Abstraktion und die Verwendung verschiedener Linienarten in der Kunst

Linie ist eines der formalen Elemente der Kunst. Zusammen mit Elementen wie Farbe, Form, Textur und Raum ist sie etwas Ästhetisches, über das man nachdenken kann, abgesehen von den subjektiven, interpretativen Komponenten eines Kunstwerks. Die Diskussion über Linie in der Kunst ist ungefähr gleichbedeutend mit der Diskussion über Aroma in Wein oder Geschmack in Lebensmitteln. Sie ist ein Teil eines größeren ästhetischen Erlebnisses. Objektiv verwenden Maler Linien, um Formen zu umreißen und Perspektive zu schaffen, unter anderem. Aber es gibt auch eine Theorie, die vorschlägt, dass verschiedene emotionale Zustände durch unterschiedliche Arten von Linien in der Kunst inspiriert werden können. Zum Beispiel vermittelt eine horizontale Linie angeblich Ruhe, da sie die Position eines Körpers in Ruhe nachahmt; eine vertikale Linie vermittelt angeblich Spiritualität, weil sie Höhe impliziert; gemischte horizontale und vertikale Linien vermitteln angeblich Stabilität; diagonale Linien vermitteln angeblich Bewegung; und geschwungene Linien vermitteln angeblich Menschlichkeit und Sinnlichkeit. Es ist unbekannt, ob typische, ungeschulte Betrachter tatsächlich solche Gefühle empfinden, wenn sie ein Gemälde betrachten; insbesondere da das Thema die Botschaften beeinflussen kann, die angeblich durch Linien kommuniziert werden. Aber vielleicht können wir, indem wir betrachten, wie verschiedene abstrakte Maler im Laufe der Jahre Linien verwendet haben, herausfinden, ob es tatsächlich zugrunde liegende Wahrheiten gibt, die den emotionalen Zustand der Betrachter und die Ästhetik der Linie in der Kunst verbinden.

Spiritualität und Linie

Neben der Tatsache, dass er einer der ersten westlichen Maler war, der eine völlig nicht-repräsentationalle Form der Malerei verfolgte, war der russische Künstler Wassily Kandinsky zutiefst besorgt darüber, Spiritualität durch seine Kunst zu vermitteln. 1912 veröffentlichte er ein Buch mit dem Titel Über das Geistige in der Kunst. Darin diskutierte er seinen Wunsch, durch visuelle Kunst das zu erreichen, was die Musik bereits durch Klang erreicht hatte: die Kommunikation von Universalitäten durch eine abstrakte ästhetische Sprache.

Im Jahr 1926, nach umfangreichen Tests seiner ästhetischen Theorien, veröffentlichte Kandinsky ein weiteres Buch mit dem Titel Punkt und Linie zu Fläche. Diese Abhandlung erklärte definitv seinen Glauben an die emotionale Wirkung der Linie in der Kunst. Die Gemälde, die er um diese Zeit schuf, können als Demonstrationen seiner Theorien gelesen werden. Sie verwenden die Linie formal, um Formen zu umreißen, dimensionale Formen zu schaffen und Perspektive zu erzeugen, und auch, um emotionale Effekte zu inspirieren. Ein ikonisches Beispiel ist das Gemälde Komposition VIII, das für sein Gefühl von Harmonie und kompositorischem Gleichgewicht bewundert wird. Darin bieten gekreuzte horizontale und vertikale Linien im unteren Rahmen eine stabile Grundlage für die Komposition. Mehrere diagonale Linien erzeugen Bewegung in Richtung eines Fluchtpunkts in der oberen rechten Ecke. Und geschwungene Linien führen eine lebendige, biologische Präsenz ein, die im Fluss ist.

Wassily Kandinsky - Komposition VIII, 1923. Öl auf Leinwand. 55 1/4 x 79 Zoll (140,3 x 200,7 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Gründungssammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris

Gegenkräfte

Obwohl seine Philosophie sich stark von der Kandinskys unterschied, war der niederländische Maler Piet Mondrian ebenfalls ein Gläubiger an die kommunikative Kraft der Linie. Er glaubte, dass er die Sprache der Malerei auf ihre grundlegendsten Elemente reduzieren könnte. Er reduzierte seine visuellen Werkzeuge allmählich, bis er einen Stil erreichte, der nur horizontale und vertikale Linien sowie eine stark eingeschränkte Farbpalette verwendete. Durch diesen strengen Stil fühlte er, dass er die zugrunde liegende spirituelle Wahrheit des Universums kommunizieren könnte.

Mondrian wies diagonale Linien zurück, weil er Perspektive vermeiden wollte, um eine völlig flache Bildfläche zu erreichen. Und er wies Kurven zurück, weil er etwas Reines und Universelles kommunizieren wollte. Er glaubte, dass horizontale und vertikale Linien allein, wenn sie zusammen verwendet werden, die reinen, wesentlichen, gegensätzlichen Kräfte des Universums repräsentieren, wie Männlichkeit und Weiblichkeit, Positivität und Negativität sowie Stille und Bewegung.

Piet Mondrian - Komposition Nr. III, mit Rot, Blau, Gelb und Schwarz, 1929. Öl auf Leinwand. 50 × 50,2 cm (19,6 × 19,7 Zoll). Privatsammlung

Das perfekte Unvollkommene

Die in Kanada geborene Malerin Agnes Martin verwendete einen ästhetischen Ansatz, der viele Ähnlichkeiten mit dem von Piet Mondrian aufwies. Aber Martin wurde als viel ausdrucksvoller und emotionaler als Mondrian angesehen. Beide Maler konzentrierten sich fast ausschließlich auf eine Kombination aus horizontalen und vertikalen Linien. Aber Martin malte handgezeichnete Gitter, die ihre menschliche Note offenbaren. Selbst in ihrer offensichtlichen Präzision enthalten sie subtile, winzige Unvollkommenheiten.

Diese Unvollkommenheiten übernehmen die gleiche Funktion wie eine gekrümmte Linie und vermitteln etwas Organisches und im Wesentlichen Menschliches. Obwohl ihre Arbeit vielleicht emotionaler ist, wie ihre Titel zeigen, wie Freundschaft, Glück-Jubel und Schönes Leben, glaubte sie, wie Mondrian, an die Kraft von horizontalen und vertikalen Linien, um etwas Harmonisches und Universelles auszudrücken.

Agnes Martin - Freundschaft, 1963. Blattgold und Öl auf Leinwand. 6' 3" x 6' 3" (190,5 x 190,5 cm). Geschenk von Celeste und Armand P. Bartos. MoMA Sammlung. © 2019 Nachlass von Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Farbe und Kurven

Das Werk des amerikanischen Malers Cy Twombly erhält seinen ikonischen Look aus einer visuellen Sprache, die fast ausschließlich auf Farbe und Linie basiert. Seine Gemälde sind abstrakt und kommunizieren intensive Gefühle durch ihre vereinfachte Farbpalette sowie die Energie und Intensität ihrer Kritzelei. Ihre Linien sind größtenteils glyphisch, was bedeutet, dass ihre geschwungene, sinnliche Natur einer Art primitiver Schrift ähnelt.

Neben den glyphischen Linien füllen auch vertikale Linien seine Bilder. Aber anstatt gezeichnet zu werden, wurden die vertikalen Linien durch Tropfen geschaffen, die entstanden, als sein Pinsel gegen die Oberfläche gedrückt wurde. Die Vertikalen verleihen den geschwungenen, glyphischen Formen das Gefühl, dass sie sich erheben. Sein Gemälde Bacchus manifestiert dieses Phänomen perfekt, da seine sinnlichen Kurven ein Gefühl der Transzendenz hervorrufen, das von den vertikalen Tropfen unterstützt wird.

Cy Twombly - Untitled (Bacchus), 2005. Acryl auf Leinwand. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Linie und Illusion

Linie ist ein wesentlicher Bestandteil der Arbeit von Op-Künstlern. Und die Gemälde von Bridget Riley verwenden nicht nur Linien, um eine emotionale Reaktion bei den Betrachtern hervorzurufen. Sie nutzen Linien auch, um eine physische Reaktion zu erzeugen. Die Werke, die Riley in den 1960er Jahren schuf, wurden oft als solche beschrieben, die bei den Betrachtern Übelkeit hervorriefen, als ob sie durch das Gefühl der Bewegung, das von den Gemälden erzeugt wurde, schwindelig und übel würden.

In ihrem Gemälde von 1966 Descending erzeugt Riley ein Gefühl von Höhe durch starke Vertikale sowie ein Gefühl von Perspektive und Bewegung durch sich wiederholende Reihen von Diagonalen. Darüber hinaus schafft sie ein Gefühl von sinnlicher Weichheit durch die strategische Platzierung von angedeuteten Kurven in den vertikalen Linien. Das Fehlen von horizontalen Linien trägt in der Tat auch zum Gesamteindruck bei, dass alles aus dem Gleichgewicht ist.

Bridget Riley - Absteigend, 1966. Emulsion auf Platte. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Zeitgenössische Stimmen der Linie

Viele zeitgenössische Maler erkunden die kommunikative Kraft der Linie in der Kunst. Der in Brasilien geborene Maler Christian Rosa verwendet eine idiosynkratische, spärliche Sprache der Linie, die viel mit der Arbeit von Wassily Kandinsky gemeinsam hat. Die amerikanische abstrakte Malerin Margaret Neill schafft sinnliche, intuitive, geschwungene Linienkompositionen, die in harmonischem Gespräch mit der Arbeit von Cy Twombly stehen. Der niederländische Maler José Heerkens verwendet horizontale und vertikale Linien in Verbindung mit Farbe zur Untersuchung des Raumes. Und der französisch-amerikanische Künstler Peter Soriano nutzt die Linie auf Weisen, die grafische Sensibilitäten mit etwas Metaphysischem und Ätherischem verbinden.

Zusätzlich zu den genannten haben Hunderte anderer abstrakter Künstler im vergangenen Jahrhundert die Kraft der Linie erforscht, um Bedeutung zu vermitteln und eine emotionale Reaktion zu inspirieren. Es gibt keine Möglichkeit zu beweisen, ob sie universellen Erfolg erzielt haben. Aber es besteht kein Zweifel, dass die formalen ästhetischen Elemente der Kunst zumindest in der Lage sind, emotionale Reaktionen hervorzurufen. Und zusammen betrachtet präsentieren die Werke dieser abstrakten Künstler, die wir erwähnt haben, überzeugende Argumente für die kommunikative Kraft der Linie.

Titelbild: Christian Rosa - Endless refill (Detail), 2013, Sprühfarbe, Bleistift, Klebeband, Ölkreide und Öl auf Leinwand, 180 x 200 cm
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio