandinskys Uden titel (Første abstrakte akvarel) blev malet i 1910 og anses af kunsthistorikere for at være det første rent abstrakte maleri. Den dristige fremstilling af levende farvede pletter, strøg og linjer afstår fra enhver visuel reference til den objektive virkelighed. Dette maleri befriede kunstnerne fra motivets lænker og inviterede beskuerne til at engagere sig i begrebet om, hvad et billede kan være, på en helt ny måde.
Wassily Kandinsky - Uden titel (Første abstrakte akvarel) - 1910
Centre Georges Pompidou, Paris
Hvad sker der, når linje og farve ikke længere behøver at beskrive et objekt? I Øjet giver Macha Poynder et nutidigt svar: slyngede mærker, pludselige glimt af gult og pink samt lagdelte blå passager skaber en rastløs visuel rytme. Hendes praksis kombinerer automatisk tegning, performative gestus og intuitive farvevalg. Set ved siden af Kandinskys akvarel antyder maleriet, hvordan abstraktion kan gøre det at se til en aktiv oplevelse, hvor øjet følger relationer frem for at identificere et motiv.
Elleve år senere, i 1921, malede Piet Mondrian sit ikoniske Tableau I. Efter en periode, hvor han eksperimenterede med sit nye kunstneriske udtryk, fastlagde Tableau I den stil, der skulle blive Mondrians kendetegn. De hårde sorte linjer og de opdelte farvefelter gav beskuerne et indblik i renset geometri og matematisk præcision. Værkets rene linjer og præcision henviste ikke til andet end form, farve og linje. Værket indvarslede en stil, der ville påvirke generationer af malere, billedhuggere, arkitekter og designere, og som fortsat inspirerer kreative tænkere i dag.
Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Köln, Tyskland
Mondrians geometri rejser også et spørgsmål, der stadig står åbent i dag: Hvor lidt behøver et billede for at ændre den måde, vi ser på? Daniel Göttins Untitled 1, 2016 følger en anden vej gennem dette område. Sorte og grå lodrette felter, adskilt af hvide linjer, danner et regelmæssigt mønster, hvis kontraster skifter hen over overfladen. I stedet for at gentage Mondrians karakteristiske palet udforsker Göttin proportion, gentagelse, symmetri og asymmetri. Forbindelsen ligger i beskuerens oplevelse af relationer: En linje er ikke blot en grænse, men noget, der ændrer rummet omkring den.
I 1925 opløste Joan Miró grænserne mellem abstraktion og surrealisme med sit maleri La mancha roja (Den røde plet). Miró opfattede ikke sig selv som abstrakt kunstner. Han sagde, at han kom hjem til sit lille hjem, sulten og udmattet, og malede de billeder, han så i sit hoved. La mancha roja (Den røde plet) befinder sig på den fine grænse mellem antropomorf figurativ kunst, drømmeagtige totemer og ren abstraktion. Noget barnligt, men samtidig frygteligt, lurer i billedet. Med denne serie værker slog Miró døren op til vores mareridts og drømmes skjulte ikonografi.
Joan Miro - La mancha roja (Den røde plet) - 1925
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection.
© Joan Miro Foundation, Barcelona
Mirós former svæver mellem tegn, forestillede væsner og selvstændige former. En beslægtet tvetydighed præger Daniela Marins Medusae I, hvor stribede, plettede og forgrenede former deler et hvidt felt med åbne geometriske strukturer. De antyder levende væsner uden at forme sig til en enkelt identificerbar scene. Marins formsprog bringer organiske former i dialog med urban geometri og trækker på hendes egne erfaringer og rejser. Hendes lyse, ekspansive komposition adskiller sig fra den foruroligende atmosfære, der beskrives i Mirós maleri, men begge inviterer beskueren til at bevæge sig mellem genkendelse og opfindelse: En form kan virke levende uden at blive en illustration.
Berømte abstrakte malerier: 1930'erne – 1940'erne
Mens den vestlige verden for anden gang i det 20. århundrede blev kastet ud i depression, hungersnød og krig, var abstraktionen solidt etableret som en væsentlig kraft i kunstverdenen. Kunstnere, der arbejdede i denne stil, anvendte et fantastisk bredt spektrum af metoder, som hver især bidrog til de voksende bestræbelser på at komme i kontakt med noget rent, noget sandt og noget frit i menneskeånden. I Storbritannien udvidede maleren Ben Nicholson sit abstrakte arbejde til en serie værker, som han kaldte hvide relieffmalerier. Blandt disse værker er White Relief, Quai d’Auteuil (1935), et eksempel på den tilgang, der gjorde Nicholson til en af de vigtigste stemmer inden for engelsk abstraktion. Nicholson var ven med og blev påvirket af maleren Piet Mondrian. De hvide relieffer byggede videre på Mondrians brug af skarpt afgrænsede linjer og geometrisk rum ved at introducere tredimensionel lagdeling og en monokrom palet. Nicholsons første hvide relieffmalerier blev skabt i 1933, og i 1935 havde han udviklet en stil, der kombinerede elementer fra abstraktion, konstruktivisme, konkret kunst, og som antydede de tidlige spirer til minimalismen og post-painterly-abstraktionen.
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum
Nicholsons relieffer gør selve rummet til en aktiv del af abstraktionen gennem forholdet mellem planer, kanter og dybde. Den britiske maler Jeremy Annear fører en overbevisende dialog med denne problematik i Construct (Red Disc and Triangle). Lagdelte hvide, grå og jordfarvede former drejer sig omkring buede konturer, mens en rød skive og trekant sætter punktum i kompositionen. Annear opbygger sine oliemalerier gennem lagdelte former og strukturerede overflader; her antyder overlapningerne et rum, der er konstrueret snarere end beskrevet. I modsætning til Nicholsons hvide relieffer er dette et farvet maleri, men det fælles spørgsmål er, hvordan et begrænset formsprog kan skabe balance, spænding og en fornemmelse af dybde.
I den modsatte ende af spektret i 1930'erne og 1940'erne stod de abstrakte ekspressionister, også kendt som New York-skolen. De afviste fuldstændigt den rationelle geografi og rumlige reduktion hos kunstnere som Mondrian og Nicholson og søgte at forbinde sig med grundlæggende følelser i deres værker. Ingen abstrakt ekspressionist var lige så indflydelsesrig og succesfuld som Jackson Pollock, når det gjaldt om at legemliggøre denne stil.
Pollock var en berygtet alkoholiker og neurotiker og blev inspireret af psykoanalysen til at søge dybt i sin underbevidsthed efter inspiration. Hans værker byggede på fysiske udtryk og ubevidste totembilleder for at skabe intense skildringer af moderne angst efter krigen. Et af Pollocks første drypmalerier, Full Fathom Five, malet i 1947, ændrede for altid den abstrakte kunst. Værket er en sammenblanding af hans tidligere penselstil og hans visionære drypteknik. Det indeholder mønter, cigaretskod og andre tilfældige småting fra hans atelier, hvilket skaber et niveau af tekstur og dybde, der var helt nyt for abstraktionen. Full Fathom Five markerede et vendepunkt i Pollocks karriere og ændrede for altid vores forhold til lærredet.
Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
© 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society
Genstandene, der er indlejret i Full Fathom Five, minder os om, at et maleri kan være mere end et billede: Det kan være en fysisk ophobning af handlinger og materialer. Anthony Frost udforsker denne mulighed gennem en instinktiv proces, der kombinerer maleri og collage. I Surface Pressure krydses ru, teksturerede blå og orange områder af en fremtrædende rød stribe, så selve overfladen bliver en del af mødet. Frosts brug af fundne materialer og lagdelte opbygning adskiller sig markant fra Pollocks sammenfiltrede dryp, men begge værker inviterer os til at betragte maleriet som noget, der skabes gennem fysisk engagement, ikke blot som et billede, der er planlagt på forhånd.
Berømte abstrakte malerier: 1950'erne
I 1950'erne havde de abstrakte ekspressionister for alvor overtaget kunstverdenens forestillingsverden. Overalt stræbte kunstnere efter at skabe forbindelse til det oprindelige selv, det ubevidste sind og underbevidsthedens skjulte billedverden. Midt i denne glød opstod en tendens mod ro, delvist født af en voksende interesse blandt mange kunstnere for østlige filosofier som taoisme og zenbuddhisme. En af de mest betydningsfulde bevægelser, der voksede frem i denne periode, var en abstrakt malestil kendt som Color Field Painting.
Formålet med Color Field Painting, sådan som det generelt er blevet forstået, var at udforske farve uafhængigt af motiv, form, linje og de øvrige begrænsninger ved billedskabelse. Malerne søgte en meditativ kvalitet, som, hvis det lykkedes, efterfølgende blev overført fra værket til beskuerne.
Den abstrakte maler Helen Frankenthaler var en af de mest betydningsfulde stemmer i Color Field-bevægelsen. Med sit maleri Bjerge og hav, malet i 1952, introducerede Frankenthaler verden for en ny maleteknik, som hun havde opfundet, kaldet “soak-stain-processen”. I denne proces brugte Frankenthaler terpentin til at fortynde malingens konsistens. Hun hældte forsigtigt den fortyndede maling på et ugrundet lærred på gulvet, så malingen kunne trænge helt igennem lærredet og give værket en helt ny tekstur og fremtoning. Soak-stain-processen skabte sublime farvefelter, der antog organiske, foranderlige former med et strejf af ro. Frankenthalers Bjerge og hav regnes for at være en af Color Field-bevægelsens første succeser og er stadig et af dens mest elskede billeder i dag.
Helen Frankenthaler - Bjerge og hav - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
Frankenthalers maleri åbner et rum mellem erindret landskab og selvstændige farvefelter. Greet Helsen nærmer sig dette rum gennem sine egne møder med naturen og arbejder ud fra indtryk af lys, form og farve snarere end præcise beskrivelser. I Dynamisch (Dynamic) bevæger gennemsigtige rosa, blå og lilla nuancer sig hen over en luftig overflade, afbrudt af fine mørke linjer og dybere farveansamlinger. Helsen fortynder omhyggeligt sin akrylmaling, så de successive lag forbliver synlige. Dette er ikke den samme proces som Frankenthalers soak-staining, men sammenstillingen gør det muligt at se, hvordan transparens og flydende farve kan antyde et landskab uden at afbilde et.
Måske er den mest berømte kunstner, der forbindes med Color Field-kunstnerne, Mark Rothko, en kunstner, der også heftigt afviste denne og de fleste andre betegnelser. Rothko arbejdede udelukkende med farve og stræbte efter at åbne et spirituelt plan, hvor han og beskuerne kunne opleve dybden af menneskelige følelser. Selvom han fokuserede fuldt ud på farve, afviste Rothko den som blot et middel, hvorigennem denne spirituelle forbindelse kunne skabes. Et af Rothkos definerende tidlige værker var No. 2, Green, Red and Blue, malet i 1953. Dette værk er ikonisk for Rothkos senere produktion og etablerer hans stemme som en særligt indtagende beboer i både den abstrakte kunsts og den transcendente spiritualitets verdener.
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
Kan farver bære en følelse uden at beskrive dens årsag? Det spørgsmål forbinder Rothkos værk med Kyong Lees Emotional Color Field 6, selv om deres visuelle sprog forbliver forskellige. Lee arrangerer vandrette bånd, der bevæger sig fra dybblå og violette nuancer gennem lyserøde og lyse toner til orange og rød. Hendes proces anvender omhyggeligt opmålte felter og gradvise farveovergange til at udforske forandringer i den følelsesmæssige tilstand. Hvor Rothkos former med bløde kanter synes at svæve, er Lees opdelinger klare og ordnede. Dialogen handler mindre om lighed end om, hvordan én farve ændrer vores oplevelse af den næste, og hvordan disse relationer kan blive et følelsesmæssigt sprog.
Berømte abstrakte malerier: 1960'erne - 1970'erne
Da abstraktionen trådte ind i 1960'erne og 1970'erne, forkastede mange malere allerede dens grundlæggende idéer, vendte tilbage til figurativ kunst og udforskede området for konceptuel kunst. Ikke desto mindre rummede abstraktionens klarhed og frihed stadig store muligheder. En af periodens mest sublime stemmer var den amerikanske abstrakte maler Agnes Martin. Martin, der er kendt for sine malerier med linjerede gittermønstre, står stadig som en ikonisk stemme inden for abstrakt kunst.
Agnes Martins maleri Night Sea, der blev skabt i 1963, er et af de tidligste eksempler på det, der skulle blive hendes karakteristiske stil. I værket gennemskæres en næsten monokrom blå baggrund af et omhyggeligt gittermønster malet med bladguld. Værket omfavner farven, samtidig med at det tillægger linjen samme styrke. Det omfavner enkelheden, mens det på samme tid formidler vidde, kompleksitet og en følelse af sammenvævet gensidig afhængighed. Martin talte om, hvordan linjen for hende repræsenterede uskyld. Hun håbede, at følelsen af uskyld blev overført til beskuerne gennem hendes værk. Billedernes enkelhed og den direkte følelse, hun håbede at formidle, var afgørende for at bygge bro mellem abstrakt ekspressionisme og minimalisme.
Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
Martins tilbageholdte formsprog viser, hvordan en linje kan fastholde vores opmærksomhed uden at beskrive noget. Richard Caldicotts Untitled, 2014 (Id.383) tilbyder et anderledes, sparsomt møde med linje og rum. På en lys baggrund skaber fine og kraftigere mørke linjer en åben, kantet struktur mellem områder med rødt og gult. I stedet for at gentage Martins gitter reducerer Caldicott kompositionen til nogle få relationer, hvis balance bliver tydeligere, jo længere vi ser. Hans serielle værker på papir udforsker et minimalistisk, arkitektonisk formsprog. Sammenstillingen inviterer til en langsommere form for opmærksomhed: ikke en søgen efter et motiv, men en bevidsthed om, hvordan mellemrum, kanter og tom plads former vores oplevelse.
I 1970'erne rystede Robert Motherwell endnu en gang abstraktionens verden med en stemme, der syntes at være det stik modsatte af minimalismens tiltrækningskraft. Hans uragtige, rå gestusser formidlede energi, styrke og angst på én gang. De rummede en stoisk styrke, men samtidig trådte en dyb følelse frem, som legemliggjorde kraften og friheden i den rene abstraktion.
Motherwells definerende værk blev til i 1971 og hed Elegy to the Spanish Republic No. 110. Dette maleris rasende energi omslutter beskueren og synes at sprænge ud fra lærredet. Det rummer en chokerende vitalitet, en aggression, der overfører følelser og raseri til rummet. På et tidspunkt, hvor mange malere mente, at abstraktionen havde udspillet sin rolle, indsprøjtede Motherwell en stærk ny livskraft i stilen. Hans friske vision og selvsikre stemme hjalp abstraktionen med at bestå og fortsætter med at inspirere og styrke abstrakte kunstnere den dag i dag.
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
Motherwells Elegy viser, hvordan gentagne, kraftfulde former kan give et abstrakt maleri følelsesmæssig tyngde. Tommaso Fattovichs Punk nærmer sig denne tyngde gennem et mere fragmenteret, flerfarvet formsprog. Opretstående partier i sort, lyserød, lysegrøn og orange rejser sig gennem en ru gråbrun grund, og deres kanter bærer sporene af successive bevægelser. Fattovich udvikler sine kompositioner intuitivt og reagerer på farver, lag, linjer og former, indtil billedet føles fuldendt. Sammenligningen handler om mærkets fysiske tilstedeværelse, ikke om en ækvivalens mellem motiver: Fattovichs urbaninspirerede abstraktion deler ikke den specifikke historiske betydning, som Motherwells Elegy har, men tilbyder en anden måde at møde gestussen som bærer af intensitet på.
At ændre vores opfattelse af fremtiden
Nutidens samtidskunstnere inden for abstrakt kunst skylder hver af disse kunstnere en taknemmelighed, både for den måde, de søgte frihed i deres udtryksformer på, og for den måde, de hjalp beskuerne med at åbne sindet for nye måder at se på. Abstraktionen fortsætter med at åbne nye døre for os, mens vi forsøger at forstå de endeløse kompleksiteter, som vores samfund i udvikling præsenterer os for. Ved at trække på eksemplerne fra fortidens store abstrakte kunstnere kan nutidens og morgendagens abstrakte kunstnere forhåbentlig hjælpe os med at omsætte vores samtidige bekymringer og frygt og hjælpe os med at se ud over begrænsningerne i vores egne øjne.
Værkerne, der bringes i dialog med disse historiske malerier, viser, at disse muligheder stadig står åbne. Fra Poynders rastløse linjer og Marins forestillede organiske former til Göttins og Annears konstruerede rum tilbyder abstraktionen mange måder at engagere blikket på. Frosts materielle overflader, Helsens gennemskinnelige farver, Lees følelsesmæssige sekvenser, Caldicotts sparsomme strukturer og Fattovichs kraftfulde penselmærker fører samtalen i forskellige retninger. De erstatter ikke de historiske værker eller gentager deres bedrifter. I stedet inviterer de os til at tage det, vi har lært, med ind i nye møder og opdage, hvordan abstraktionen fortsat ændrer den måde, vi ser på.
Fremhævet billede: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Alle billeder bruges udelukkende til illustrative formål
Af Phillip Barcio (2016) Redigeret af Francis Berthomier (2026)
