Berømte abstrakte malerier, der ændrede den måde, vi opfatter kunst på
"Hvilke billeder vi kan have, kan man sige, afhænger af, hvem der forestiller sig dem." - John Hospers, fra An Introduction to Philosophical Analysis
Vi er afhængige af visionære til at åbne skjulte døre, så vi kan få et glimt af dele af verden og dele af os selv, som ellers kunne forblive skjulte. Vision er specialiteten for abstrakte kunstnere, og i løbet af de sidste 100+ år har mange berømte abstrakte malerier haft succes med at udvide menneskehedens udsigt. De visionære, der skabte disse billeder, gav os, seerne, ikke kun gaven af nye ting at se; de tilbød os helt nye måder at se på.
Berømte Abstrakte Malerier: 1910'erne – 1920'erne
Det må indrømmes, at nogle af vores valg i denne artikel kan vise sig at være kontroversielle, dahver abstrakt kunstelsker har forskellige smag. Men de fleste ville sandsynligvis være enige i vores første valg af abstrakte malerier, der ændrede den måde, vi opfatter kunst på. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) blev malet i 1910 og betragtes af kunsthistorikere som det første rent abstrakte maleri. Den dristige fremstilling af livligt farvede pletter, stræk og linjer opgiver al visuel reference til objektiv virkelighed. Dette maleri befriede kunstnere fra emnets lænker og inviterede seerne til at engagere sig på en helt ny måde med konceptet om, hvad et billede kan være.
Wassily Kandinsky - Uden titel (Første abstrakte akvarel), 1910. Akvarel og indisk blæk og blyant på papir. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris
Elleve år senere i 1921 malede Piet Mondrian sit ikoniske Tableau I. Efter en periode med eksperimentering med sin fremvoksende nye stemme, cementerede Tableau I det, der ville blive Mondrians definerende stil. De hårde sorte linjer og de opdelt farvefelter gav seerne et glimt af ren geometri og matematisk præcision. De rene linjer og præcisionen i værket henviste ikke til andet end form, farve og linje. Værket indvarslede en stil, der ville påvirke generationer af malere, billedhuggere, arkitekter og designere, og fortsætter med at vejlede kreative tænkere i dag.
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Olie på lærred. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland
I 1925 opløste Joan Miró barriererne mellem Abstraktion og Surrealisme med sit maleri La mancha roja (Den røde plet). Miró betragtede sig ikke som en abstraktionist. Han sagde, at han kom hjem til sit lille hjem, sulten og udmattet, og malede de billeder, han så i sit hoved. La mancha roja (Den røde plet) balancerer på den tynde linje mellem antropomorfisk figuration, drømmelignende totemer og ren abstraktion. Noget barnligt, men dog skræmmende, lurer inden i billedet. Med dette værk åbnede Miró døren til den skjulte ikonografi af vores mareridt og drømme.
Joan Miro - La mancha roja (Det røde plet), 1925. Olie og pastel på lærred. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Samling. © Joan Miro Foundation, Barcelona
Berømte Abstrakte Malerier: 1930'erne – 1940'erne
Da den vestlige verden for anden gang i det 20. århundrede faldt ned i depression, hungersnød og krig, blev abstraktion fast etableret som en vigtig kraft i kunstverdenen. Et fantastisk udvalg af metoder blev anvendt af kunstnere, der arbejdede i stilen, hver især bidragende til de voksende bestræbelser på at forbinde med noget rent, noget sandt og noget frit inden for den menneskelige ånd. I Storbritannien udvidede maleren Ben Nicholson sit abstrakte arbejde til en samling af det, han kaldte hvide reliefmalerier. Et af hans seminalværker, 1935 (hvid relief), brød ny visuel grund og etablerede Nicholson som en af de vigtigste stemmer inden for engelsk abstraktion. Nicholson var ven med og påvirket af maleren Piet Mondrian. De hvide reliefværker udvidede Mondrians brug af hårde linjer og geometrisk rum, idet de introducerede dimensionel lagdeling og en monokromatisk palet. Nicholsons første hvide reliefmalerier blev skabt i 1933, og da 1935 (hvid relief) blev skabt, havde han solidificeret en stil, der kombinerede elementer af abstraktion, konstruktivisme, konkret kunst, og som antyder de tidlige frø af minimalisme og post-malende abstraktion.
I den anden ende af spektret i 1930'erne og 1940'erne var de abstrakte ekspressionister, også kendt som New York-skolen. De afviste fuldstændigt den rationelle geografi og rumlige reduktion fra kunstnere som Mondrian og Nicholson, og Ab Ex-erne søgte at forbinde med primær følelse i deres arbejde. Ingen abstrakt ekspressionist var så indflydelsesrig og succesfuld i at legemliggøre stilen som Jackson Pollock.
En berygtet alkoholiker og neurotiker, blev Pollock inspireret af psykoanalyser til at nå dybt ind i sit underbevidste for inspiration. Hans arbejde trak på fysiskhed og ubevidste totembilleder for at skabe intense skildringer af moderne, efterkrigstidens angst. Et af Pollocks første dryppende malerier, Full Fathom Five, malet i 1947, ændrede for altid abstrakt kunst. Dette værk er en sammensmeltning af hans tidligere penselstil og hans visionære dryppeteknik. Det inkluderer mønter, cigaretskodder og andre tilfældige ting fra hans atelier, hvilket projicerer et niveau af tekstur og dybde, der er helt nyt for Abstraktion. Full Fathom Five indvarslede et vendepunkt i Pollocks karriere og ændrede for altid vores forhold til lærredet.
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Olie på lærred med søm, stifter, knapper, nøgle, mønter, cigaretter, tændstikker osv. 50 7/8 x 30 1/8 tommer. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Berømte Abstrakte Malerier: 1950'erne
I 1950'erne havde de abstrakte ekspressionister fast overtaget kunstverdenens fantasi. Overalt stræbte kunstnere efter at forbinde sig med det primordiale selv, det ubevidste sind og de skjulte billeder i det underbevidste. Midt i denne iver opstod en tendens mod ro, delvist født af en voksende interesse blandt mange kunstnere for østlige filosofier som taoisme og zenbuddhisme. En af de mest dybtgående bevægelser, der voksede ud af denne tid, var en abstrakt malestil kendt som Color Field Painting.
Målet med Color Field Painting, som det generelt er blevet forstået, var at udforske farve uafhængigt af emne, form, linje og de andre begrænsninger ved billedskabelse. En meditativ kvalitet blev søgt af malerne, og hvis det lykkedes, blev det efterfølgende overført fra værket til dets seere.
Den abstrakte maler Helen Frankenthaler var en af de mest dybtgående stemmer i Color Field-bevægelsen. Med sit maleri Mountains and Sea, malet i 1952, introducerede Frankenthaler verden for en ny maleteknik, hun havde opfundet, kaldet "soak-stain process." I denne proces brugte Frankenthaler terpentin til at tynde konsistensen af sine farver. Hun hældte forsigtigt den tyndede maling på et ubehandlet lærred på gulvet, hvilket tillod malingen at suge helt igennem lærredet og gav værket en helt ny tekstur og udseende. Soak-stain-processen skabte sublime farvefelter, der tog organisk form og berørte det rolige. Frankenthalers Mountains and Sea betragtes som en af de første succeser i Color Field-bevægelsen og forbliver i dag et af dens mest elskede billeder.
Helen Frankenthaler - Bjerge og Hav, 1952. Olie og kul på lærred. 86 5/8 x 117 ¼ tommer. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Måske er den mest berømte kunstner, der er forbundet med Color Field-kunstnerne, Mark Rothko, en kunstner der også voldsomt afviste det, og de fleste andre etiketter. Rothko arbejdede udelukkende med farve og stræbte efter at åbne et åndeligt plan, hvor han og seerne kunne opleve dybden af menneskelige følelser. Selvom han var helt fokuseret på farve, afviste Rothko det som kun et middel, hvormed denne åndelige forbindelse kunne skabes. Et af Rothkos definerende tidlige værker var No. 2, Green, Red and Blue, malet i 1953. Dette værk er ikonisk for Rothkos fremtidige værk, der etablerer hans stemme som en unikt elskelig beboer i både den abstrakte kunsts og den transcendente spiritualitets verdener.
Mark Rothko - Nr. 2, Grøn, Rød og Blå, 1953. Privat samling
Berømte Abstrakte Malerier: 1960'erne – 1970'erne
Da Abstraktion trådte ind i 1960'erne og 1970'erne, afviste mange malere allerede dens grundlæggende ideer, vendte tilbage til figuration og udforskede området for konceptuel kunst. Ikke desto mindre havde Abstraktions klarhed og frihed stadig stort potentiale. En af de mest sublime stemmer i denne periode var den amerikanske abstrakte maler Agnes Martin. Kendt for sine malerier med linjerede gitter, forbliver Martin en ikonisk stemme inden for Abstrakt Kunst.
Agnes Martins maleri Night Sea, lavet i 1963, er et af de tidligste eksempler på, hvad der ville blive hendes definitive stil. I værket er en næsten monokrom blå baggrund skåret igennem af et omhyggeligt gittermønster malet i guldblad. Dette værk omfavner farve, samtidig med at det lægger lige stor vægt på linje. Det omfavner enkelhed, mens det samtidig kommunikerer uendelighed, kompleksitet og en følelse af sammenflettet afhængighed. Martin talte om, hvordan linjen, for hende, repræsenterede uskyld. Hun håbede, at følelsen af uskyld blev overført til beskuerne gennem hendes værk. Enkelheden i hendes billeder og direkteheden af den følelse, hun håbede at kommunikere, var afgørende for at bygge bro mellem Abstrakt Ekspressionisme og Minimalisme.
Agnes Martin - Night Sea, 1963. Olie og guldblad på lærred. 72 x 72 tommer. © Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York
I 1970'erne rystede Robert Motherwell endnu engang verden af Abstraktion med en stemme, der syntes at være det modsatte af Minimalismens tiltrækning. Hans primale, robuste gestus formidlede energi, styrke og angst på én gang. Der var en stoisk styrke i dem, og alligevel kom der dyb følelse frem, der legemliggjorde kraften og friheden i ren Abstraktion.
Motherwells definerende værk kom i 1971 og blev kaldt Elegy to the Spanish Republic No. 110. Denne malerijs rasende energi omslutter beskueren og synes at sprøjte ud af lærredet. Der er en chokerende vitalitet i det, aggression der overfører følelser og raseri ind i rummet. På et tidspunkt hvor mange malere mente, at Abstraktion havde udspillet sin rolle, injicerede Motherwell en kraftfuld ny livskraft i stilen. Hans friske vision og selvsikre stemme hjalp Abstraktion med at overleve og fortsætter med at inspirere og styrke abstrakte kunstnere den dag i dag.
Robert Motherwell - Elegy til den spanske republik nr. 110, 1971. Akryl med grafit og kul på lærred. 82 x 114 tommer. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenseret af VAGA hos Artists Rights Society (ARS), New York
Ændring af vores opfattelse af fremtiden
Dagens nutidige abstrakte kunstnere skylder en gæld til hver af disse kunstnere, både for de måder, de søgte frihed i deres udtryksformer, og for de måder, de hjalp seerne med at åbne deres sind for nye måder at se på. Abstraktion fortsætter med at åbne nye døre for os, mens vi forsøger at forstå de endeløse kompleksiteter, vores udviklende samfund præsenterer os for. Ved at trække på eksemplerne fra de store abstrakte kunstnere fra fortiden, kan de abstrakte kunstnere i dag og i morgen forhåbentlig hjælpe os med at oversætte vores nutidige angst og frygt og hjælpe os med at se ud over begrænsningerne i vores egne øjne.
Fremhævet billede: Wassily Kandinsky - Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio
