Hvad er konceptuel maleri?

Hvert kunstværk var engang blot en idé i nogens hoved. Det er en sjov tanke, når man tænker på, hvor flygtige idéer kan være, og hvor svært det kan være at omsætte selv de bedste idéer til virkelighed. Konceptuel maleri, som et felt inden for kunstnerisk praksis, forsøger at konfrontere kløften mellem idéer og fysisk virkelighed. Det overvejer muligheden for, at for hvert maleri, der ender med at blive hængt op på en væg, findes der utallige andre, som aldrig nåede lærredet, og utallige alternative måder at male det, der faktisk kom op på væggen. Det går endda så vidt som at sige, at maleriet måske slet ikke betyder noget; at det eneste, der virkelig betyder noget, er idéen.

Bare Tænk Det

Nogle gange er den bedste måde at få noget gjort på, ikke at tænke på det. Bare gør det, som sloganet siger. Når vi stopper op og tænker over, hvad vi laver, kan det lamme os, fordi vi begynder at tvivle på, om det, vi gør, er det værd, eller om det overhovedet har nogen værdi. Da de første abstrakte malere begyndte deres søgen efter at skabe rent abstrakte værker, var der meget tænkning i gang, og de var fulde af idéer. Men samtidig stillede nogle kunstnere spørgsmål ved værdien af disse eller andre idéer.

I 1917 skabte Marcel Duchamp et kunstværk med titlen “Fountain.” Det var et urinal vendt på hovedet og signeret “R. Mutt.” Duchamp tog et almindeligt objekt og forvandlede det, i dette tilfælde ved at vende det på hovedet og fjerne det fra dets nyttige omgivelser, hvilket gjorde dets oprindelige funktion overflødig og åbnede op for nye muligheder for betydning. “Fountain” blev afvist af udstillingen, som det blev indsendt til, men det blev målestokken for det, der senere skulle blive kendt som Konceptuel Kunst, en tendens til at sætte kunstnerens idéers værdi over værdien af kunstnerens processer eller genstande.

Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9,8 tommer, © Sarah Hinckley

Billedet er Intet

Mange af de første konceptuelle malerier var slet ikke malerier. I 1953 fik kunstneren Robert Rauschenberg idéen om at viske et maleri ud. Han havde til hensigt at få det faktiske objekt til at forsvinde og efterlade kun idéen, og dermed ophøje den til ny ære. Han mente, at for at opnå den fulde manifestation af sin idé, skulle en anden værdsætte objektet. Han måtte viske en anden malers værk ud, ellers ville det blot være som at benægte noget, der aldrig havde eksisteret.

Rauschenberg henvendte sig til sin ven Willem de Kooning og bad ham donere et elsket maleri til hans koncept. Selvom de Kooning først modstod, endte han med at give Rauschenberg en tegning, som han hadede at se forsvinde, og som ville være svær at viske ud. Rauschenberg brugte mere end et dusin viskelædere over en periode på mere end en måned, før han endelig lykkedes med at viske hele billedet ud. Resultatet, kaldet “Erased de Kooning Drawing,” udtrykte med sikkerhed idéen om, at idéen bag et kunstværk er det vigtigste, og at værket slet ikke behøver at eksistere.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Spor af tegneredskaber på papir, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation

At Skabe det Usynlige

Idéen om idéens primære betydning spredte sig hurtigt over den vestlige verden. Kunstnere begyndte at eksperimentere med alle mulige måder at manifestere en idé på, idet de troede, at hvis en idé skal manifestere sig, kan det ske på mange forskellige måder. Kunst om et billede af et træ kunne manifestere sig som et fotografi af et træ, et maleri af et træ, en tegning af et træ, et abstrakt maleri af et træ, ordene “billede af et træ” skrevet på en overflade, en optrædende person, der peger på et rigtigt træ, en fortolkende dans, der efterligner et træ, eller endda en kunstner, der sidder på gulvet med lukkede øjne og tænker på et billede af et træ.

I 1958 holdt kunstneren Yves Klein en maleriudstilling i Paris, ofte kaldet “Tomrummet.” Den fulde titel på udstillingen var “Specialiseringen af følsomhed i råmaterialets tilstand til stabiliseret billedfølsomhed, Tomrummet.” Ifølge legenden kom mere end 3000 besøgende for at se udstillingen. Ved indgangen til galleriet mødte de et hvidt rum uden malerier, kun med et tomt skab. Klein sagde om udstillingen, “Mine malerier er nu usynlige, og jeg vil gerne vise dem på en klar og positiv måde.”

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Olie på papir, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

I 1968 tilføjede den abstrakte maler Sol LeWitt en ny dimension til konceptuel maleri. Han teoretiserede, at det ikke kun er ligegyldigt, om en idé nogensinde manifesterer sig som et fysisk maleri, men også hvordan det bliver malet, eller hvem der maler det. Det eneste, der betyder noget, er kunstnerens oprindelige udtrykte idé om maleriet. Som en demonstration af dette koncept begyndte LeWitt at designe vægmalerier, som kunne, og som regel blev, udført af andre end ham selv.

LeWitts idé var, at hver enkelt hånd ville tegne hver linje forskelligt, så selvom de arbejdede ud fra de samme planer, ville hver kunstner tegne vægmaleriet forskelligt fra alle andre. De færdige produkter ville variere fra det oprindelige design og fra hinanden, men da det oprindelige design er det eneste, der betyder noget, er variationen irrelevant, ligesom fremstillingsmåden er det. Arven fra LeWitts idé er, at hans konceptuelle vægmalerier stadig bliver genskabt i dag, efter hans død.

John Monteith - Nattehimmel, 2010, grafit på håndlavet papir, 24 x 17,7 tommer, © John Monteith

Idéernes Fremtid

Nutidens konceptuelle maleri fortsætter med at udvide vores forståelse af de idéer, der danner grundlaget for et kunstværk. Den nutidige amerikanske abstrakte maler Debra Ramsay arbejder med idéer, der er grundlæggende for vores tid. Hendes proces er at følge naturens skiftende farver, som for eksempel årstidernes flora, og derefter analysere disse farveskift i et computerprogram. De resulterende data bruges til at skabe en farvepalet, der refererer til naturens skiftende farver. Hun bruger derefter denne palet til at skabe en abstrakt gengivelse af objekter i rummet, der ændrer sig over tid.

Ramsays arbejde bringer to grundlæggende idéer til sinde, som dominerer vores nuværende kultur. Den første er idéen om data og forestillingen om, at alle aspekter af vores liv overvåges, digitaliseres, beregnes og analyseres i en monumental søgen efter forståelse. Den anden er idéen om, at naturen ændrer sig, og at vi måske nu kun kan betragte det ske og på en eller anden måde finde æstetisk skønhed i det. Ramsays idéer er smukt udført i form af abstrakte malerier, men det er idéerne selv, der gør hendes arbejde så relevant for vores kultur nu.

Debra Ramsay- Et År med Farve, Justeret efter Dagslængde, 2014, Akryl på polyesterfilm, 39,8 x 59,8 tommer.

H7

Den canadiske abstrakte maler John Monteith arbejder i flere forskellige medier, mens han søger efter den mest vellykkede fysiske manifestation af sine kunstneriske idéer. Et område, han ofte udforsker, er tekst. Monteith udtrækker tekststykker fra andre kilder, han støder på under arbejdet, såsom daglige nyheder, en bog eller en samtale. Han præsenterer derefter teksten uden for kontekst i et galleri, hvilket inviterer til nye konceptuelle fortolkninger af de idéer, der ligger i ordene.

Ved at trække på flere mediekilder til den tekst, han bruger i sine værker, bringer Monteiths tekstbaserede tegninger et nutidigt synspunkt til værker af 1. generations konceptkunstnere som Robert Barry, der også ofte arbejder med tekst. Barrys arbejde involverer at vise tekststykker på papir, lærred, vægge, gulve eller enhver anden overflade, der passer til idéen. Hans ord er ofte hans egne, men nogle gange er de hentet fra andre tekster, og de præsenteres på en måde, der inviterer til nye associationer og betydninger. Ofte præsenterer disse konceptuelle værker langt mere information end et traditionelt maleri ved at kræve beskuerens egen fantasi.

Stof og Betydning

I 1965 præsenterede den konceptuelle kunstner Joseph Kosuth i et banebrydende værk kaldet One and Three Chairs en rigtig stol, et fotografi af en stol og en skriftlig beskrivelse af, hvad en stol er. Ligesom så mange andre konceptuelle værker satte det fokus på spørgsmålet om forskellen mellem idéer, genstande og abstraktioner.

Vi accepterer nu, at et konceptuelt maleri ikke behøver at være et maleri, og det behøver slet ikke eksistere i materiel form. Men når det gør, er det så vigtigt? Betyder det noget, at det er her, i den fysiske verden? Er der virkelig ingen forskel på genstanden og idéen? Værdsætter vi virkelig idéen mere? Hvis vi var sultne, ville vi så helst have en opskrift, et maleri af mad eller rigtig mad? I praktiske termer stiller og besvarer konceptuelt maleri et af menneskehedens vigtigste spørgsmål: Betyder det noget, hvad vi gør?

Fremhævet billede: Robert Barry - Untitled (Noget, der aldrig kan være noget bestemt), 1969, Skrivemaskine på papir, 4 x 6 tommer, © Robert Barry

Alle billeder anvendt til illustration