Hvorfor Stanley Whitneys gittermalerier betyder noget

De seneste malerier af den amerikanske abstrakte maler Stanley Whitney har en tydelig gitterlignende kvalitet. De er arkitektoniske lag af farver, der vækker mindelser om neo-plastiske tv-farvebjælker. Og hans seneste tegninger afslører endnu tydeligere hans tiltrækning til gitteret, bestående af enkle kompositioner med tykke sorte linjer, der minder om et primitivt skakbræt eller fiskenet. Men Whitney var ikke altid en gittermaler. Gitteret var noget, han brugte årtier på at nærme sig. Faktisk kan man, når man ser tilbage på de sidste fem årtiers malerier, ikke undgå at knytte en slags fremadskridende fortælling til værkerne, en fortælling, der har udviklet sig langt ud over sine oprindelser og undervejs er blevet både mere enkel og mere dybdegående. Det er ironisk, fordi Whitney engang sagde i Modern Art News Podcast, at grunden til, at han tog en abstrakt billedsprog til sig, var, “jeg ønskede egentlig ikke at være en fortæller.” Men hans æstetiske udvikling fortæller alligevel en historie. Det er ikke en typisk, heroisk begyndelse-midte-slut-agtig fortælling. Det er snarere som en kronologi eller en række nyhedsrapporter fra frontlinjerne i en igangværende kamp. Den kamp, som Stanley Whitney har ført siden før han overgik til abstraktion i slutningen af 1960’erne, er med maleriets og tegningens medier og deres rolle i udtrykket af farve og rum.

En farverig ungdom

Det er ikke overraskende, at Stanley Whitney er blevet kendt for sin undersøgelse af farve. Nu i 70’erne fortæller han en dejlig historie om at være ti år gammel og deltage i sin første malerklasse på en lokal skole i sin hjemby Bryn Mawr, Pennsylvania. Læreren bad børnene i klassen om at male selvportrætter. Mens de andre elever forsøgte at fange deres forskellige realistiske ansigter, følte Whitney sig mere draget af farve end af genkendelige motiver.

I stedet for at forsøge at blande en farvepalet, der svarede til hans faktiske udseende, lavede han et selvportræt, der indeholdt alle farver, han kunne finde på. Whitney siger, at læreren kunne lide maleriet, men hans forældre forstod det ikke. De sendte ham aldrig tilbage til klassen. Men det forhindrede ikke Whitney i at blive draget af maleriets og farvens muligheder. Faktisk er det ikke overdrevet at sige, at siden den dag som tiårig i sin første malerklasse har Stanley Whitney været fast besluttet på at finde den ideelle måde at gøre farven til sit motiv.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, fotokreditter til Galerie Nordenhake

At finde rum

Ud over sin tiltrækning til farve var Stanley Whitney som ung også draget af tegneprocessen. Hans sort-hvide tegninger syntes først at være uden forbindelse til hans kærlighed til farve, men der var en subtil forbindelse mellem de to, som det tog ham mange år at forstå. Forbindelsen har noget at gøre med rum. Når han lavede sine sort-hvide tegninger, fandt han ud af, at fordelingen af rum kunne ske på utallige måder, efterhånden som linjerne forhandlede deres forhold til det hvide rum i kompositionen. Men efterhånden som han blev mere dygtig til at male, var han forvirret over, hvordan han kunne opnå den samme forhandling af rum med farve.

I sine tidlige figurative værker føles farverne klaustrofobiske og tætte. I sine første forsøg på abstraktion, som var variationer over Color Field Painting med tilføjede gestiske mærker, føles farverne for løse. Han sagde, “Jeg vil have meget luft i værket. Jeg vil have meget rum i værket.” Men han syntes fastlåst i, hvordan han præcist skulle skabe luftighed oven på lærredets rum. Hans opdagelse kom i 1970’erne på en rejse til Middelhavet. Under besøg i Egypten og Rom så han svaret i arkitektur og lys. Den gamle arkitektur udtrykte struktur, kontrol og det demokratiske potentiale i stablede elementer. Middelhavets skygger og lys viste ham, at farve og lys er det samme, og at kolde og varme farver, ligesom koldt og varmt lys, udtrykker rum. Det løste en gåde i maleriet, som han siger, “Luften og rummet kunne være i farven, ikke at farven var på rummet.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, grafit på papir, fotokreditter til Galerie Nordenhake

En metodisk proces

“Det var begyndelsen på, at tingene faldt på plads,” siger Whitney. Fra det tidspunkt har han langsomt udviklet sig mod de gittermalerier, han laver i dag. Han har udforsket brugen af graffiti-lignende bevægelser for at bestemme, hvordan farve kan udtrykkes gennem linje, ligesom Mondrian. Han har undersøgt måder at nærme sig gitteret på, fra stablede former til rækker af prikker og bånd af farver. Han vidste, at han ønskede en skeletagtig ramme til at indeholde sine farver på en retfærdig måde, men han ønskede heller ikke, at gitterets regler skulle tvinge hans værker i en bestemt retning. Han ville finde den perfekte blanding af struktur og frihed, som i jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, olie på hør, fotokreditter til Galerie Nordenhake

De modne gitterværker, som Stanley Whitney nu laver, er rene og stabile. De synes endda ved første øjekast at mangle noget af den råhed og angst, der gjorde hans tidligere forsøg så levende. Men ved nærmere eftersyn er de maleriske spor af den menneskelige hånd tydelige, og kompositionernes kompleksitet afslører den dybde, hvormed Whitney stadig kæmper med sit dilemma. Han har fundet en måde at gøre farven til sit motiv. Han har opdaget hemmeligheden, at farve og lys er det samme, og begge er udtryk for rum. Og gennem disse opdagelser har han skabt en samling værker, der er rig og ubestrideligt fuld af mening. Men på trods af sine opdagelser har han forblevet på knivæggen, uden nogensinde at afsløre, eller måske uden nogensinde at vide eller ønske at vide, præcis hvad den mening er.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, olie på lærred, fotokreditter til Galerie Nordenhake

Forsidebillede: Stanley Whitney - Untitled, 2016, olie på hør, fotokreditter til Galerie Nordenhake
Alle billeder © kunstneren og Galerie Nordenhake;
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio