Definerende Øjeblikke i Abstrakt Kunsts Historie

Ord kan være så kontroversielle. Vi vil bare diskutere historien om abstrakt kunst. Men den sætning er fyldt med konceptuel fare. (Hvis historie? Hvad er kunst? Hvad betyder det at være abstrakt?) For at være præcis, måske skulle vi titulere denne artikel noget som, “Definerende Øjeblikke i Kæden af Begivenheder, der Udgør den Generelt Accepterede Tidslinje for Vestlig Civilisation Relateret til Genstande og Fænomener Skabt af Selvbetragtede Kunstnere, der Ikke Har Til hensigt at Være Repræsentative for Objektiv Visuel Virkelighed.” Men det er ikke ligefrem en klikbar overskrift. (Eller er det?) For sindets skyld, lad os i denne artikel lægge semantikken til side og bare starte fra begyndelsen.

Den forhistoriske periode for abstrakt kunst

Bland de tidligste mærker fra forhistoriske huleboere var linjer, ridser og håndaftryk. Vores bedste fortolkning er, at de var symbolske. Gør det dem så til de første eksempler på abstrakt kunst ? Måske. Men selv de repræsentative billeder, som vores gamle forfædre efterlod, er ikke præcist fotorealistiske. Hvad der mangler i vores analyser, er en forståelse af vores tidligste kunstneres hensigt. Når vi taler om abstrakt kunst, mener vi kunst, der specifikt var beregnet til at være abstrakt. Da vi ikke kan vide, hvad forhistoriske kunstnere havde til hensigt at kommunikere gennem deres billeder, kan vi ikke bedømme, om det var abstrakt, eller endda om det er kunst. Det kunne have haft nyttige formål for alt, hvad vi ved. Så vi springer frem, langt frem, til en tid, der er bedre dokumenteret, hvor kunstnernes intentioner var klarere.

Henri Matisse - Kvinde med hat, 1905, Olie på lærred, 31 3/4 × 23 1/2 tommer, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Før begyndelsen af 1800-tallet er det sikkert at sige, at langt de fleste kunstnere i langt de fleste tilfælde ikke havde luksusen til at beslutte, hvad de ville lave. De fleste kunstnere før den romantiske æra var afhængige af støtte fra religiøse institutioner eller en anden autoritær magt for at overleve. Konger og hellige mænd bestemte derfor emnet for de fleste af disse kunstneres værker. Da dette patronsystem svandt ind, præsenterede andre overlevelsesmetoder sig for kunstnerne. Et galleri-system opstod; uafhængige kunsthandlere begyndte at repræsentere kunstnernes værker; velhavende individer og private institutioner begyndte at støtte kunstnere og samle deres værker. For første gang fik kunstnerne chancen for selv at besvare spørgsmålet: "Hvad vil jeg lave?" Straks kom det næste uundgåelige spørgsmål: "Hvorfor vil jeg lave det?" Svaret på dette spørgsmål er en af de førende årsager til den senere opståen af abstrakt kunst og er måske det mest vedholdende koncept, der er opstået fra den romantiske æra; et koncept udtrykt af mange tænkere fra tiden og opsummeret af franskmændene som, "L'art pour l'art." Kunst for kunstens skyld. Eller som forfatteren Edgar Allen Poe sagde i 1850:„…hvis vi blot ville tillade os selv at se ind i vores egne sjæle, ville vi straks opdage, at der under solen hverken eksisterer eller kan eksistere noget værk, der er mere grundlæggende værdigt, mere overordentlig ædelt, end dette meget digt… skrevet udelukkende for digtets skyld.”

Andre Derain - De Tørrende Sejl, 1905, olie på lærred, 82 x 101 cm, © Pushkin Museum, Moskva

Førstehåndsindtryk

Da kunstnere blev befriet fra begrænsningerne af forudbestemte emner, begyndte de også at befri sig selv fra andre begrænsninger. Fra cirka 1850'erne til 1870'erne gav den æstetiske bevægelse kunstnere mulighed for at lave kunst udelukkende af æstetiske grunde, i stedet for at fokusere på emner relateret til kultur, samfund og politik. Så kom impressionisterne, Paris-baserede kunstnere, der lavede værker, der stærkt fokuserede på skildringen af lysets kvaliteter, hvilket begyndte en destillering af de individuelle æstetiske elementer i et kunstværk. I 1880'erne udviklede maleren Georges Seurat en teknik til at konstruere et billede udelukkende af små prikker. Denne teknik, kendt som pointillisme, skabte forvrængede, men alligevel repræsentative billeder. Pointillisme bidrog til stigningen af eksperimentelle penselstræk og kompositionsteknikker, der antydede en tendens mod abstraktion. Denne tendens blev udvidet i hele post-impressionistperioden, da kunstnere begyndte at eksperimentere med symbolisme og den vilkårlige brug af farve, form og linje.

Det hele er subjektivt

I 1900'erne bidrog ekspressionisterne til tendensen mod ren abstraktion med deres fokus på subjektivitet. Ved dramatisk at forvrænge deres billeder søgte de at præsentere et dybt personligt synspunkt, der var mere repræsentativt for følelser end for fysisk virkelighed. I denne periode kom også fremkomsten af fauvisterne, malere der næsten udelukkende fokuserede på levende farver og maleriske penselstræk. For fauvisterne var emnet sekundært i forhold til de æstetiske komponenter i værket. På dette tidspunkt var fremkomsten af ren abstraktion uundgåelig. Overalt arbejdede kunstnere med symbolske repræsentationer af virkeligheden, og stræbte efter at kommunikere ideer og følelser på måder, der ikke var relateret til emnet. De var per definition abstrakte. Men hvem var den første til at lykkes med at lave et maleri, der var helt abstrakt?

Hans Hofmann - Stigende Måne, 1965, Olie på lærred, Privat samling, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Vil den ægte første abstraktør venligst rejse sig?

Næsten alle historikere er enige om, at det første abstrakte maleri var Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor), malet i 1910. Bestående af livligt farvede pletter, cirkler, linjer, krøller og farvefelter samlet på en tilsyneladende tilfældig måde, refererer værket på ingen måde til eksisterende visuelle elementer fra den fysiske verden. Konspiratorisk kunne vi, bare for sjov, postulere, at Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) ikke var det første rent abstrakte maleri. Et år tidligere, i 1909, malede den franske avantgarde-maler Francis Picabia Caoutchouc, et proto-kubistisk værk med ugenkendelige geometriske former indhyllet i tilsyneladende urelaterede farvefelter. Dette værk synes på ingen måde at repræsentere objektiv visuel virkelighed. Dog betyder ordet Caoutchouc løst naturlig gummisaft, en reference til råmaterialet til fremstilling af vulkaniseret gummi. Da vi aldrig har analyseret de visuelle elementer af uvulkaniseret gummi, kan vi ikke sige det, men måske er dette maleri repræsentativt. Hvem ved? Hvad vi ved er, at Kandinsky var en ivrig kunstteoretiker og produktiv kunstskribent. Han skrev entusiastisk om sin stræben efter at skabe verdens første rent abstrakte kunstværk. Han talte åbent om både sin hensigt om at blive grundlæggeren af abstrakt kunst og sin succes med at opnå det. Ingen kan benægte, at det var hans hensigt at være den første, uanset om nogen, der kom før ham, tilfældigt slog ham til det.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Olie på lærred, 85 1/4 x 73 1/2 tommer (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Hvad Kandinsky bestemt gjorde

Ved åbent at annoncere sin hensigt om at lave ren abstrakt kunst, befriede Kandinsky kunstnere fra deres afhængighed af referencer til den observerbare verden. Han skildte kunsten fra sin tidligere logik. Han åbnede feltet for dyb og hurtig eksperimentering. Han bragte til sin modenhed løftet fra romantikerne, at, som Caspar David Friedrich, den tyske romantiske kunstner sagde, "Kunstnerens følelse er hans lov."

Wassilly Kandinsky - Komposition IV, 1911, olie på lærred, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Verden i krig

I løbet af de følgende årtier eksperimenterede kunstnere vildt med abstraktion. Mange nye stilarter kom til verden, påvirket af abstraktionens kald til frihed og også af rædslerne fra Første Verdenskrig og fremkomsten af den mekaniske tidsalder. Kubisme påvirkede kunstnere til at reducere deres visuelle sprog til dets mest grundlæggende byggesten. Futurisme demonstrerede vitaliteten og kraften i linjen. Dadaisme udfordrede betydningen af kunst, idet den genbekræftede kunstens frihed fra og afvisning af borgerskabet. I 1920'erne åbnede Surrealisme kunstneres sind for kraften i det underbevidste. Med sit fokus på drømmelignende billeder og sin afvisning af bevidst logik, påvirkede det dybt abstrakte kunstnere til at eksperimentere mere med teknikker, medier og metoder, der kunne forbinde dem mere direkte med deres underbevidste selv.

Wassiliy Kandinsky - Komposition 6, 1913, Olie på lærred, 76 2/5 × 115 7/10 tommer, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Gør det nyt!

I 1930'erne krediteres den tyskfødte amerikanske maler Hans Hofmann for at have spredt de essentielle filosofier til Amerika, som kom til at blive kendt som modernisme, den seneste iteration af afvisningen af fortidens former og metoder. Selvom han selv var en abstrakt maler, opfordrede Hofmann sine studerende fra Californien til New York til at adoptere nye metoder til billedskabelse i søgen efter måder at konfrontere og udtrykke de bekymringer og vidundere, der præger et hastigt industrialiserende samfund. I 1934 opsummerede digteren Ezra Pound modernisternes holdning med sin nu berømte opfordring til kunstnere: “Gør det nyt!” Pound var en kontroversiel skikkelse, der til sidst flyttede til Italien, hvor han støttede de ledende fascistiske figurer under Anden Verdenskrig. Ikke desto mindre fik hans entusiastiske afvisning af det gamle rod i sindene hos abstrakte kunstnere, hvilket førte til kraftige forandringer på den nære horisont.

Wasilly Kandinsky - Black Spot I (detalje), 1912, Olie på lærred. 39,4 × 51,2 tommer (100,0 × 130,0 cm), Det Russiske Museum, Sankt Petersborg, Rusland

En ny renhed

Efter to verdenskrige, en global depression, hungersnød, grusomheder og to atomangreb på befolkede byer, kan omfanget af den gennemsnitlige menneskes angst i midten af 1940'erne ikke overvurderes. Denne angst gav anledning til en ny og udbredt interesse for det relativt unge felt af psykoanalyse. Blandt de mange millioner mennesker, der henvendte sig til psykoanalyse i denne periode, var Jackson Pollock , et af de førende medlemmer af en gruppe kunstnere kendt som Abstract Expressionists. Pollock blev udsat for psykoanalyse, mens han var i rehabilitering. Det åbnede hans sind for en verden af urviden, der var låst inde i hans underbevidsthed. Mange af hans samtidige søgte nye måder at forbinde sig med den skjulte essens af deres menneskelighed, og arbejdede på at udtrykke rå, primitiv følelse gennem deres malerier. Pollock søgte skjult billedsprog, i håbet om at han kunne forbinde sig med noget dybt inden i sig selv, noget mere rent end hvad der hidtil var blevet udtrykt af abstrakt kunst. Omkring 1947 var Pollock banebrydende med sin nu ikoniske drypsteknik. Denne teknik involverede påføring af maling på en overflade ved hjælp af kræfter som tyngdekraft og momentum, snarere end gennem direkte kontakt med værktøjer til et lærred. Ved at omfavne dette nye niveau af fysiskhed og fuldstændig afvise enhver form for genkendelig form, trådte Pollock ind i et nyt rige af ren abstraktion baseret udelukkende på underbevidst hensigt, farve, bevægelse, magt og kraft.

Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarel, 1910, Akvarel og indisk blæk og blyant på papir, 19,5 × 25,5 tommer, (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Begyndelsens Ende

Pollocks arbejde opfyldte på mange måder løftet om abstraktion: den totale frigørelse af kunstneren fra begrænsningerne af æstetisk forventning. Måske førte hans bestræbelser også til abstraktionens logiske ende. Pollock satte skarpt fokus på vigtigheden af tekstur, materialitet, proces og ideen om at se et kunstværk ikke som en overflade, hvorpå man kan formidle kunst, men som en samlet form i sig selv. Selvom disse begreber i en primitiv forstand er reflekteret i Pollocks arbejde, er de integrale for arbejdet hos Minimalisterne , som ville erstatte de abstrakte ekspressionister som de mest indflydelsesrige kunstnere i 1960'erne. Som Kandinsky, den førende medlem af Minimalistbevægelsen, var Donald Clarence Judd en ivrig kunstteoretiker og forfatter. Selvom han afviste Minimalistmærket, blev Judd repræsentant for dens ideer om at nedskære det visuelle sprog og rense begreberne om form og rum. I stedet for at afvise genkendelige visuelle referencer og objektiv virkelighed, fokuserede Minimalistiske kunstnere som Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt og Frank Stella på form, brugen af levende og ren farve, hårde linjer, minimal tekstur og moderne materialitet. I stedet for at abstrahere virkeligheden, manifesterede Minimalisterne de former, farver, former og linjer, der ofte blev udforsket i abstrakt kunst, og beboede dem i fysisk rum på en repræsentativ måde.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Det Nye Nye

Historien om abstrakt kunst er historien om kunstneres søgen efter frihed. Hvad det betyder i dag er, at kunstnere er frie til at udtrykke sig på enhver måde, de vælger, og udforske enhver metode, der tiltrækker dem. Skønheden ved dagens åbne stil er, at en kunstner kan bruge den stil, det medium eller den metode, der fungerer bedst for realiseringen af en idé. Selvom minimalisme måske har sidelignet abstrakt kunst i 1970'erne, er abstraktion vendt tilbage til fronten af mange kunstneres praksis. Nutidens abstrakte malere drager fordel af den åbensindede mentalitet fra deres forgængere. Abstraktion fortsætter med at forbinde os med noget, som objektiv virkelighed ikke kan forklare; noget dybt inden i os, der strækker sig ud over den synlige virkelighed.

Fremhævet billede: Wassily Kandinsky - Kandinskys første abstrakte akvarel, 1910, foto via Wikipedia

Alle billeder er kun til illustrative formål

Af Phillip Barcio