Optische Täuschungs-Kunst, die das 20. Jahrhundert prägte

Die Wirklichkeit ist nicht immer festgelegt; oder zumindest kann sie dem menschlichen Geist so erscheinen. Was wir glauben, beruht bis zu einem gewissen Grad auf dem, was wir wahrnehmen, aber was wir wahrnehmen, wird manchmal auch durch das bestimmt, was wir glauben. Optische Täuschung Kunst, kurz Op Art, ist ein ästhetischer Stil, der absichtlich diese Eigenart der menschlichen Wahrnehmung ausnutzt, die dem menschlichen Auge die Fähigkeit verleiht, das menschliche Gehirn zu täuschen. Durch die Manipulation von Mustern, Formen, Farben, Materialien und Gestalten bemühen sich Op-Künstler, Phänomene zu schaffen, die das Auge täuschen und die Betrachter verwirren, sodass sie mehr sehen, als tatsächlich vorhanden ist. Und da der Glaube ebenso einflussreich wie die Tatsache sein kann, stellt Op Art die Frage, was wichtiger ist: Wahrnehmung oder Wahrheit.

Eine kurze Geschichte der optischen Täuschungskunst

Op Art hat ihre Wurzeln in einer Technik namens trompe-l'œil, was auf Französisch „täusche das Auge“ bedeutet. Die frühesten Hinweise auf solche Tendenzen in der Kunst reichen bis in die Antike zurück, als antike griechische Künstler versuchten, Gemälde so realistisch zu gestalten, dass die Menschen buchstäblich getäuscht wurden und glaubten, ihre Bilder seien echt. Die Technik geriet im Laufe der Jahrhunderte immer wieder in und aus der Mode und erreichte ihren Höhepunkt im 19. Jahrhundert mit trompe-l'œil-Gemälden wie Escaping Criticism, gemalt 1874 von Pere Borrell del Caso, das ein hyperrealistisches Bild eines Kindes zeigt, das aus einem Bilderrahmen klettert.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Öl auf Leinwand. Sammlung Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Obwohl auch darauf ausgelegt, das Auge zu täuschen, ist Op Art jedoch nicht dasselbe wie hyperrealistische Kunst. Tatsächlich ist Op Art, wie wir sie heute kennen, meist abstrakt und beruht auf geometrischen Kompositionen, um das Auge davon zu überzeugen, dass unwirkliche Formen und räumliche Ebenen existieren. Die erste abstrakte Technik, die entwickelt wurde, um das Auge zu täuschen, hieß Pointillismus. Anstatt Farben im Voraus zu mischen, setzten pointillistische Maler ungemischte Farben nebeneinander auf die Leinwand, wodurch die Illusion von festen Farbfeldern entstand. Wenn diese Gemälde aus der Entfernung betrachtet werden, scheint es, als seien die Farben gemischt. Georges Seurat erfand den Pointillismus und perfektionierte den Effekt mit Gemälden wie Leuchtturm in Honfleur.

Georges Seurat - Leuchtturm in Honfleur, 1886. Öl auf Leinwand. Gesamtmaß: 66,7 x 81,9 cm, gerahmt: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm. Sammlung von Herrn und Frau Paul Mellon

Abstrakte Täuschungen

Das zugrundeliegende Konzept des Pointillismus führte letztlich zu vielen anderen Techniken, als Künstler nach Wegen suchten, den Geist dazu zu bringen, ein Bild zu vervollständigen. Es inspirierte den Divisionismus der italienischen Futuristen und die vierdimensionalen Ebenen des Kubismus. Seine erfolgreichste Anwendung fand es jedoch in Verbindung mit der Ästhetik der geometrischen Abstraktion, wie bei der abstrakten geometrischen Radierung Strukturelle Konstellation, gemalt 1913 von Josef Albers.

Nach eigenen Angaben versuchte Albers mit diesem Werk keine optische Täuschung zu erzeugen. Er führte einfache Kompositionsversuche zur Wahrnehmung von Linien und Formen auf einer zweidimensionalen Fläche durch. Dennoch entdeckte er, dass die Anordnung von Linien, Formen und Farben auf einer Fläche tatsächlich die Art und Weise verändern kann, wie der Geist das Reale wahrnimmt. Und obwohl er nicht absichtlich versuchte, die Betrachter mit seinen Werken zu täuschen, widmete er sein Leben der Erforschung dieser Effekte.

Josef Albers - Strukturelle Konstellation, 1913. Weiße Linien in schwarzem Hintergrund auf Holz geätzt. © 2019 Die Josef und Anni Albers Stiftung

Zebras und Schachbretter

Victor Vasarely, ein Zeitgenosse von Albers, unternahm jedoch bewusst Anstrengungen, Wege zu finden, um die Betrachter mit seiner Kunst zu täuschen. Vasarely war ebenso Wissenschaftler wie Maler und besonders daran interessiert, wie diese beiden Tätigkeiten zusammenkommen, um die Wahrnehmung zu beeinflussen. Bereits in den 1920er Jahren hatte der Künstler gelernt, dass er allein durch die Manipulation von Linien eine zweidimensionale Fläche so verzerren konnte, dass der Geist sie als dreidimensionalen Raum wahrnimmt.

Ein Motiv, zu dem Vasarely immer wieder in seiner Arbeit zurückkehrte, war das Zebra. Die Streifen dieses Tieres dienen tatsächlich dazu, natürliche Feinde zu täuschen, die nicht erkennen können, in welche Richtung das Tier läuft, wegen des Zusammenspiels seiner schwarz-weißen Streifen mit der Umgebung. Als er die Geheimnisse dieses Phänomens entschlüsselte, wandte er sie auf komplexere geometrische Kompositionen an und schuf in den 1960er Jahren einen charakteristischen Stil, der die heutige moderne Op-Art-Bewegung inspirierte.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Schwarz und Weiß

Eine der berühmtesten optischen Täuschungskünstler des 20. Jahrhunderts war die britische Künstlerin Bridget Riley, die direkt von der Arbeit Victor Vasarelys inspiriert wurde. Riley studierte Anfang der 1950er Jahre am Royal College of Art. Ihre frühen Werke waren gegenständlich, doch nachdem sie eine Stelle als Illustratorin in einer Werbeagentur annahm, interessierte sie sich mehr für die Schaffung visueller Täuschungen. Sie begann, Pointillismus und dann Divisionismus zu erforschen und entwickelte schließlich ihren eigenen charakteristischen Op-Art-Stil, der hauptsächlich auf schwarz-weißer geometrischer Abstraktion basiert.

Riley war so erfolgreich darin, optische Täuschungen in ihren Werken zu erzeugen, dass Betrachter manchmal berichteten, beim Anblick ihrer Gemälde Übelkeit oder Schwindelgefühle zu verspüren. Dieses Phänomen faszinierte Riley, die überzeugt war, dass die Grenze zwischen Wahrnehmung und Wirklichkeit tatsächlich sehr zerbrechlich ist und dass ein durch eine Täuschung verursachter Glaube tatsächlich reale Folgen in der physischen Welt haben kann. Riley sagte: „Es gab eine Zeit, in der Bedeutungen klar waren und die Wirklichkeit festgelegt werden konnte; als dieser Glaube verschwand, wurden die Dinge unsicher und offen für Interpretationen.“

Bridget Riley vor einem ihrer großformatigen, hypnotischen Op-Art-Gemälde, © Bridget Riley

Das reagierende Auge

Der Höhepunkt der modernen Op-Art-Bewegung war eine Ausstellung namens The Responsive Eye, die 1965 durch die Vereinigten Staaten tourte. Diese Ausstellung zeigte mehr als 120 Kunstwerke von Dutzenden Künstlern, die eine breite Palette ästhetischer Positionen repräsentierten. Die Schau umfasste die stark illusionistischen Werke von Victor Vasarely und Bridget Riley sowie zurückhaltendere geometrische Abstraktionen von Künstlern wie Frank Stella und Alexander Liberman und kinetische Skulpturen von Künstlern wie Wen-Ying Tsai und Carlos Cruz-Diez.

Ebenfalls Teil der The Responsive Eye-Gruppe war der Bildhauer Jesús Rafael Soto, der Op Art wohl am weitesten in den Bereich der dreidimensionalen Wahrnehmung führte mit einer Werkgruppe namens Penetrables. Diese interaktiven Werke bestehen aus Hunderten von teilweise bemalten, hängenden Kunststoffröhren, durch die die Betrachter hindurchgehen können. Wenn sie ungestört sind, erzeugen sie die eindrucksvolle Illusion, dass eine konkrete Form im Raum schwebt. Wenn die Zuschauer jedoch mit den Skulpturen interagieren, löst sich die Illusion auf und es entsteht der Eindruck, dass eine konkrete Wirklichkeit tatsächlich durch menschliche Berührung verzerrt und verändert werden kann.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

Das Erbe der Op Art

Der Segen und der Fluch der Op Art ist ihre Beliebtheit. Als die Bewegung in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt erreichte, verachteten viele Kritiker sie, weil ihre Bildmotive gierig von Herstellern von Kitschartikeln wie T-Shirts, Kaffeetassen und Postern übernommen wurden. Für Künstler wie Victor Vasarely und Jesús Rafael Soto war das jedoch genau der Sinn.

Diese Kreativen glaubten, dass der Wert eines Kunstwerks davon bestimmt wird, inwieweit ein Betrachter an dessen Vollendung teilhaben kann. Sie schufen ästhetische Phänomene, die sich jedem neuen Betrachter anpassen und unbegrenzte Deutungsmöglichkeiten schaffen. Dass ihre Kunst auf Massenebene konsumiert wurde, entsprach genau ihrem Konzept, dass es keine Barriere zwischen Menschen und Kunst geben sollte und dass alle scheinbaren Barrieren nur in unserer Wahrnehmung existieren.

Titelbild: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acryl auf Leinwand. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio