Abstraktion und die Verwendung verschiedener Linienarten in der Kunst

Linie ist eines der formalen Gestaltungselemente der Kunst. Zusammen mit Elementen wie Farbe, Form, Struktur und Raum ist sie etwas Ästhetisches, das man neben den subjektiven, interpretativen Bestandteilen eines Kunstwerks betrachten kann. Über Linie in der Kunst zu sprechen, ist ungefähr so, als würde man über Aroma im Wein oder Geschmack im Essen sprechen. Sie ist ein Teil eines größeren ästhetischen Erlebnisses. Objektiv verwenden Maler Linien, um Formen zu umreißen und Perspektive zu schaffen, unter anderem. Es gibt aber auch eine Theorie, die besagt, dass verschiedene emotionale Zustände durch unterschiedliche Arten von Linien in der Kunst hervorgerufen werden können. Zum Beispiel soll eine horizontale Linie Ruhe vermitteln, da sie die Lage eines ruhenden Körpers nachahmt; eine vertikale Linie soll Spiritualität ausdrücken, weil sie Höhe andeutet; gemischte horizontale und vertikale Linien sollen Stabilität vermitteln; diagonale Linien sollen Bewegung ausdrücken; und geschwungene Linien sollen Menschlichkeit und Sinnlichkeit vermitteln. Es ist unbekannt, ob gewöhnliche, ungeschulte Betrachter tatsächlich solche Gefühle beim Anblick eines Gemäldes erleben; besonders da das Thema die Botschaften beeinflussen kann, die angeblich durch Linien vermittelt werden. Doch vielleicht können wir durch die Betrachtung, wie verschiedene abstrakte Maler im Laufe der Jahre Linie verwendet haben, herausfinden, ob es tatsächlich grundlegende Wahrheiten gibt, die den emotionalen Zustand der Betrachter und die Ästhetik der Linie in der Kunst verbinden.

Spiritualität und Linie

Neben der Tatsache, einer der ersten westlichen Maler zu sein, die eine völlig gegenstandslose Malweise verfolgten, war der russische Künstler Wassily Kandinsky tief darauf bedacht, Spiritualität durch seine Kunst zu vermitteln. 1912 veröffentlichte er ein Buch mit dem Titel Über das Geistige in der Kunst. Darin sprach er über seinen Wunsch, durch die bildende Kunst das zu erreichen, was die Musik bereits durch Klang erreicht hatte: die Vermittlung von Allgemeingültigkeiten durch eine abstrakte ästhetische Sprache.

1926, nach umfangreichen Tests seiner ästhetischen Theorien, veröffentlichte Kandinsky ein weiteres Buch mit dem Titel Punkt und Linie zu Fläche. Diese Abhandlung stellte seine Überzeugung vom emotionalen Einfluss der Linie in der Kunst endgültig dar. Die Gemälde, die er um diese Zeit schuf, können als Demonstrationen seiner Theorien gelesen werden. Sie verwenden Linie formal, um Formen zu umreißen, dreidimensionale Formen zu schaffen und Perspektive zu erzeugen, und auch, um eine emotionale Wirkung zu erzielen. Ein ikonisches Beispiel ist das Gemälde Komposition VIII, das für sein Gefühl von Harmonie und ausgewogener Komposition bewundert wird. Darin bieten gekreuzte horizontale und vertikale Linien im unteren Bildbereich eine stabile Grundlage für die Komposition. Mehrere diagonale Linien erzeugen Bewegung zu einem Fluchtpunkt oben rechts. Und geschwungene Linien bringen eine lebendige, biologische Präsenz ein, die im Wandel ist.

Wassily Kandinsky - Komposition VIII, 1923. Öl auf Leinwand. 140,3 x 200,7 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Gründungs-Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris

Gegensätzliche Kräfte

Obwohl seine Philosophie ganz anders war als die von Kandinsky, glaubte der niederländische Maler Piet Mondrian ebenfalls an die kommunikative Kraft der Linie. Er war der Ansicht, dass er die Sprache der Malerei auf das Wesentlichste reduzieren könne. Er reduzierte seine bildlichen Mittel allmählich, bis er zu einem Stil gelangte, der nur horizontale und vertikale Linien sowie eine stark eingeschränkte Farbpalette verwendete. Durch diesen strengen Stil glaubte er, die zugrundeliegende geistige Wahrheit des Universums vermitteln zu können.

Mondrian lehnte diagonale Linien ab, weil er Perspektive vermeiden wollte, um eine völlig flache Bildebene zu erreichen. Und er lehnte Kurven ab, weil er etwas Reines und Allgemeingültiges ausdrücken wollte. Er glaubte, dass horizontale und vertikale Linien allein, wenn sie zusammen verwendet werden, die reinen, wesentlichen, gegensätzlichen Kräfte des Universums darstellen, wie Männlichkeit und Weiblichkeit, Positivität und Negativität sowie Stillstand und Bewegung.

Piet Mondrian - Komposition Nr. III, mit Rot, Blau, Gelb und Schwarz, 1929. Öl auf Leinwand. 50 × 50,2 cm. Privatsammlung

Das perfekte Unvollkommene

Die in Kanada geborene Malerin Agnes Martin verfolgte einen ästhetischen Ansatz, der viele Ähnlichkeiten mit dem von Piet Mondrian aufweist. Doch Martin wurde als weitaus ausdrucksstärker und emotionaler als Mondrian angesehen. Beide Maler konzentrierten sich fast ausschließlich auf eine Kombination aus horizontalen und vertikalen Linien. Aber Martin malte handgezeichnete Raster, die ihre menschliche Handschrift zeigen. Selbst in ihrer scheinbaren Präzision enthalten sie subtile, winzige Unvollkommenheiten.

Diese Unvollkommenheiten erfüllen dieselbe Funktion wie eine geschwungene Linie, indem sie etwas Organisches und im Grunde Menschliches vermitteln. Obwohl ihre Arbeit vielleicht emotionaler ist, wie ihre Titel zeigen, etwa Freundschaft, Glückseligkeit, und Schönes Leben, glaubte sie, wie Mondrian, an die Kraft von horizontalen und vertikalen Linien, etwas Harmonisches und Allgemeingültiges auszudrücken.

Agnes Martin - Freundschaft, 1963. Blattgold und Öl auf Leinwand. 190,5 x 190,5 cm. Geschenk von Celeste und Armand P. Bartos. MoMA Sammlung. © 2019 Nachlass Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Farbe und Kurven

Das Werk des amerikanischen Malers Cy Twombly erhält sein ikonisches Aussehen durch eine Bildsprache, die fast ausschließlich auf Farbe und Linie basiert. Seine Gemälde sind abstrakt und vermitteln intensive Gefühle durch ihre vereinfachte Farbpalette sowie die Energie und Intensität ihrer Kritzeleien. Ihre Linien sind meist glyphenartig, das heißt, ihre geschwungene, sinnliche Natur ähnelt einer Art primitiver Schrift.

Neben den glyphenartigen Linien füllen auch vertikale Linien seine Bilder. Diese vertikalen Linien wurden jedoch nicht gezeichnet, sondern durch Tropfen erzeugt, die entstanden, als sein Pinsel gegen die Oberfläche gedrückt wurde. Die Vertikalen verleihen den geschwungenen, glyphenartigen Formen das Gefühl, aufzusteigen. Sein Gemälde Bacchus zeigt dieses Phänomen perfekt, da seine sinnlichen Kurven ein Gefühl von Transzendenz hervorrufen, das von den vertikalen Tropfen getragen wird.

Cy Twombly - Ohne Titel (Bacchus), 2005. Acryl auf Leinwand. 317,5 x 417,8 cm. © Cy Twombly

Linie und Täuschung

Linie ist ein wesentlicher Bestandteil der Werke der Op-Künstler. Und die Gemälde von Bridget Riley verwenden Linie nicht nur, um eine emotionale Reaktion bei den Betrachtern hervorzurufen. Sie nutzen Linie auch, um eine körperliche Reaktion zu erzeugen. Die Werke, die Riley in den 1960er Jahren schuf, wurden oft so beschrieben, dass sie bei den Betrachtern Übelkeit hervorriefen, als würden sie schwindlig und krank werden durch das Bewegungsempfinden, das die Gemälde erzeugen.

In ihrem Gemälde von 1966 Absteigend erzeugt Riley ein Gefühl von Höhe durch starke Vertikale sowie ein Gefühl von Perspektive und Bewegung durch sich wiederholende Reihen von Diagonalen. Außerdem erzeugt sie durch die strategische Platzierung angedeuteter Kurven in den vertikalen Linien ein Gefühl von sinnlicher Weichheit. Das Fehlen horizontaler Linien trägt tatsächlich zum Gesamteindruck bei, dass alles aus dem Gleichgewicht geraten ist.

Bridget Riley - Absteigend, 1966. Emulsion auf Tafel. 91,5 x 91,5 cm. © Bridget Riley

Zeitgenössische Stimmen der Linie

Viele zeitgenössische Maler erforschen die kommunikative Kraft der Linie in der Kunst. Der in Brasilien geborene Maler Christian Rosa verwendet eine eigentümliche, sparsame Sprache der Linie, die viel mit dem Werk von Wassily Kandinsky gemein hat. Die amerikanische abstrakte Malerin Margaret Neill schafft sinnliche, intuitive, geschwungene lineare Kompositionen, die in harmonischem Gespräch mit dem Werk von Cy Twombly stehen. Der niederländische Maler José Heerkens verwendet horizontale und vertikale Linien in Verbindung mit Farbe zur Erforschung von Raum. Und der französisch-amerikanische Künstler Peter Soriano nutzt Linie auf eine Weise, die grafische Empfindungen mit etwas Metaphysischem und Ätherischem verbindet.

Neben diesen von uns erwähnten haben zahlreiche andere abstrakte Künstler im vergangenen Jahrhundert die Kraft der Linie erforscht, Bedeutung zu vermitteln und eine emotionale Reaktion hervorzurufen. Es gibt keine Möglichkeit zu beweisen, ob sie universellen Erfolg hatten. Aber es besteht kein Zweifel, dass die formalen ästhetischen Elemente der Kunst zumindest in der Lage sind, emotionale Reaktionen hervorzurufen. Und zusammen betrachtet liefern die Werke dieser von uns genannten abstrakten Künstler überzeugende Argumente für die kommunikative Kraft der Linie.

Titelbild: Christian Rosa - Endless refill (Detail), 2013, Sprühfarbe, Bleistift, Klebeband, Ölkreide und Öl auf Leinwand, 180 x 200 cm
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio