Illusion und das Abstrakte in den Werken von Jesus Rafael Soto

Der Unterschied zwischen Realität und Illusion kann manchmal subjektiv sein. Während er Student an der Hochschule für Bildende Kunst und Angewandte Kunst in Caracas, Venezuela, war, versuchte Jesús Rafael Soto, den Impressionismus zu studieren. Aber er konnte ihn nicht verstehen. Das Licht in impressionistischen Gemälden erschien ihm unrealistisch, weil das Licht in seiner tropischen Umgebung viel härter war. Für seine Augen schien der Kubismus realistisch, weil er die Welt in Ebenen zerlegte, was der Art entsprach, wie er die Landschaft seiner Umgebung sah. „Später“, sagte Soto einmal, „als ich in Europa ankam, konnte ich den Impressionismus verstehen.“ Die Lektion, die Soto aus dieser Erfahrung lernte, ist, dass die wahre Natur von etwas nicht verstanden werden kann, ohne seine Beziehung zu etwas anderem zu studieren. „Beziehungen sind eine Entität,“ sagte er, „sie existieren und können daher dargestellt werden.“ Im Laufe seiner Karriere erkundete Soto die Beziehungen der physischen Welt durch seine Kunst. Als Pionier der Kinetik beherrschte er, wie man Bewegung in der Kunst vermittelt, und zeigte, dass die Beziehung zwischen Realität und Illusion dynamisch ist und dass die beiden manchmal tatsächlich eins werden.

Jesús Rafael Soto gegen die Vergangenheit

Soto wurde 1923 in der kolonialen Flussstadt Ciudad Bolívar, Venezuela, geboren. Sein Interesse an Kunst begann früh. Er brachte sich selbst bei, berühmte Gemälde aus Büchern als Kind zu kopieren. Mit 16 Jahren unterstützte er sich selbst, indem er handgemalte Plakate für das Kino in seiner Stadt anfertigte. Mit 19 hatte er ein Stipendium erhalten, um Kunst in Caracas zu studieren. Seine aufrichtige Leidenschaft trieb ihn dazu, intensiv zu studieren, um Geschichte und Handwerk zu verstehen und insbesondere zu begreifen, was genau etwas zu einem Kunstwerk machte.

Während seiner Schulzeit wurde Soto von Anhängern des Modernismus umgeben. Doch nach seinem Abschluss übernahm er eine Position als Direktor einer Kunstschule in einer kleinen Stadt. Er erkannte schnell, dass, wann immer er versuchte, seinen Schülern Begeisterung für das Neue zu vermitteln, die anderen Lehrer, die in der Vergangenheit feststeckten, sie entmutigten und seinen Einfluss zunichte machten. Er erkannte, dass der einzige Weg, wie er als Künstler wachsen konnte, darin bestand, seine Umgebung zu verändern. Die meisten seiner Freunde aus der Schule waren bereits nach Europa gegangen. „Ich war in einem solchen Zustand der Verzweiflung,“ sagte er später, „dass ich eines Tages einfach die Schule abschloss und alles aufgab. Ich fuhr nach Paris!"

Jesús Rafael Soto - Sphère Lutétia, 1996. Perrotin. Installation. Farbe auf Metall. 600,0 × 600,0 × 600,0 cm. 236,2 × 236,2 × 236,2 in. Basel 2015. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Auf etwas zusteuern

Soto kam 1949 nach Europa und wurde schnell in eine kleine Gemeinschaft von südamerikanischen Expatriates integriert, die Verbindungen zur avantgardistischen Künstlergemeinschaft hatten. Inspiriert von all den Experimenten, die stattfanden, begann er, die Idee des Malens in seinem Kopf zu hinterfragen. Er betrachtete Figuration und Abstraktion als zu sehr in den Empfindungen des Künstlers verankert. Er entschied, dass er, wenn er die Kunst an einen neuen Ort bringen wollte, zu einer Welt von Ideen zurückkehren musste, die der Raffinesse der modernen Kunst vorausging. Er begann, sich auf die Beziehungen zwischen grundlegenden visuellen Elementen zu konzentrieren.

Er schuf Gemälde, die sich auf Kompositionen aus Gittern, Punkten, Linien und Quadraten konzentrierten und seine Farbpalette auf acht Grundfarben beschränkten. Er analysierte, wie die vereinfachten visuellen Elemente den Betrachter beeinflussten und wie das Auge mit den Kompositionen interagierte. Er bemerkte, wie er unterschiedliche räumliche Beziehungen und Unterschiede in Helligkeit und Dunkelheit nutzen konnte, um eine Komposition zu schaffen, die sich zu verändern schien, während der Betrachter sich um sie herum bewegte. Er konnte das Auge entweder dazu bringen, Bewegung wahrzunehmen, wo keine war, oder eine Komposition schaffen, die aus einem einzigen Blickwinkel nicht vollständig wahrgenommen werden konnte, was somit Bewegung vom Betrachter erforderte.

Jesús Rafael Soto - Zwei kleine Quadrate, Seiten- und Frontalansichten. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Wahre Kinetik

Aber natürlich gab es viele Künstler, die in der Mitte des 20. Jahrhunderts mit Bewegung und Illusion arbeiteten. Soto wollte, dass seine Kunst etwas grundlegend anderes ausdrückt. Er war mit verschiedenen anderen Künstlern befreundet, die Maschinen einsetzten, um ihre Kunst zum Bewegen zu bringen. Und er kannte auch viele Praktiker der Op-Art, die Kunstwerke schufen, die das Auge dazu brachten, illusionäre räumliche Phänomene wahrzunehmen. Aber er wollte Bewegung ohne Maschinen schaffen und nicht nur durch Illusion, sondern durch echte interaktive Beziehungen in der realen Welt.

Jesús Rafael Soto - Beispiel für Vibrationen und Spiralen. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Um seine Ziele zu erreichen, begann er mit Kunstwerken zu experimentieren, die Vibrations genannt werden und gemusterte Oberflächen mit anderen gemusterten Elementen zeigen, die davor schwebend angeordnet sind. Dies schafft sich ständig verändernde ästhetische Erfahrungen, während die Betrachter sich um sie herum bewegen. Er schuf auch Werke, die Spirals genannt werden, die eine solide Oberfläche mit einem Muster und eine zweite transparente Oberfläche, die davor schwebt und mit einem komplementären Muster bemalt ist, zeigen. Die einfachen Kompositionen in diesen Stücken verändern sich vor den Augen, selbst wenn ein Betrachter stillsteht, und wenn sich ein Betrachter bewegt, gibt es kein Ende der ästhetischen Variationen, die entstehen.

Jesús Rafael Soto - Beispiel für Vibrationen und Spiralen. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Weiter eindringen

Während die ästhetischen Objekte, die Soto schuf, einzigartig und schön waren, waren seine philosophischen Errungenschaften für ihn noch nicht ganz zufriedenstellend. Er hatte eines seiner Ziele erreicht, nämlich die physische Integration des Betrachters in sein Werk, da seine Stücke jemanden erforderten, der sich tatsächlich in ihrer Gegenwart befand, um den vollen Effekt zu erfahren. Und er hatte ein weiteres wichtiges Ziel erreicht, nämlich die Integration von Raum und Zeit in seine Kunst, da das volle Verständnis seiner Stücke erforderte, dass ein Betrachter sie aus mehreren Perspektiven über die Zeit hinweg erlebte, während er sich durch den Raum bewegte. Aber es gab noch etwas Wichtiges, das er noch nicht erreicht hatte, nämlich die Kommunikation seiner Kernidee, die er "ein Universum voller Beziehungen" nannte.

Soto erreichte diese Leistung mit einem Werk, das er Penetrables nannte. Es besteht aus dünnen Fasern, die in einem engen Muster von der Decke hängen. Ein Penetrable ermöglicht es einem Betrachter, einzutreten und vollständig in das Volumen des Werkes einzutauchen. Einige Penetrables sind einfach klar oder in einer einheitlichen Farbe gestrichen, während andere bemalte Elemente enthalten, die aus der Ferne die Illusion einer festen Masse im Raum präsentieren, aber dann beim Kontakt dem Betrachter nachgeben und ein völlig anderes ästhetisches Erlebnis von innen ermöglichen.

Jesús Rafael Soto - das Penetrable in Caracas. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Künstlerrechtegesellschaft (ARS), New York / ADAGP, Paris

Integrierte Kräfte

Soto nannte seine Penetrables „die Offenbarung des sinnlichen Raums.“ Andere kinetische Künstler verließen sich auf Motoren, Flaschenzüge oder Gadgets, um bewegliche Objekte zu schaffen, die dennoch nur Dinge waren, die betrachtet werden sollten. Selbst Soto schuf Werke, die im Wesentlichen nur darum baten, von einem Betrachter angesehen zu werden. Mit der Erfindung seiner Penetrables waren die Menschen nicht mehr außerhalb des ästhetischen Phänomens und schauten hinein. „Heute“, sagte er, „wissen wir, dass der Mensch nicht auf der einen Seite und die Welt auf der anderen ist. Wir sind keine Beobachter, sondern integrale Teile einer Realität, von der wir wissen, dass sie von lebendigen Kräften wimmelt, von denen viele unsichtbar sind."

Dies war die größte Errungenschaft, die Soto erreichte. Er entwickelte sich dahin, Menschen als potenzielle Mitwirkende des Künstlers im ästhetischen Erlebnis zu betrachten. Die abstrakte Vorstellung, dass Betrachter notwendig sind, um ein Kunstwerk zu vervollständigen, gibt es schon lange. Soto trieb die Idee bis zum äußersten Extrem, indem er bewies, dass es in der Tat keine Betrachter gibt, sondern nur Teilnehmer an einem Erlebnis, das ohne sie keine Bedeutung hätte oder möglicherweise überhaupt nicht existieren könnte.

Hervorgehobenes Bild: Jesús Rafael Soto - das Houston Penetrable. 2004–2014. Lackierte Aluminiumstruktur, PVC-Rohre und wasserbasierte Siebdruckfarbe. Gesamt: 334 × 787 × 477 in. (848,4 × 1999 × 1211,6 cm). © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio