Die einflussreichsten lebenden afroamerikanischen abstrakten Künstler

Afroamerikanische abstrakte Künstler – besonders jene, die von Sklaven abstammen – stehen ständig unter Druck, sowohl von innen als auch von außen, ihre Identität zum zentralen Bestandteil ihrer Arbeit zu machen. Dieser Druck ist verständlich angesichts der weitreichenden, systemischen Vorurteile, denen afroamerikanische Künstler ausgesetzt sind, bedeutet aber auch, dass schwarze abstrakte Künstler, die ihr Fachgebiet voranbringen wollen, nicht nur mit denselben ästhetischen, intellektuellen und kunsthistorischen Fragen konfrontiert sind wie alle anderen abstrakten Künstler, sondern auch gegen implizite Vorurteile bezüglich des Inhalts ankämpfen müssen. Bereits 2017, nach der Eröffnung von Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power in der Tate Modern, bemerkte ein Künstler, dessen Werk in dieser Ausstellung gezeigt wurde, privat zu mir über das Gemälde „Trane“ (1969) von William T. Williams, das ebenfalls Teil der Ausstellung war: „Dieses Gemälde“, sagte diese Person, „hat nichts damit zu tun, schwarz zu sein.“ Mein weißes Privileg hinderte mich daran, eine Beurteilung zu fällen. Alles, was ich tun konnte, war zuzuhören und dann meine eigene Wahrheit auszudrücken, nämlich dass „Trane“ eines der dynamischsten und aufregendsten Gemälde ist, die ich je gesehen habe. Es verkörpert eine ähnliche elektrische, polyrhythmische Sensibilität wie die Musik von John Coltrane, nach dem es benannt ist. So unwichtig es auch sein mag, ist meine Meinung, dass es, egal wer man ist, eine politische Handlung ist, Kunst zu schaffen, die sich nicht speziell mit politischen Anliegen befasst. Afroamerikanische Künstler sind marginalisiert, egal welche Art von Arbeit sie schaffen. Zusätzliche Marginalisierung schwarzer abstrakter Künstler zuzufügen, fühlt sich an wie Grausamkeit auf Grausamkeit. Künstler brauchen keinen Druck bezüglich des Inhalts. Sie brauchen Ermutigung, sich ehrlich auszudrücken. Ich finde es heldenhaft, wenn ein Künstler angesichts willkürlicher Kritik weiter strebt. Vor diesem Hintergrund, obwohl es noch viele weitere gibt, die ebenfalls ins Rampenlicht gehören, sind hier neun lebende afroamerikanische abstrakte Künstler, die das Fachgebiet selbstbewusst voranbringen und deren Werk für mich einflussreich war.

Shinique Smith

Shinique Smith schafft Werke, die verspielt und doch furchteinflößend sind; körperlich und doch geistig; zeitlos und doch unbestreitbar zeitgenössisch. Jede ihrer Kompositionen – sei es ein Gemälde, eine Skulptur oder eine Installation – wirkt so komplex und in sich geschlossen wie ein Weidenbaum oder ein Bienenschwarm. Die Arbeit ist unverkennbar von Gestik und Linie belebt, doch ihre Gesten über die Ebene hinaus verwandeln sie in einen Ausdruck von etwas Vielschichtigem und Organischem. Für mich fasst das Werk perfekt zusammen, was Natur und Stadt gemeinsam haben.

Shinique Smith – Codex, 2019. © Shinique Smith

Mary Lovelace O’Neal

Kurz gesagt, jedes Gemälde von Mary Lovelace O’Neal, das ich sehe, überrascht mich. O’Neal stellt immer wieder in Frage, was eine malerische Komposition sein kann. Gewicht ist das Wort, das mir beim Betrachten ihrer Gemälde einfällt: das Gewicht, das sie dem Licht verleiht; oder das Gewicht, das sie in scheinbar leeren Raum haucht. Von ihren minimalen, linearen Arbeiten bis zu ihren kugeligen, frei gestalteten Farbausbrüchen zeigt O’Neal immer wieder ihre Bereitschaft, die Grenzen von Gleichgewicht und Harmonie zu testen.

Mary Lovelace O’Neal – Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982. Mischtechnik auf Leinwand. 206 x 351 cm. © Mary Lovelace O’Neal. Fotografie Kija Lucas, mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin.

Odili Donald Odita

Zerbrochener Raum fällt mir ein, wann immer ich ein Gemälde von Odili Donald Odita sehe. Dieser in Nigeria geborene abstrakte Maler, der als Kind mit seiner Familie nach Columbus, Ohio, auswanderte, besitzt die meisterhafte Fähigkeit, Farben und Formen in Konflikt zueinander auf einer flachen Ebene zu setzen. Die daraus entstehenden Beziehungen eröffnen verstörende visuelle Welten voller Schwingung und Bewegung. Zwischen chaotisch und erhaben pulsierend, erweitern seine Gemälde das lange gesuchte Erbe des Dynamismus, das abstrakte Künstler mindestens seit der Zeit des Pointillismus beschäftigt.

Odili Donald Odita – Phantom’s Shadow, 2018. Acryl auf Leinwand. 127 x 127,5 cm. Stevenson. © Odili Donald Odita

Sam Gilliam

Sam Gilliam ist seit den 1960er Jahren eine prägende Figur der abstrakten Kunstszene in Washington D.C., als er seine charakteristische Methode entwickelte, Farbe direkt auf ungespannte Leinwände zu gießen, diese dann zusammenzuknüllen und an der Wand oder von der Decke hängen zu lassen. Seine Gemälde verkörpern Farbe und Form und drücken die zeitlose Zusammenarbeit von Wahl und Zufall aus. Himmlisch und rhythmisch, beruht ihr transzendenter Charakter zugleich auf irdischem Materialismus und vergänglicher Spiritualität.

Sam Gilliam – 10/27/69, 1969. Acryl auf Leinwand, Installationsmaße variabel, ungefähre Maße: 355,6 x 469,9 x 40,6 cm, Sammlung des Museum of Modern Art, New York, NY, mit freundlicher Genehmigung der David Kordansky Gallery, Los Angeles, Fotografie Fredrik Nilsen Studio.

Jennie C. Jones

Ich habe Jennie C. Jones als Minimalistin bezeichnet gehört, vielleicht weil ihre Bildsprache viele geometrische Formen und einfarbige Flächen verwendet. Ich halte ihre Arbeit jedoch nicht für minimalistisch. Ganz im Gegenteil: Ich finde sie vielschichtig und facettenreich. Je länger ich ihre Gemälde betrachte, desto mehr offenbaren sie. Zum Teil lässt sich dieses Phänomen darauf zurückführen, dass Jones keinen Teil ihrer Objekte verschwendet – von den abgeschrägten oder bemalten Kanten bis hin zu ihrer sorgfältigen Überlegung, wie Schatten fallen. Sie ist eine geschickte Schöpferin ästhetischer Relikte, die Welten der Wahrnehmung eröffnen, die nuanciert und tiefgründig sind.

Jennie C. Jones – Constant Structure im Arts Club of Chicago, 19. März – August 2020. Bild: Pierre Le Hors. © Jennie C. Jones

McArthur Binion

Als ich zum ersten Mal ein Gemälde von McArthur Binion sah, dachte ich, ich sehe ein einfaches, modernistisches Raster. Dennoch fand ich es fesselnd, ja sogar tiefgründig. Als ich näher herantrat, erkannte ich, dass in das Raster Ausschnitte von Seiten eines Tagebuchs eingebettet waren. Ein anderes nahegelegenes Rastergemälde bestand bei genauerem Hinsehen aus Hunderten winziger Kopien eines Gesichtsbildes. Das Gesicht war das des Künstlers; die Seiten stammten aus seinem Adressbuch. Auf die reinste und persönlichste Weise fügt Binion sich selbst in die Geschichte der abstrakten Kunst ein und erweitert deren Erbe in einen frischen und herzlichen Raum.

McArthur Binion – Hand:Work, 2018. Ölkreide und Papier auf Holzplatte. 183 x 122 x 5 cm. © McArthur Binion

Stanley Whitney

Stanley Whitney erinnert mich daran, wie wesentlich Menschlichkeit für abstrakte Kunst ist. Was der Modernismus aus der Abstraktion im Dienst von Neuheit und/oder Perfektion auslöschte, bringt Whitney wieder hinein. Seine unvollkommenen, malerischen Raster umarmen die vertraute Lebendigkeit der Farbe und die üppige Schönheit der Farbe selbst.

Stanley Whitney – Untitled, 2013. © Stanley Whitney. Mit freundlicher Genehmigung der Lisson Gallery.

Frank Bowling

Frank Bowling schafft Gemälde, die auf die Bedeutungswelten hinweisen, die zwischen Farbe und Struktur verborgen liegen. In seinen Kompositionen sind oft Kartenreferenzen eingebettet, die häufig den Kontinent Afrika in den Mittelpunkt stellen. Die formalen, abstrakten Elemente drängen sich dennoch immer wieder in den Vordergrund – ein subtiler Ausdruck und eine Ablehnung des grundlegenden Konflikts, dem jeder afroamerikanische abstrakte Künstler gegenübersteht.

Frank Bowling – Elder Sun Benjamin, 2018. Acryl und Mischtechnik auf Leinwand. 303,1 x 517 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA). © Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London

James Little

James Little versteht es meisterhaft, Gemälde zu schaffen, die das Auge zwingen, sie nicht auf einmal zu erfassen. Er ist ein Meister darin, unseren Drang zur Vereinfachung zu überwinden. In seinen Werken vervielfachen sich chromatische Eindrücke, bis wir schließlich anerkennen müssen, dass die einfache Freude, sich der Empfindung hinzugeben, wichtiger und befriedigender ist, als wir uns gewöhnlich erlauben zu glauben.

James Little – Exculpatory Evidence, 2019. Öl auf Leinen. 101,6 x 129,5 cm. Louis Stern Fine Arts. © James Little

Beitragsbild: Odili Donald Odita – Heat Wave, 2018. Acryl auf Leinwand. 204 x 264 cm. Stevenson. © Odili Donald Odita
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio