Hvorfor Stanley Whitneys gittermalerier betyder noget
De seneste malerier af den amerikanske abstrakte maler Stanley Whitney har en distinkt gitterlignende kvalitet. De er arkitektoniske stakke af farver, der minder om neo-plastiske tv-farvebånd. Og hans seneste tegninger afslører endnu mere hans tiltrækning til gitteret, som består af enkle kompositioner af tykke sorte linjer, der ligner et rudimentært skakbræt eller fiskenet. Men Whitney har ikke altid været en gittermaler. Gitteret var noget, han brugte årtier på at gravitere mod. Faktisk, når man ser over de sidste fem årtiers malerier, kan man ikke undgå at knytte en slags progressiv fortælling til værket, en fortælling der har strakt sig langt ud over sine oprindelser og blevet både mere simpel og mere dyb undervejs. Dette er ironisk, fordi Whitney engang sagde i Modern Art News Podcast, at grunden til, at han adopterede et abstrakt visuelt sprog, var fordi, “jeg ville ikke rigtig være en historiefortæller.” Men hans æstetiske udvikling fortæller en historie. Det er ikke en typisk, heroisk, begyndelse-midt-slut type historie. Det er snarere mere som en kronologi eller en serie af nyhedsrapporter fra frontlinjerne i en igangværende kamp. Den kamp, som Stanley Whitney har kæmpet siden endda før han vendte sig mod abstraktion i slutningen af 1960'erne, er med maleri- og tegne medierne og deres rolle i udtrykket af farve og rum.
En farverig ungdom
Det er ikke overraskende, at Stanley Whitney er blevet kendt for sin undersøgelse af farve. Nu i 70'erne fortæller han en dejlig historie om at være en ti-årig dreng, der deltager i sin første maleklasse på en lokal skole i sin hjemby Bryn Mawr, Pennsylvania. Læreren instruerede børnene i klassen til at male selvportrætter. Mens de andre studerende forsøgte at fange deres forskellige realistiske ansigtstræk, følte Whitney sig mere draget af farve end af repræsentative emner.
I stedet for at forsøge at blande en farvepalette, der relaterede til hans faktiske udseende, lavede han et selvportræt, der inkluderede hver farve, han kunne komme i tanke om. Whitney siger, at læreren kunne lide maleriet, men hans forældre forstod det ikke. De sendte ham aldrig tilbage til klassen. Men det stoppede ikke Whitney fra at blive draget af mulighederne i maleri og farve. Faktisk er det ikke en overdrivelse at sige, at lige siden den dag som ti-årig i sin første malerklasse, har Stanley Whitney forblevet engageret i at søge efter den ideelle måde at gøre farve til sit emne.
Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake
At finde plads
Udover sin tiltrækning til farver blev Stanley Whitney også som ung draget af tegneprocessen. Hans sort-hvide tegninger syntes i starten at være urelaterede til hans kærlighed til farver, men der var en subtil forbindelse mellem de to, som det tog ham mange år at indse. Forbindelsen har noget at gøre med rum. Da han lavede sine sort-hvide tegninger, fandt han ud af, at fordelingen af rum kunne ske på utallige måder, mens linjerne forhandler deres forhold til det hvide rum i kompositionen. Da han dog blev mere dygtig til at male, blev han forvirret over, hvordan han kunne opnå den samme forhandling af rum med farve.
I hans tidlige figurative værker føles farverne klaustrofobiske og stramme. I hans første forsøg på abstraktion, som var variationer over Color Field Painting med tilføjede gestural markeringer, føles farverne for løse. Han sagde: “Jeg vil have meget luft i værket. Jeg vil have meget plads i værket.” Men han syntes at være hæmmet af præcist hvordan man skaber luftighed oven på lærredets rum. Hans åbenbaring kom i 1970'erne på en rejse til Middelhavet. Mens han besøgte Egypten og Rom så han svaret i arkitektur og lys. Den antikke arkitektur udtrykte struktur, kontrol og det demokratiske potentiale i stablede elementer. De middelhavs skygger og lys viste ham, at farve og lys er det samme, og at kolde og varme farver, ligesom kolde og varme lys, udtrykker rum. Det låste en malerisk gåde op, som han siger: “Luft og rum kunne være i farven, ikke at farven var på rummet.”
Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake
En metodisk proces
“Det var begyndelsen på, at tingene kom sammen,” siger Whitney. Fra det tidspunkt har han langsomt udviklet sig mod de gittermalerier, han laver i dag. Han har udforsket brugen af graffiti-lignende gestusser for at bestemme, hvordan farve kan udtrykkes gennem linje, ligesom i arbejdet af Mondrian. Han har undersøgt måder at nærme sig gitteret på, fra stablede former til rækker af prikker og bånd af farver. Han vidste, at han ønskede en skeletstruktur til at indeholde sine farver på en retfærdig måde, men at han heller ikke ønskede, at gitterets regler skulle tvinge hans værker i en bestemt retning. Han ønskede at finde den perfekte blanding af struktur og frihed, ligesom Jazz.
Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake
De modne gitterværker, som Stanley Whitney nu laver, er rene og stabile. De synes endda i starten at mangle noget af den grit og angst, der gjorde hans tidligere bestræbelser så levende. Men ved nærmere eftersyn er de maleriske spor fra den menneskelige hånd tydelige, og kompleksiteten i kompositionerne afslører den dybde, som Whitney stadig kæmper med i sit dilemma. Han har fundet en måde at gøre farve til sit emne. Han har opdaget hemmeligheden om, at farve og lys er det samme, og begge er manifestationer af rum. Og gennem disse opdagelser har han skabt et værk, der er rigt og uden tvivl fuld af mening. Men på trods af sine opdagelser er han forblevet på kanten af barberbladet, aldrig afslørende, eller måske aldrig vidende eller interesseret i at vide, præcist hvad den mening er.
Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake
Fremhævet billede: Stanley Whitney - Uden titel, 2016, olie på lærred, foto kredit til Galerie Nordenhake
Alle billeder © kunstneren og Galerie Nordenhake;
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio
