Hvad er konceptuel maleri?

Hver kunstværk var engang bare en idé i nogens hoved. Det er en sjov tanke, når man overvejer, hvor flygtige idéer kan være, og hvor svært det kan være at omsætte selv de bedste idéer til virkelighed. Konceptuel maleri, som et felt af kunstnerisk praksis, forsøger at konfrontere kløften mellem idéer og fysisk virkelighed. Det overvejer muligheden for, at for hvert maleri, der ender med at blive hængt op på en væg, er der utallige andre, der aldrig kom op på lærredet, og utallige alternative måder at male det, der kom op på væggen. Det går endda så langt som at sige, at maleriet måske slet ikke betyder noget; at det eneste, der virkelig betyder noget, er idéen. 

Bare tænk det

Nogle gange er den bedste måde at få noget gjort på at lade være med at tænke over det. Bare gør det, som sloganet siger. Når vi stopper op og tænker over, hvad vi laver, kan det lamme os, da vi stiller spørgsmålstegn ved, om det, vi laver, er værd at anstrengelsen, eller om det overhovedet har nogen værdi. Da de første abstrakte malere begyndte deres søgen efter at skabe rent abstrakte værker, var der meget tænkning i gang, og de var fulde af idéer. Men samtidig stillede nogle kunstnere spørgsmål om værdien af disse eller andre idéer.

I 1917 skabte Marcel Duchamp et kunstværk med titlen "Fontæne." Det var et urinal, der var vendt på hovedet og underskrevet "R. Mutt." Duchamp tog et almindeligt objekt og transformerede det, i dette tilfælde ved at vende det på hovedet og fjerne det fra dets utilitaristiske omgivelser, hvilket gjorde dets oprindelige brug obsolet og indbød til nye muligheder for betydning. "Fontæne" blev afvist af den udstilling, det blev indsendt til, men det blev benchmarken for, hvad der senere ville komme til at blive kendt som Konceptuel Kunst, en tendens til at placere værdien af en kunstners ideer over værdien af kunstnerens processer eller objekter.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 in, © Sarah Hinckley

Billedet er ingenting

Mange af de første konceptuelle malerier var slet ikke malerier. I 1953 fik kunstneren Robert Rauschenberg ideen om at slette et maleri. Han havde til hensigt at få det faktiske objekt til at forsvinde, kun efterlade ideen, og dermed hæve det til ny ærbødighed. Han mente, at for at opnå den fulde manifestation af sin idé, var der brug for, at en anden skulle holde objektet i agtelse. Han havde brug for at slette arbejdet fra en anden maler, ellers ville det bare være som at negere noget, der aldrig var.

Rauschenberg henvendte sig til sin ven Willem de Kooning og bad ham om at donere et elsket maleri til sit koncept. Selvom de Kooning i starten modstod, endte han med at give Rauschenberg en tegning, en han hadede at se forsvinde, og som ville være svær at slette. Rauschenberg brugte mere end et dusin viskelædere i løbet af mere end en måned og lykkedes endelig med at slette hele billedet. Resultatet, kaldet "Erased de Kooning Drawing," udtrykte selvsikkert den opfattelse, at ideen om et kunstværk er det, der er vigtigst, og at værket slet ikke behøver at eksistere.

Robert Rauschenberg - Udslettet de Kooning-tegning, 1953, Spor af tegneredskaber på papir, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation 

At gøre det usete

Begrebet om den primære betydning af ideen spredte sig hurtigt over den vestlige verden. Kunstnere begyndte at eksperimentere med enhver mulig manifestation af en idé, idet de troede, at hvis en idé skal manifestere sig, kan den manifestere sig på mange måder. Kunst om et billede af et træ kunne manifestere sig som et fotografi af et træ, et maleri af et træ, en tegning af et træ, et abstrakt maleri af et træ, ordene "billede af et træ" skrevet på en overflade, en performer der peger på et faktisk træ, en fortolkende dans der imiterer et træ, eller endda en kunstner der sidder på gulvet med lukkede øjne og tænker på et billede af et træ.

I 1958 afholdt kunstneren Yves Klein en maleriudstilling i Paris, der ofte omtales som "The Void." Den fulde titel på udstillingen var "Specialiseringen af følsomhed i råmaterialet til stabiliseret billedlig følsomhed, The Void." Ifølge legenden kom mere end 3000 besøgende for at se udstillingen. Ved indgangen til galleriet blev beskuerne mødt af et hvidt rum uden malerier, der kun indeholdt et tomt skab. Klein sagde om udstillingen, "Mine malerier er nu usynlige, og jeg vil gerne vise dem på en klar og positiv måde."

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olie på papir, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

I 1968 tilføjede den abstrakte maler Sol LeWitt en ny dimension til området for konceptuel maleri. Han teoretiserede, at det ikke kun er ligegyldigt, om en idé nogensinde manifesterer sig som et fysisk maleri, det er også ligegyldigt, hvordan det bliver malet, eller hvem der maler det. Alt der betyder noget, er kunstnerens oprindeligt udtrykte idé om maleriet. Som en demonstration af dette koncept begyndte LeWitt at designe vægmalerier, der kunne blive, og som normalt blev, udført af andre end ham selv.

LeWitts idé var, at hver enkelt hånd ville tegne hver linje forskelligt, så selvom de ville arbejde ud fra de samme planer, ville hver kunstner tegne vægmaleriet anderledes end alle andre. De færdige produkter ville variere fra det oprindelige design og fra hinanden, men da det oprindelige design er alt, der betyder noget, er variationen irrelevant, ligesom produktionsmetoderne. Arven fra LeWitts idé er, at hans konceptuelle vægmalerier stadig bliver reproduceret i dag, efter hans død.

John Monteith - Nattens Himmel, 2010, grafit på håndlavet papir, 24 x 17,7 tommer, © John Monteith

Idéernes fremtid

Nutidig konceptuel maleri fortsætter med at udvide vores forståelse af de ideer, der danner grundlaget for et kunstværk. Arbejdet fra den nutidige amerikanske abstrakte maler Debra Ramsay er forankret i ideer, der er fundamentale for vores tid. Hendes proces er at spore de skiftende farver i naturen, såsom dem fra sæsonbestemt flora, og derefter analysere disse farveændringer i et computerprogram. De resulterende data bruges til at skabe en palette, der refererer til de skiftende naturlige farver. Hun bruger derefter den palette til at skabe en abstrakt repræsentation af objekter i rummet, der ændrer sig over tid.

Ramsays arbejde minder om to grundlæggende ideer, der dominerer vores nuværende kultur. Den første er ideen om data, og forestillingen om, at hver eneste aspekt af vores liv bliver overvåget, digitaliseret, beregnet og analyseret i en monumental søgen efter forståelse. Den anden er ideen om, at naturen ændrer sig, og at vi nu måske kun kan se det ske og på en eller anden måde finde æstetisk skønhed i det. Ramsays ideer er smukt gengivet i form af abstrakte malerier, men det er ideerne selv, der gør hendes arbejde så relevant for vores kultur nu.

Debra Ramsay- Et år med farver, justeret for dagslængde, 2014, akryl på polyesterfilm, 39,8 x 59,8 tommer.

H7

Den canadiske abstrakte maler John Monteith arbejder i en række forskellige medier, mens han søger efter den mest succesfulde fysiske manifestation af sine kunstneriske koncepter. Et område, han ofte udforsker, er tekstens verden. Monteith udtrækker tekststykker fra andre kilder, han tilfældigvis støder på, mens han arbejder, såsom de daglige nyheder eller en bog eller en samtale. Han præsenterer derefter teksten ude af kontekst i et galleri-miljø, hvilket inviterer til nye konceptuelle fortolkninger af de ideer, der er indeholdt i ordene.

Ved at trække på flere mediekilder til den tekst, han bruger i værkerne, bringer Monteiths tekstbaserede tegninger et nutidigt synspunkt til værkerne af 1. generations konceptuelle kunstnere som Robert Barry, der også ofte arbejder med tekst. Barrys arbejde involverer at vise tekststykker på papir, lærred, vægge, gulve eller enhver anden overflade, der er egnet til ideen. Hans ord er ofte hans egne, men nogle gange tages de fra andre tekster, og de præsenteres på en måde, der inviterer til nye associationer og betydninger. Ofte præsenterer disse konceptuelle værker langt mere information, end et traditionelt maleri kunne, ved at kræve deltagelse af seerens egen fantasi. 

Materie og mening

I 1965, i et banebrydende værk af konceptuel kunst kaldet One and Three Chairs, præsenterede den konceptuelle kunstner Joseph Kosuth en faktisk stol, et fotografi af en stol og en skriftlig beskrivelse af, hvad en stol er. Ligesom så mange andre konceptuelle værker bragte det spørgsmålet om, hvad forskellen er mellem ideer, objekter og abstraktioner, i fokus.

Vi accepterer nu, at et konceptuelt maleri ikke nødvendigvis behøver at være et maleri, og at det slet ikke behøver at eksistere i materiel form. Men når det eksisterer, er det så vigtigt? Betydder det noget, at det er her, i den fysiske verden? Er der virkelig ingen forskel mellem objektet og ideen? Værdsætter vi virkelig ideen mere? Hvis vi var sultne, ville vi så hellere have en opskrift, et maleri af mad eller faktisk mad? I praktiske termer stiller og besvarer konceptuelt maleri et af menneskehedens vigtigste spørgsmål: Betydder det noget, hvad vi gør?

Fremhævet billede: Robert Barry - Uden titel (Noget som aldrig kan være en specifik ting), 1969,  Maskinskrivning på papir, 4 x 6 tommer, © Robert Barry

Alle billeder er kun til illustrative formål