Kubismus von Sonia Delaunay und die Erkundung der Farbe

Vieles könnte über die beruflichen Errungenschaften von Sonia Delaunay geschrieben werden, und wurde auch geschrieben. Sie war eine der einflussreichsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. In ihren 20ern führte ihr visionärer Ansatz zur Abstraktion dazu, dass sie eine der ersten Modernistinnen wurde. In ihren 30ern verwandelte sie ihre Atelierpraxis in die Manifestation eines Gesamtkunstwerks, oder totalen Kunstwerks, und demonstrierte das Bauhaus-Ideal zwei Jahre, bevor das Bauhaus gegründet wurde. Im Laufe ihres Lebens schuf sie einen einzigartigen und einflussreichen Körper von Gemälden und arbeitete ununterbrochen bis kurz vor ihrem Tod im Alter von 94 Jahren. Neben der Malerei arbeitete sie auch in der Mode, im Theater, im Film, im Verlagswesen und engagierte sich in allen Arten von Designaktivitäten. Mit 79 Jahren wurde sie nur die zweite lebende Künstlerin, die jemals eine Retrospektive im Louvre hatte, und die erste Künstlerin, die diesen Meilenstein erreichte. Man könnte sogar leicht argumentieren, dass Sonia Delaunay die erste Künstlerin war, die ihre Persona effektiv in eine Marke verwandelte, im zeitgenössischen Sinne des Wortes. Sich jedoch ausschließlich auf diese äußeren Errungenschaften zu konzentrieren, würde implizieren, dass es ihr Ziel von Anfang an war, solche Dinge zu erreichen. Aber in der Tat hatte Delaunay kein solches Ziel. Ihre einzigen Ziele waren aufrichtig, Farbe, Form und Komposition zu erkunden und der restlichen Welt durch ihre Kunst das unbekannte Wesen dessen zu offenbaren, was sie in sich selbst suchte.

Sonia Delaunay werden

Die Geschichte der frühen Jahre von Sonia Delaunay könnte bei jedem Elternteil Anklang finden. Wie einfach es ist, eine Gelegenheit zu schaffen oder nicht zu ergreifen, und wie die kleinste Veränderung der Umstände die Chancen eines Kindes auf Erfolg tiefgreifend beeinflussen kann. Sonia Delaunay wurde als Sarah Ilinitchna Stern in eine Arbeiterfamilie geboren, in dem, was heute die Ukraine ist. Ihre Möglichkeiten in ihrer Heimatstadt waren stark eingeschränkt, aber sie hatte einen wohlhabenden Onkel und eine Tante in St. Petersburg namens Henri und Anna Terk. Die Terks konnten keine eigenen Kinder haben und baten darum, Sarah von ihren kämpfenden Eltern zu adoptieren. Ihre Mutter wehrte sich zunächst. Aber als Sarah fünf Jahre alt war, gab ihre Mutter schließlich nach und erlaubte ihr, für immer nach St. Petersburg zu ziehen, um bei ihrem Onkel und ihrer Tante zu leben.

Als sie in St. Petersburg ankam, änderte Sarah ihren Namen in Sonia Terk. Mit ihrem neuen Namen kamen eine neue Reihe von Erfahrungen und viel vielfältigere Möglichkeiten. Das Leben mit ihrer Tante und ihrem Onkel umfasste Weltreisen, die beste Ausbildung und regelmäßige Besuche in Museen und Bibliotheken. Sie konnte Kunstbücher zu Hause durchblättern und sich an intellektuellen Diskussionen über verschiedene Themen beteiligen. Mit 16 Jahren hatte sie ein Interesse daran entwickelt, Künstlerin zu werden. Die Terks unterstützten ihr Interesse und schickten sie mit 18 Jahren nach Deutschland, um Kunst zu studieren. Zwei Jahre später, im Jahr 1905, zog sie erneut um, diesmal nach Paris, dem Epizentrum der avantgardistischen Kunst in Europa.

Ein Buch des modernistischen Dichters Blaise Cendrars, gebunden und illustriert von Sonia Delaunay im Jahr 1913.

Farbe entdecken

In Paris setzte Sonia Delaunay ihr Kunststudium an der Schule fort, aber die Erfahrungen, die sie mit ihren Lehrern machte, waren für ihre Veranlagung zu akademisch und formal. Sie stellte fest, dass sie viel mehr Inspiration in den Galerien erhielt, die Werke von experimentellen europäischen Künstlern wie den Post-Impressionisten zeigten. Sie war zur perfekten Zeit nach Paris gekommen. Sie fand sich im Herzen der Avantgarde-Community am Anfang des Kubismus, als geometrische Ebenen erstmals angenommen wurden, um eine vierdimensionale Realität zu vermitteln. Und sie war dort, als das Futuristische Manifest erstmals in den französischen Zeitungen gedruckt wurde, was die Idee der Bewegung in den Vordergrund der künstlerischen Diskussion brachte. Und die Fauvisten, die zu dem Zeitpunkt, als sie in die Stadt kam, auf dem Höhepunkt ihres Einflusses waren, inspirierten sie zutiefst. Sie war viszeral bewegt von der Art und Weise, wie ihre Augen die Beziehungen zwischen ihren brillanten und leuchtenden Farben wahrnahmen und ihre Emotionen erlebten.

Die frühen Gemälde, die Sonia Delaunay nach ihrer Ankunft in Paris schuf, erkundeten viele der Ideen dieser anderen Bewegungen auf figurative Weise. Aber sie suchte nach etwas anderem. Genauer gesagt wollte sie eine Möglichkeit finden, das Element Farbe um seiner selbst willen zu erkunden. Aber sie wollte auch intuitiv und frei sein. Sie hatte wenig Interesse an den akademischen Theorien, die von ihren Zeitgenossen ausgetauscht wurden, die sie für „Zu anspruchsvoll. Ich bin näher zur Natur und zum Leben“ hielt, erklärte sie einmal gegen Ende ihres Lebens. „Ich suchte nach etwas in mir selbst und nach und nach wurde es abstrakte Malerei.“

Sonia Delaunay - Gelbes Akt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Abstraktion finden

Der Durchbruch, der Sonia Delaunay schließlich dazu brachte, die non-objektive Malerei vollständig zu umarmen, kam auf die unerwartetste Weise. Wie ihr Weggang aus ihrer Heimatstadt nach St. Petersburg entstand er aus einer mutigen Entscheidung, ihr eigenes Schicksal zu gestalten. Als sie zum ersten Mal in Paris ankam, freundete sie sich mit einem Galeristen und Schriftsteller namens Wilhelm Uhde an, der die führenden Avantgarde-Künstler zeigte. Sie und er waren verwandte Seelen, wie sie sagte: „beide auf der Suche nach etwas Abstraktem.“ Sie heirateten nicht aus romantischer Anziehung, sondern weil die Vereinbarung praktische Vorteile für beide bot. Für Sonia befreite es sie von dem Druck, den sie von ihrer leiblichen Mutter erhielt, ihre Karriere als Künstlerin aufzugeben.

Dann traf Sonia eines Nachts in der Galerie, weniger als ein Jahr später, einen meinungsstarken, leidenschaftlichen jungen Künstler namens Robert Delaunay. Die beiden hatten sofort eine Verbindung und verliebten sich. Sonia bat Uhde um die Scheidung, die er einvernehmlich gewährte, und im nächsten Jahr heiratete sie Robert. Als die beiden ihr erstes Kind bekamen, nähte Sonia dem Baby eine Decke mit Techniken, die auf russischen Volkskunsttraditionen aus ihrer Heimat basierten. Als die Decke fertig war, sah sie darin die Inspiration, die sie gesucht hatte. Die Formen erinnerten sie an kubistische Ebenen, aber die Farbbeziehungen zwischen den Formen erweckten die gesamte Komposition zum Leben. Diese Decke, die Sonia Delaunay aus Instinkt für ihr Kind machte, wurde zur Grundlage all ihrer zukünftigen abstrakten Arbeiten.

Die Decke, die Sonia Delaunay 1911 für ihr Baby gemacht hat, ist jetzt Teil der Sammlung des Nationalen Museums für Moderne Kunst in Paris, Frankreich.

Orphischer Kubismus

In den Abenden in Paris gingen Sonia Delaunay und ihr Ehemann Robert Delaunay gemeinsam durch die Stadt und sprachen über Kunst. Auf ihren Spaziergängen bewunderten sie die elektrischen Lichter, die gerade installiert wurden. Sie diskutierten darüber, wie die Farben der Stadt durch das synthetische Licht beeinflusst wurden, und erfreuten sich an den Formen und Mustern, die das Licht erzeugte. Wenn sie von ihren Spaziergängen nach Hause zurückkehrten, versuchte jeder, ihre Erfahrungen auf Leinwand festzuhalten, indem er die Sprache der abstrakten Farbe und Form verwendete, inspiriert von dem Quilt, den Sonia gemacht hatte.

Sie nannten ihren einzigartigen visuellen Ansatz Simultanismus. Das Wort war ein Verweis auf die Beziehung zwischen Farben und Formen sowie auf die gleichzeitige Existenz mehrerer Realitäten in ihren Kompositionen. Als Sonia und Robert diese Gemälde ausstellten, nannte ihr Freund, der Kunstkritiker Guillaume Apollinaire, ihren neuen Stil Orphischer Kubismus oder Orphismus. Obwohl der Bezug nie ganz klar gemacht wurde, bezieht sich der Begriff auf den mythischen griechischen Musiker und Dichter Orpheus, dessen legendäre Musik die Fähigkeit haben sollte, alle Kreaturen und Dinge zu bezaubern.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Öl auf Leinwand. 182 x 149 cm. Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris, Frankreich

Die Poesie der Farben

Obwohl der Verweis auf Orpheus für das Werk von Sonia Delaunay angemessen erscheint, ist der Vergleich mit dem Kubismus fehl am Platz. Der Kubismus war sowohl akademisch als auch ästhetisch. Während Robert Delaunay ein eifriger Theoretiker und Analyst war, bevorzugte Sonia es, intuitiv zu arbeiten und den Schwerpunkt auf Erkundung und Experimentieren zu legen. Über diese Dichotomie sagte sie einmal: „Er sprach, aber ich erkannte.“ Obwohl Sonia eine Formsprache verwendete, die der der Kubisten ähnlich war, hatte sie keine intellektuellen Ziele, die mit ihnen übereinstimmten. Ihre Formen waren nur Gefäße für Farbe. „Wenn es geometrische Formen gibt“, erklärte sie einmal, als sie an der Sorbonne sprach, „liegt es daran, dass diese einfachen und handhabbaren Elemente sich als geeignet für die Verteilung von Farben erwiesen haben, deren Beziehungen das eigentliche Objekt unserer Suche darstellen."

Sonia verglich oft Malerei mit Poesie. Sonia Delaunay sah sich selbst als jemand, der Kombinationen von Farben suchte, die eine Vielzahl möglicher Interpretationen hervorrufen und gleichzeitig Bedeutungen schaffen konnten. Es war nur natürlich für sie, ihre künstlerischen Aktivitäten in die Welt des Designs auszudehnen, da es für sie, wie sie es erlebte, keine Trennung zwischen Kunst und Leben gab. Ob ihre Kompositionen nun an der Seite eines Autos, auf einem Pelzmantel, auf einem Kostüm für ein Theaterstück oder auf der Oberfläche einer Leinwand waren, sie sah keinen Unterschied. Sie glaubte, dass „Farben Worte sind, ihre Beziehungen Rhythmen“ und dass sie, in welcher Form auch immer sie sie zusammenbrachte, durch ihre Anstrengung „ein vollendetes Gedicht“ wurden.

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ca. 1970. Lithografie. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 in.)

Titelbild: Sonia Delaunay - Synkopierter Rhythmus, so genannte Die schwarze Schlange (Detail), 1967
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio