Optische Täuschungs-Kunst, die das 20. Jahrhundert prägte

Die Realität ist nicht immer fest; oder zumindest kann es für den menschlichen Verstand so erscheinen. Was wir glauben, basiert bis zu einem gewissen Grad auf dem, was wir wahrnehmen, aber was wir wahrnehmen, wird manchmal auch durch das bestimmt, was wir glauben. Optische Illusions kunst, oder Op Kunst kurz gesagt, ist ein ästhetischer Stil, der absichtlich die Eigenart der menschlichen Wahrnehmung ausnutzt, die dem menschlichen Auge die Fähigkeit verleiht, das menschliche Gehirn zu täuschen. Durch die Manipulation von Mustern, Formen, Farben, Materialien und Formen streben Op-Künstler danach, Phänomene zu schaffen, die das Auge täuschen und die Betrachter verwirren, sodass sie mehr sehen, als tatsächlich vorhanden ist. Und da der Glaube ebenso einflussreich sein kann wie die Tatsache, stellt die Op-Kunst die Frage, was wichtiger ist: Wahrnehmung oder Wahrheit.

Eine kurze Geschichte der optischen Illusionskunst

Op Art hat seine Wurzeln in einer Technik namens trompe-l'œil, was auf Französisch das Auge täuschen bedeutet. Die frühesten Hinweise auf solche Tendenzen in der Kunst reichen bis in die Antike zurück, als antike griechische Künstler versuchten, Gemälde so realistisch zu gestalten, dass die Menschen buchstäblich getäuscht wurden und glaubten, ihre Bilder seien echt. Die Technik war im Laufe der Jahrhunderte zahlreichen Moden unterworfen und erreichte im 19. Jahrhundert mit trompe-l'œil-Gemälden wie Escaping Criticism, das 1874 von Pere Borrell del Caso gemalt wurde, ihren Höhepunkt, das ein hyper-realistisches Bild eines Kindes zeigt, das aus einem Bilderrahmen klettert.

Pere Borrell del Caso - Kritik entkommen, 1874. Öl auf Leinwand. Sammlung Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Aber obwohl es auch dazu gedacht ist, das Auge zu täuschen, ist Op Art nicht dasselbe wie hyperrealistische Kunst. Tatsächlich ist Op Art, wie wir sie heute kennen, häufiger abstrakt und verlässt sich auf geometrische Kompositionen, um das Auge davon zu überzeugen, dass unrealistische Formen und räumliche Ebenen existieren. Die erste abstrakte Technik, die entwickelt wurde, um das Auge zu täuschen, wurde Pointillismus genannt. Anstatt Farben im Voraus zu mischen, platzierten pointillistische Maler ungemischte Farben nebeneinander auf einer Leinwand und schufen so die Illusion von soliden Farbflächen. Wenn diese Gemälde aus der Ferne betrachtet werden, scheint es, als wären die Farben gemischt. Georges Seurat erfand den Pointillismus und meisterte den Effekt mit Gemälden wie Leuchtturm in Honfleur.

Georges Seurat - Leuchtturm in Honfleur, 1886. Öl auf Leinwand. Gesamt: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 Zoll), gerahmt: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 Zoll). Sammlung von Mr. und Mrs. Paul Mellon

Abstrakte Illusionen

Das zugrunde liegende Konzept des Pointillismus führte letztendlich zu vielen anderen Techniken, als Künstler nach Wegen suchten, den Verstand zu täuschen, um ein Bild zu vervollständigen. Es inspirierte den Divisionismus der italienischen Futuristen und die vierdimensionalen Ebenen des Kubismus. Doch die erfolgreichste Anwendung fand statt, als es mit der Ästhetik der geometrischen Abstraktion kombiniert wurde, wie zum Beispiel mit der abstrakten geometrischen Radierung Strukturelle Konstellation, die 1913 von Josef Albers gemalt wurde.

Laut seinen eigenen Aussagen versuchte Albers mit diesem Werk keine optische Täuschung zu erzeugen. Er war mit einfachen kompositorischen Experimenten zur Wahrnehmung von Linien und Formen auf einer zweidimensionalen Fläche beschäftigt. Dennoch entdeckte er, dass die Anordnung von Linien, Formen und Farben auf einer Fläche tatsächlich die Art und Weise verändern kann, wie der Verstand wahrnimmt, was real ist. Und obwohl er nicht absichtlich versuchte, die Betrachter mit seinen Werken zu täuschen, verbrachte er dennoch ein Leben lang mit der Untersuchung dieser Effekte.

Josef Albers - Strukturelle Konstellation, 1913. Weiße Linien in einen schwarzen Hintergrund auf Holz eingraviert. © 2019 Die Josef und Anni Albers Stiftung

Zebras und Schachbretter

Victor Vasarely, ein Zeitgenosse von Albers, engagierte sich jedoch bewusst dafür, Wege zu finden, um die Betrachter mit seiner Kunst zu täuschen. Vasarely war ebenso sehr Wissenschaftler wie Maler, und er war besonders daran interessiert, wie diese beiden Bestrebungen zusammenkamen, um die Wahrnehmung zu beeinflussen. Bereits in den 1920er Jahren hatte der Künstler gelernt, dass er durch die Manipulation von Linien allein eine zweidimensionale Fläche vollständig verzerren konnte, sodass der Verstand sie als dreidimensionalen Raum wahrnahm.

Ein Thema, dem sich Vasarely in seiner Arbeit immer wieder zuwandte, war das Zebra. Die Streifen dieses Tieres dienen tatsächlich dazu, natürliche Raubtiere zu täuschen, die nicht erkennen können, in welche Richtung das Tier läuft, aufgrund des Zusammenspiels seiner schwarz-weißen Streifen mit der Umgebung. Während er die Geheimnisse dieses Phänomens entschlüsselte, wandte er sie auf komplexere geometrische Kompositionen an und schuf in den 1960er Jahren einen charakteristischen Stil, der das inspirierte, was heute als die modernistische Op-Art-Bewegung gilt. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Schwarz und weiß

Einer der bekanntesten Optischen Täuschungs-Künstler des 20. Jahrhunderts war die britische Künstlerin Bridget Riley, die direkt von der Arbeit von Victor Vasarely inspiriert wurde. Riley studierte in den frühen 1950er Jahren am Royal College of Art. Ihre frühen Arbeiten waren figürlich, aber nachdem sie einen Job als Illustratorin in einer Werbeagentur angenommen hatte, begann sie, sich mehr für die Schaffung visueller Illusionen zu interessieren. Sie begann, den Pointillismus zu untersuchen und dann den Divisionismus, und entwickelte schließlich ihren eigenen charakteristischen Stil der Op Art, der hauptsächlich auf schwarz-weißer geometrischer Abstraktion basiert.

Riley war so erfolgreich darin, optische Täuschungen in ihrer Arbeit zu schaffen, dass Zuschauer manchmal berichteten, beim Betrachten ihrer Gemälde Gefühle von Seekrankheit oder Bewegungskrankheit zu erleben. Dieses Phänomen faszinierte Riley, die überzeugt war, dass die Grenze zwischen Wahrnehmung und Realität tatsächlich ziemlich fragil ist und dass ein durch eine Illusion verursachter Glaube tatsächlich reale Konsequenzen in der physischen Welt manifestieren könnte. Riley sagte: „Es gab eine Zeit, in der Bedeutungen fokussiert waren und die Realität festgelegt werden konnte; als dieser Glaube verschwand, wurden die Dinge ungewiss und offen für Interpretationen.“

Bridget Riley vor einem ihrer großflächigen, hypnotischen Op-Art-Gemälde, © Bridget Riley

Das reaktionsschnelle Auge

Die Höhe des Modernistischen Op-Art-Bewegung erreichte ihren Höhepunkt mit einer Ausstellung namens The Responsive Eye, die 1965 durch die Vereinigten Staaten tourte. Diese Ausstellung zeigte mehr als 120 Kunstwerke von Dutzenden von Künstlern, die eine breite Palette ästhetischer Positionen repräsentierten. Die Schau umfasste die stark illusionistischen Werke von Victor Vasarely und Bridget Riley sowie die zurückhaltenderen geometrischen Abstraktionisten wie Frank Stella und Alexander Liberman und kinetische Skulpturen von Künstlern wie Wen-Ying Tsai und Carlos Cruz-Diez.

Auch in der Gruppe The Responsive Eye war der Bildhauer Jesús Rafael Soto vertreten, der Op Art arguably am weitesten in den Bereich der dreidimensionalen Wahrnehmung mit einem Werk namens Penetrables voranbrachte. Diese interaktiven Kreationen bestehen aus Hunderten von teilweise bemalten, herabhängenden Plastikröhren, durch die die Betrachter gehen können. Wenn sie ungestört sind, präsentieren sie eine auffällige Illusion, dass eine konkrete Form im Raum schwebt. Aber wenn Zuschauer physisch mit den Skulpturen interagieren, löst sich die Illusion auf und vermittelt den Eindruck, dass eine konkrete Realität tatsächlich durch die menschliche Berührung verzerrt und verändert werden kann.

Jesús Rafael Soto - Durchdringbar. © Jesús Rafael Soto

Das Erbe der Op-Art

Der Segen und der Fluch der Op Art ist ihre Popularität. Als die Bewegung in den 1960er Jahren ihren Höhepunkt erreichte, verachteten viele Kritiker sie, weil ihre Bilder von Herstellern von Kitschartikeln wie T-Shirts, Kaffeetassen und Postern gierig appropriiert wurden. Aber für Künstler wie Victor Vasarely und Jesús Rafael Soto war das genau der Punkt.

Diese Kreativen glaubten, dass der Wert eines Kunstwerks durch den Grad bestimmt wird, in dem ein Betrachter an dessen Vollendung teilnehmen kann. Sie schufen ästhetische Phänomene, die sich an jeden neuen Betrachter anpassen und unbegrenzte Interpretationsmöglichkeiten schaffen. Die Tatsache, dass ihre Kunst auf einer Massenebene konsumiert wurde, entsprach perfekt ihrem Konzept, dass es keine Barriere zwischen Menschen und Kunst geben sollte und dass alle Barrieren, die zu existieren scheinen, nur in unserer Wahrnehmung existieren.

Vorschaubild: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acryl auf Leinwand. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio