Definerende Øjeblikke i Abstrakt Kunsts Historie

Ord kan være så kontroversielle. Vi ønsker blot at diskutere historien om abstrakt kunst. Men den sætning er fuld af begrebsmæssige farer. (Hvis historie? Hvad er kunst? Hvad betyder det at være abstrakt?) For at være præcis burde vi måske give denne artikel en titel som: ”Definerende øjeblikke i rækken af begivenheder, der udgør den generelt accepterede tidslinje for den vestlige civilisation i relation til objekter og fænomener skabt af selvudnævnte kunstnere, der ikke har til hensigt at være repræsentative for objektiv visuel virkelighed.” Men det er ikke ligefrem en klikvenlig overskrift. (Eller er det?) For fornuftens skyld, lad os i denne artikel lægge semantik til side og bare starte fra begyndelsen.

Abstrakt kunsts forhistorie

Blandt de tidligste mærker fra forhistoriske huleboere var linjer, ridser og håndaftryk. Vores bedste fortolkning er, at de var symbolske. Gør det dem til de første eksempler på abstrakt kunst ? Måske. Men selv de repræsentative billeder, som vores gamle forfædre efterlod, er ikke ligefrem fotorealistiske. Det, der mangler i vores analyser, er en forståelse af de tidligste kunstneres hensigt. Når vi taler om abstrakt kunst, mener vi kunst, der specifikt var ment som abstrakt. Da vi ikke kan vide, hvad forhistoriske kunstnere ønskede at kommunikere gennem deres billeder, kan vi ikke bedømme, om det var abstrakt, eller om det overhovedet er kunst. Det kunne have haft praktiske formål, for alt hvad vi ved. Så vi springer frem, langt frem, til en bedre dokumenteret tid, hvor kunstnernes hensigter var klarere.

Henri Matisse - Kvinde med hat, 1905, olie på lærred, 31 3/4 × 23 1/2 tommer, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Før det tidlige 1800-tal kan man trygt sige, at langt de fleste kunstnere langt det meste af tiden ikke havde luksusen at vælge, hvad de ville lave. De fleste kunstnere før den romantiske tid var afhængige af støtte fra religiøse institutioner eller en anden autoritær magt for at overleve. Konger og hellige mænd bestemte derfor motivet for langt de fleste af disse kunstneres værker. Efterhånden som dette patronatsystem svandt, opstod andre måder for kunstnere at overleve på. Et galleri-system opstod; uafhængige kunsthandlere begyndte at repræsentere kunstneres værker; velhavende personer og private institutioner begyndte at støtte kunstnere og samle deres værker. For første gang fik kunstnere mulighed for selv at besvare spørgsmålet: ”Hvad vil jeg lave?” Det næste uundgåelige spørgsmål fulgte straks: ”Hvorfor vil jeg lave det?” Svaret på det spørgsmål er en hovedårsag til den senere fremkomst af abstrakt kunst og er måske det mest varige begreb, der opstod i den romantiske tid; et begreb udtrykt af mange tidens tænkere og opsummeret af franskmændene som “L'art pour l'art.” Kunst for kunstens skyld. Eller som forfatteren Edgar Allan Poe formulerede det i 1850:“…ville vi blot tillade os at se ind i vores egne sjæle, ville vi straks opdage, at der under solen hverken findes eller kan findes noget værk mere gennemført værdigt, mere ophøjet ædelt end dette digt… skrevet udelukkende for digtets skyld.”

Andre Derain - De tørrede sejl, 1905, olie på lærred, 82 x 101 cm, © Pushkin Museum, Moskva

Første indtryk

Da kunstnere blev frigjort fra begrænsningerne ved forudbestemt motiv, begyndte de også at frigøre sig fra andre begrænsninger. Fra cirka 1850’erne til 1870’erne gav den æstetiske bevægelse kunstnere mulighed for at skabe kunst udelukkende med æstetiske formål, i stedet for at fokusere på motiver relateret til kultur, samfund og politik. Så kom impressionisterne, kunstnere baseret i Paris, som lavede værker med stærkt fokus på gengivelsen af lyskvaliteter, hvilket begyndte en destillering af de enkelte æstetiske elementer i et kunstværk. I 1880’erne udviklede maleren Georges Seurat en teknik til at opbygge et billede udelukkende af små prikker. Denne teknik, kendt som pointillisme, skabte forvrængede, men stadig repræsentative billeder. Pointillisme  bidrog til fremkomsten af eksperimenterende penselstrøg og kompositionsteknikker, der antydede en tendens mod abstraktion. Denne tendens blev udbygget gennem postimpressionismen, hvor kunstnere begyndte at eksperimentere med symbolik og vilkårlig brug af farve, form og linje.

Det er alt sammen subjektivt

I 1900-tallet bidrog ekspressionisterne til tendensen mod ren abstraktion med deres fokus på subjektivitet. Ved dramatisk at forvride deres billeder søgte de at præsentere et dybt personligt synspunkt, der mere repræsenterede følelser end fysisk virkelighed. I denne periode opstod også fauvismen, malere der næsten udelukkende fokuserede på klare farver og maleriske mærker. For fauvisterne var motivet underordnet de æstetiske elementer i værket. På dette tidspunkt var fremkomsten af ren abstraktion uundgåelig. Overalt arbejdede kunstnere med symbolske repræsentationer af virkeligheden og stræbte efter at kommunikere ideer og følelser på måder, der ikke havde med motivet at gøre. De abstraherede per definition. Men hvem var den første, der lykkedes med at lave et maleri, der var rent abstrakt?

Hans Hofmann - Rising Moon, 1965, olie på lærred, privat samling, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Vil den ægte første abstrakte kunstner venligst træde frem?

Næsten alle historikere er enige om, at det første abstrakte maleri var Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor), malet i 1910. Bestående af livligt farvede pletter, cirkler, linjer, kruseduller og farvefelter samlet på tilsyneladende tilfældig vis, refererer værket på ingen måde til forud eksisterende visuelle elementer i den fysiske verden. Konspiratorisk kunne vi, bare for sjov, postulere, at Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) ikke var det første rent abstrakte maleri. Et år tidligere, i 1909, malede den franske avantgardekunstner Francis Picabia Caoutchouc, et proto-kubistisk værk med uigenkendelige geometriske former indhyllet i tilsyneladende urelaterede farvefelter. Dette værk synes på ingen måde at repræsentere objektiv visuel virkelighed. Dog betyder ordet Caoutchouc løst naturlig gummisaft, en henvisning til råmaterialet til vulkaniseret gummi. Da vi aldrig har analyseret de visuelle elementer i uvulkaniseret gummi, kan vi ikke sige, men måske er dette maleri repræsentativt. Hvem ved? Det vi ved, er, at Kandinsky var en ivrig kunstteoretiker og produktiv kunstskribent. Han skrev entusiastisk om sin stræben efter at skabe verdens første rent abstrakte kunstværk. Han talte åbent om både sin hensigt om at blive grundlæggeren af abstrakt kunst og sin succes med at opnå det. Ingen kan benægte, at det var hans hensigt at være den første, uanset om nogen før ham tilfældigt slog ham på målstregen.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, olie på lærred, 85 1/4 x 73 1/2 tommer (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Hvad Kandinsky bestemt gjorde

Ved åbent at annoncere sin hensigt om at lave ren abstrakt kunst frigjorde Kandinsky kunstnere fra deres afhængighed af referencer til den observerbare verden. Han skilte kunsten fra dens tidligere logik. Han åbnede feltet for dyb og hurtig eksperimenteren. Han bragte romantikkens løfte til modenhed, som Caspar David Friedrich, den tyske romantiske kunstner, sagde: “Kunstnerens følelse er hans lov.”

Wassilly Kandinsky - Komposition IV, 1911, olie på lærred, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Verden i krig

I de følgende årtier eksperimenterede kunstnere vildt med abstraktion. Mange nye stilarter opstod, påvirket af abstraktionens kald på frihed og også af rædslerne under Første Verdenskrig og fremkomsten af den mekaniske tidsalder. Kubismen påvirkede kunstnere til at reducere deres visuelle sprog til dets mest grundlæggende byggesten. Futurismen viste linjens livskraft og kraft. Dadaismen  udfordrede kunstens mening og genbekræftede kunstens frihed fra og afvisning af borgerskabet. I 1920’erne åbnede surrealismen kunstneres sind for det underbevidstes kraft. Med sit fokus på drømmelignende billeder og afvisning af bevidst logik påvirkede den dybt abstrakte kunstnere til at eksperimentere mere med teknikker, medier og metoder, der kunne forbinde dem mere direkte med deres ubevidste selv.

Wassiliy Kandinsky - Komposition 6, 1913, olie på lærred, 76 2/5 × 115 7/10 tommer, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Gør det nyt!

I 1930’erne krediteres den tyskfødte amerikanske maler Hans Hofmann for at have spredt til Amerika de væsentlige tanker bag det, der kom til at hedde modernismen, den seneste udgave af afvisningen af fortidens metoder og måder. Selv abstrakt maler opmuntrede Hofmann sine elever fra Californien til New York til at tage nye billedskabelsesmetoder til sig i søgen efter måder at konfrontere og udtrykke de bekymringer og undere, der fulgte med det hastigt industrialiserende samfund. I 1934 opsummerede digteren Ezra Pound modernisternes holdning med sit nu berømte kald til kunstnere: ”Gør det nyt!” Pound var en kontroversiel skikkelse, som til sidst flyttede til Italien, hvor han støttede de ledende fascistiske skikkelser under Anden Verdenskrig. Ikke desto mindre tog hans entusiastiske afvisning af det gamle rod i abstrakte kunstneres sind og førte til kraftige forandringer lige om hjørnet.

Wasilly Kandinsky - Sort Plet I (detalje), 1912, olie på lærred. 39,4 × 51,2 tommer (100,0 × 130,0 cm), Det Russiske Museum, Sankt Petersborg, Rusland

En ny renhed

Efter to verdenskrige, en global depression, hungersnød, grusomheder og to atomangreb på befolkede byer kan man ikke overdrive, hvor meget den gennemsnitlige menneske oplevede angst i midten af 1940’erne. Denne angst gav anledning til ny og bred interesse for det relativt unge felt psykoanalyse. Blandt de mange millioner, der vendte sig mod psykoanalyse i denne tid, var Jackson Pollock , et af de ledende medlemmer af en gruppe kunstnere kendt som de abstrakte ekspressionister. Pollock blev introduceret til psykoanalyse under sin afvænning. Det åbnede hans sind for den oprindelige viden, der lå låst i hans underbevidsthed. Mange af hans samtidige søgte nye måder at forbinde sig med den skjulte essens af deres menneskelighed og arbejde på at udtrykke rå, oprindelig følelse gennem deres malerier. Pollock søgte skjulte billeder i håb om at kunne forbinde sig med noget dybt inde i sig selv, noget mere rent end tidligere udtrykt i abstrakt kunst. Omkring 1947 banede Pollock vejen for sin nu ikoniske dryppeteknik. Denne teknik involverede påføring af maling på en overflade ved hjælp af kræfter som tyngdekraft og bevægelse i stedet for direkte kontakt med værktøjer på lærredet. Ved at omfavne dette nye niveau af fysiskhed og fuldstændigt afvise enhver genkendelig form trådte Pollock ind i et nyt rige af ren abstraktion baseret helt på underbevidst hensigt, farve, bevægelse, kraft og styrke.

Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarel, 1910, akvarel og indisk blæk og blyant på papir, 19,5 × 25,5 tommer (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Enden på begyndelsen

Pollocks arbejde opfyldte på mange måder abstraktionens løfte: den totale frigørelse af kunstneren fra æstetiske forventningers begrænsninger. Måske førte hans indsats også til abstraktionens logiske afslutning. Pollock satte skarpt fokus på vigtigheden af tekstur, materialitet, proces og ideen om at se et kunstværk ikke som en overflade til at formidle kunst, men som en samlet form i sig selv. Selvom disse begreber afspejles i en oprindelig forstand i Pollocks værker, er de integrerede i arbejdet hos minimalisterne , som afløste de abstrakte ekspressionister som de mest indflydelsesrige kunstnere i 1960’erne. Ligesom Kandinsky var den ledende skikkelse i minimalismen, Donald Clarence Judd, en ivrig kunstteoretiker og forfatter. Selvom han afviste minimalismens mærkat, blev Judd repræsentant for dens idéer om at skære ned på det visuelle sprog og rense begreberne form og rum. I stedet for at afvise genkendelige visuelle referencer og objektiv virkelighed fokuserede minimalistiske kunstnere som Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt og Frank Stella på form, brugen af klare og rene farver, skarpe linjer, minimal tekstur og moderne materialer. I stedet for at abstrahere virkeligheden manifesterede minimalisterne de former, farver, figurer og linjer, der ofte udforskes i abstrakt kunst, og gav dem fysisk rum i en repræsentativ måde.

Jackson Pollock - Konvergens, 1952, Albright-Knox Kunstgalleri, Buffalo, NY, USA 

Det nye nye

Historien om abstrakt kunst er historien om kunstneres søgen efter frihed. Hvad det betyder i dag, er, at kunstnere er frie til at udtrykke sig på den måde, de ønsker, og udforske de metoder, der tiltaler dem. Skønheden ved nutidens åbne stil er, at en kunstner kan bruge enhver stil, ethvert materiale eller metode, der bedst tjener til at realisere en idé. Selvom minimalismen måske satte abstrakt kunst til side i 1970’erne, er abstraktionen vendt tilbage til mange kunstneres praksis. Nutidens abstrakte malere nyder godt af deres forgængeres åbne sind. Abstraktion forbinder os fortsat med noget, som objektiv virkelighed ikke kan forklare; noget dybt inde i os, der rækker ud over det synlige.

Fremhævet billede: Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarel, 1910, foto via Wikipedia

Alle billeder anvendt til illustration

Af Phillip Barcio