Illusion und das Abstrakte in den Werken von Jesus Rafael Soto

Der Unterschied zwischen Wirklichkeit und Illusion kann manchmal subjektiv sein. Während seiner Zeit an der Schule für Schöne Künste und Angewandte Künste in Caracas, Venezuela, versuchte Jesús Rafael Soto, den Impressionismus zu studieren. Doch er konnte ihn nicht verstehen. Das Licht in impressionistischen Gemälden schien ihm unwirklich, weil das Licht in seiner tropischen Umgebung viel greller war. Für seine Augen wirkte der Kubismus realistisch, weil er die Welt in Ebenen zerlegte, so wie er die Landschaft seiner Umgebung sah. „Später“, sagte Soto einmal, „als ich in Europa ankam, konnte ich den Impressionismus verstehen.“ Die Lektion, die Soto aus dieser Erfahrung zog, ist, dass die wahre Natur von etwas nicht verstanden werden kann, ohne seine Beziehung zu etwas anderem zu untersuchen. „Beziehungen sind eine Einheit,“ sagte er, „sie existieren und können daher dargestellt werden.“ Im Laufe seiner Karriere erforschte Soto die Beziehungen der physischen Welt durch seine Kunst. Als Pionier der Kinetik beherrschte er es, Bewegung in der Kunst darzustellen, und zeigte, dass die Beziehung zwischen Wirklichkeit und Illusion dynamisch ist und dass die beiden sich mitunter tatsächlich zu einer Einheit verbinden.

Jesús Rafael Soto gegen die Vergangenheit

Soto wurde 1923 in der kolonialen Flussstadt Ciudad Bolívar, Venezuela, geboren. Sein Interesse an Kunst begann früh. Als Kind brachte er sich selbst bei, berühmte Gemälde aus Büchern zu kopieren. Mit 16 Jahren verdiente er seinen Lebensunterhalt, indem er Plakate für das Kino in seiner Stadt von Hand malte. Mit 19 erhielt er ein Stipendium, um Kunst in Caracas zu studieren. Seine aufrichtige Leidenschaft trieb ihn an, intensiv zu lernen, um Geschichte und Handwerk zu verstehen und vor allem zu begreifen, was genau ein Werk zu einem Kunstwerk macht.

Während seiner Schulzeit war Soto von Anhängern des Modernismus umgeben. Nach dem Abschluss übernahm er jedoch die Leitung einer Kunstschule in einer kleinen Stadt. Schnell erkannte er, dass wann immer er versuchte, seinen Schülern Begeisterung für das Neue zu vermitteln, die anderen Lehrer, die in der Vergangenheit verhaftet waren, sie entmutigten und seinen Einfluss zunichtemachten. Er erkannte, dass er sich nur als Künstler weiterentwickeln konnte, wenn er seine Umgebung veränderte. Die meisten seiner Freunde aus der Schule waren bereits nach Europa gegangen. „Ich war in einem solchen Zustand der Verzweiflung,“ sagte er später, „dass ich eines Tages einfach die Schule zuschloss und alles hinter mir ließ. Ich ging nach Paris!“

Jesús Rafael Soto - Sphère Lutétia, 1996. Perrotin. Installation. Farbe auf Metall. 600,0 × 600,0 × 600,0 cm. 236,2 × 236,2 × 236,2 Zoll. Basel 2015. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Auf etwas Zubewegen

Soto kam 1949 nach Europa und wurde schnell Teil einer kleinen Gemeinschaft südamerikanischer Auswanderer mit Verbindungen zur Avantgarde-Künstlerszene. Inspiriert von all den Experimenten begann er, die Idee des Malens in seinem Geist zu zersetzen. Er hielt Figuration und Abstraktion für zu sehr von den Sympathien des Künstlers geprägt. Er entschied, dass er, wenn er die Kunst an einen neuen Ort führen wollte, zu einer Welt von Ideen zurückkehren musste, die der Raffinesse der modernen Kunst vorausging. Er begann, sich auf Beziehungen zwischen grundlegenden visuellen Elementen zu konzentrieren.

Er schuf Gemälde, die sich auf Kompositionen aus Gittern, Punkten, Linien und Quadraten konzentrierten und seine Farbpalette auf acht Grundfarben beschränkten. Er analysierte, wie die vereinfachten visuellen Elemente den Betrachter beeinflussten und wie das Auge mit den Kompositionen interagierte. Er bemerkte, wie er unterschiedliche räumliche Beziehungen und Unterschiede in Helligkeit und Dunkelheit nutzen konnte, um eine Komposition zu schaffen, die sich zu verändern schien, wenn sich der Betrachter um sie herum bewegte. Er konnte entweder das Auge täuschen, Bewegung wahrzunehmen, wo keine war, oder eine Komposition schaffen, die unmöglich aus einem einzigen Blickwinkel vollständig zu erfassen war und somit Bewegung des Betrachters erforderte.

Jesús Rafael Soto - Dos Cuadritos, Seiten- und Vorderansichten. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Wahre Kinetik

Natürlich gab es Mitte des 20. Jahrhunderts viele Künstler, die mit Bewegung und Illusion arbeiteten. Soto wollte, dass seine Kunst etwas grundlegend anderes ausdrückt. Er war mit verschiedenen anderen Künstlern befreundet, die Maschinen nutzten, um ihre Kunst in Bewegung zu setzen. Und er kannte auch viele Vertreter der Optischen Kunst, die Werke schufen, die das Auge täuschten und illusionäre räumliche Phänomene erzeugten. Aber er wollte Bewegung ohne Maschinen schaffen, und nicht nur durch Illusion, sondern durch reale, interaktive Beziehungen.

Jesús Rafael Soto - Beispiel für Vibrationen und Spiralen. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Um seine Ziele zu erreichen, begann er mit Werken zu experimentieren, die er Vibrationen nannte. Diese zeigen gemusterte Flächen mit weiteren gemusterten Elementen, die davor aufgehängt sind und beim Umhergehen des Betrachters ständig wechselnde ästhetische Erfahrungen erzeugen. Er schuf auch Werke namens Spiralen, die eine feste Fläche mit einem Muster zeigen und eine zweite transparente Fläche davor, die mit einem ergänzenden Muster bemalt ist. Die einfachen Kompositionen dieser Werke verändern sich vor den Augen, selbst wenn der Betrachter stillsteht, und wenn er sich bewegt, gibt es unendlich viele ästhetische Variationen.

Jesús Rafael Soto - Beispiel für Vibrationen und Spiralen. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Weiter Eindringen

Obwohl die ästhetischen Objekte, die Soto schuf, einzigartig und schön waren, waren seine philosophischen Errungenschaften für ihn noch nicht ganz befriedigend. Er hatte eines seiner Ziele erreicht, nämlich die physische Einbindung des Betrachters in sein Werk, da seine Stücke jemanden erforderten, der sich tatsächlich in ihrer Gegenwart befand, um die volle Wirkung zu erfahren. Und er hatte ein weiteres wichtiges Ziel erreicht, nämlich die Integration von Raum und Zeit in seine Kunst, da das vollständige Verständnis seiner Werke erforderte, dass der Betrachter sie aus verschiedenen Perspektiven über die Zeit hinweg und in Bewegung durch den Raum erlebte. Doch es gab noch etwas Wichtiges, das er erreichen wollte: die Vermittlung seiner Kernidee, die er „ein Universum voller Beziehungen“ nannte.

Soto erreichte dies mit einer Werkgruppe, die er Penetrables nannte. Diese bestehen aus dünnen Fasern, die in engem Muster von der Decke hängen. Ein Penetrable erlaubt es dem Betrachter, in das Werk einzutreten und vollständig in dessen Volumen einzutauchen. Einige Penetrables sind einfach klar oder einfarbig bemalt, während andere bemalte Elemente enthalten, die aus der Ferne die Illusion einer festen Masse im Raum erzeugen, die sich beim Berühren jedoch dem Betrachter fügt und so eine völlig andere ästhetische Erfahrung von innen ermöglicht.

Jesús Rafael Soto - das Penetrable in Caracas. © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Integrierte Kräfte

Soto nannte seine Penetrables „die Offenbarung des fühlbaren Raumes.“ Andere kinetische Künstler nutzten Motoren, Flaschenzüge oder Apparate, um bewegte Objekte zu schaffen, die dennoch nur betrachtet wurden. Auch Soto schuf Werke, die im Grunde nur vom Betrachter angesehen werden sollten. Mit der Erfindung seiner Penetrables standen die Menschen nicht mehr außerhalb des ästhetischen Phänomens und schauten hinein. „Heute“, sagte er, „wissen wir, dass der Mensch nicht auf der einen Seite und die Welt auf der anderen ist. Wir sind keine Beobachter, sondern integrale Teile einer Wirklichkeit, von der wir wissen, dass sie von lebendigen Kräften wimmelt, von denen viele unsichtbar sind.“

Dies war Sotos größte Errungenschaft. Er entwickelte die Auffassung, dass Menschen potenzielle Mitwirkende des Künstlers im ästhetischen Erlebnis sind. Die abstrakte Vorstellung, dass Betrachter notwendig sind, um ein Kunstwerk zu vollenden, gibt es schon lange. Soto trieb diese Idee bis zum äußersten Ende und bewies, dass es tatsächlich keine Betrachter gibt, sondern nur Teilnehmer an einem Erlebnis, das ohne sie keine Bedeutung hätte oder möglicherweise gar nicht existieren könnte.

Titelbild: Jesús Rafael Soto - das Houston Penetrable. 2004–2014. Lackierte Aluminiumstruktur, PVC-Rohre und wasserbasierte Siebdruckfarbe. Gesamtmaß: 848,4 × 1999 × 1211,6 cm (334 × 787 × 477 Zoll). © Nachlass von Jesús Rafael Soto / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio