Abstraktion ist im Physischen - Jules Olitski

Die Karriere des ukrainisch-amerikanischen Künstlers Jules Olitski (1922 – 2007) erinnert uns daran, dass Kunst kein festes menschliches Unterfangen ist, das von jedem Praktizierenden auf die gleiche Weise ausgeführt werden muss, wie zum Beispiel das Fliegen eines Passagierflugzeugs. Künstler sind - oder sollten es sein - völlig frei, das Feld so oft sie wollen neu zu erfinden. Olitski ließ sich nur von einem Faktor leiten: seiner Intuition. Er hatte eine Vision eines Bildes oder eines Gefühls, das er einfangen wollte, oder einer materiellen Präsenz, die er manifestieren wollte, und machte sich daran, es Wirklichkeit werden zu lassen. Ob seine Vision mit Trends oder Geschmäckern übereinstimmte, spielte keine Rolle. Die meisten Menschen nennen seine Arbeiten abstrakt, aber er selbst machte diese Unterscheidung nicht, vielleicht weil seine besondere Vision für ein Gemälde für ihn eine eigene Art von Sujet war. Wenn man davon träumt, einen Farbnebel in der Luft zu malen, und dann ein Gemälde schafft, das diesen Traum verwirklicht, dann ist dieses Gemälde genau das, was es beschreibt: ein Gemälde eines Farbnebels, der in der Luft hängt. Wie viel konkreter kann man werden? Zum Thema Ratschläge an andere Künstler sagte Olitski einmal: „Erwarte nichts. Mach deine Arbeit. Feiere!“ Er könnte seinen Zuschauern einen ähnlichen Rat gegeben haben: „Erwarte nichts. Schau dir die Arbeit an. Feiere!“ Dennoch ist die Kunstschätzung ein separates Vergnügen von der Kunstkritik. Kritiker, Historiker und Kunsthändler hatten lange Zeit Schwierigkeiten, genau zu wissen, wo sie Olitski innerhalb des linearen Märchens der Kunstgeschichte einordnen sollten, vielleicht weil Olitski sich nie die Mühe machte, sich zu fragen, wo er hineinpasste. Er wechselte so oft Stile, Medien und Methoden, dass er nicht nur schwer zu historisieren ist, sondern auch schwer zu kommerzialisieren, da so viele Sammler in der Lage sein wollen, über die Künstler, die sie sammeln, in Form einer praktischen Kurzfassung zu sprechen: „Das ist der Rastermaler. Das ist die Dame, die die Spinnen gemacht hat. Das ist der Typ, der die Kästen gemacht hat. Usw.“ Das kann man mit Olitski nicht machen. Er hat zu viele Dinge getan, um nur für eines bekannt zu sein. Wir sind daher mit nur einer Option festgelegt - der besten Option: „Erwarte nichts. Schau dir die Gemälde an. Feiere.“

Malerei am Rand

Geboren in Snovsk, dem heutigen Ukraine, emigrierte Olitski mit seiner Mutter im Alter von einem Jahr in die Vereinigten Staaten, nachdem sein Vater von dem örtlichen sowjetischen Kommissar ermordet worden war. Sie ließen sich in Brooklyn, New York, nieder, und bereits in der High School zeigte Olitski eine ausgeprägte Neigung zur Kunst. Er gewann einen Preis, um Kunst in Manhattan zu studieren, und erhielt schließlich ein Stipendium für das Pratt Institute. Nach seiner Einberufung zum Zweiten Weltkrieg nutzte Olitski seine G.I. Bill-Vorteile, um seine Kunstausbildung in Paris fortzusetzen. Dort studierte er die Modernisten-Meister aus nächster Nähe und stellte sich seinen eigenen Dämonen. Besonders bemerkenswert war, dass ihm bewusst wurde, dass er von seiner eigenen Ausbildung kontrolliert wurde. Eine Übung, bei der er sich beim Malen die Augen verband, veranschaulicht seinen Wunsch, die Manipulation seiner eigenen Ideen zu überwinden. Diese Hingabe an kreative Freiheit begleitete ihn für den Rest seines Lebens.

Jules Olitski - Mit Liebe und Missachtung: Rapture Blessing, 2002. Acryl auf Leinwand. 60 x 84 Zoll. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Seine ersten Kunstausstellungen in den 1950er Jahren waren von stimmungsvollen, dunklen, impastierten Abstraktionen geprägt, wie zum Beispiel "In Memory of Slain Demikovski" (1958), einem Werk, das nach seinem Vater benannt ist. Bis 1960 nahm Olitski jedoch einen völlig anderen Ansatz an, indem er neue Arten von Acrylfarben verwendete, um flache, lebhaft gefärbte Kompositionen zu schaffen, in denen biomorphe, amöbenartige Formen scheinbar in bildlichen Petrischalen ins Leben blubbern. Fünf Jahre später änderte er erneut die Richtung, diesmal mit einer industriellen Spritzpistole, um seinen Traum zu verwirklichen, "einen Farbnebel zu malen, der wie eine Wolke hängt, aber seine Form nicht verliert." Seine Spritzpistolen-Gemälde besitzen in der Tat viele der gleichen ätherischen Eigenschaften wie gasförmige Wolken in einer fernen Nebelgalaxie, die von den Explosionen sterbender Sterne beleuchtet werden. Diese Werkgruppe brachte Olitski wirklich zum Nachdenken über das, was er den "Rand" eines Bildes nannte. "Ein Gemälde wird von innen nach außen gemacht", sagte er. Der äußere Rand des Werkes war seiner Auffassung nach jedoch nicht der Rand der Leinwand, sondern der Rand der Farbe. Olitski erkannte, dass Farbe über die Grenzen der Farbe hinausgeht, getragen von Licht und mentaler Wahrnehmung in den liminalen Raum zwischen der Oberfläche des Gemäldes und unseren Augen.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Orange), 1970. Siebdruck. 35 x 26 Zoll. (Werk); 36 x 27 Zoll. (gerahmt). © Jules Olitski

Struktur und Fluss

Um die Mitte der 1970er Jahre änderte Olitski erneut seine Methoden und verband seine frühere, gedämpfte Impasto-Technik mit der Verwendung einer Spritzpistole, wodurch er Gemälde wie „Secret Fire – 2“ (1977) schuf, die trotz einer ätherischen Farbpalette eine deutliche materielle Präsenz projizieren. Er entwickelte diese Mischung von Methoden weiter und schuf in den 1980er Jahren eine Reihe gewagter, metallischer Abstraktionen, wie „Eternity Domain“ (1989), sowie in den 1990er Jahren eine Reihe höllisch urtümlicher Werke, wie „Upon a Sea“ (1996). Obwohl visuell vielfältig, teilen diese Werke alle ein ähnliches leitendes Prinzip, das Olitski wie folgt zusammenfasste: „Ich denke an Malerei als besessen von einer Struktur, aber einer Struktur, die aus dem Fluss des Farbgefühls geboren ist.“ Die Gemälde, die Olitski in den letzten Jahren seines Lebens schuf, wie „With Love and Disregard: Rapture“ (2002), drücken dieses leitende Prinzip auf dramatische Weise aus. Die Struktur ihrer materiellen Präsenz ist so unnachgiebig wie ein Stein, doch ihre Leichtigkeit des Seins beansprucht unmissverständlich ihr chromatisches Geburtsrecht im „Fluss des Farbgefühls.“

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna auf Leinwand. 88 x 71 1/2 Zoll (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Neben seiner lebenslangen abstrakten Malerei zog Olitski kontinuierlich figurative Porträts und Landschaften. Er hatte auch eine produktive Skulpturenkarriere, die, wie seine Malerei, von nichts anderem als seiner eigenen Vorstellungskraft eingeschränkt war. Als Kind erhielt Olitski von seinem Stiefvater den Spitznamen Prinz Patutsky. Dieser Name taucht immer wieder in seinem Werk auf: „Patutsky im Paradies“ (1966); „Patutsky Leidenschaft“ (1963); „Befehl von Prinz Patutsky“ (1966). Es ist genau diese Hingabe an kindliche Unschuld, die ich in allem sehe, was Olitski als Künstler erreicht hat. Die Kunstgeschichte verleiht normalerweise nur Künstlern, die zu Beginn ihrer Karriere radikal sind, den Status einer Legende, gefolgt von „Reife“ und dann Wiederholung. Olitski passte nicht in dieses Charakterbild. So experimentell und frei, wie er konnte, machte er einfach seine Arbeit, ohne Erwartungen, und feierte. Das macht ihn für mich zu einer Legende.

Vorschaubild: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna auf Leinwand. 79 x 109 Zoll (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio