Kubismus von Sonia Delaunay und die Erkundung der Farbe

Vieles könnte geschrieben werden, und wurde auch geschrieben, über die beruflichen Errungenschaften von Sonia Delaunay. Sie war eine der einflussreichsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. In ihren Zwanzigern führte ihr visionärer Zugang zur Abstraktion dazu, dass sie eine der ersten modernistischen Künstlerinnen wurde. In ihren Dreißigern verwandelte sie ihre Atelierarbeit in die Verwirklichung eines Gesamtkunstwerks, das Ideal des Bauhauses zwei Jahre bevor das Bauhaus überhaupt existierte. Im Laufe ihres Lebens schuf sie einen einzigartigen und einflussreichen Bestand an Gemälden und arbeitete ununterbrochen bis kurz vor ihrem Tod im Alter von 94 Jahren. Neben der Malerei war sie auch in Mode, Theater, Film, Verlagswesen tätig und engagierte sich in allen möglichen Gestaltungsbereichen. Im Alter von 79 Jahren wurde sie erst die zweite lebende Künstlerin, die eine Retrospektive im Louvre erhielt, und die erste Frau, die diesen Meilenstein erreichte. Man könnte sogar leicht behaupten, dass Sonia Delaunay die erste Künstlerin war, die ihre Persönlichkeit im zeitgenössischen Sinne effektiv zu einer Marke machte. Doch sich ausschließlich auf diese äußeren Erfolge zu konzentrieren, würde bedeuten, dass dies ihr Ziel von Anfang an gewesen sei. Tatsächlich hatte Delaunay keine solchen Absichten. Ihre einzigen ehrlichen Ziele waren es, Farbe, Form und Komposition zu erforschen und der Welt durch ihre Kunst das unbekannte Wesen dessen zu offenbaren, was sie in sich selbst suchte.

Wie Sonia Delaunay wurde

Die Geschichte der frühen Jahre von Sonia Delaunay könnte jedem Elternteil bekannt vorkommen. Wie leicht es ist, eine Gelegenheit zu schaffen oder zu verpassen, und wie die kleinste Veränderung der Umstände die Erfolgschancen eines Kindes tiefgreifend beeinflussen kann. Sonia Delaunay wurde als Sarah Ilinitchna Stern in eine Arbeiterfamilie geboren, in dem Gebiet, das heute die Ukraine ist. Ihre Möglichkeiten in ihrer Heimatstadt waren stark begrenzt, doch sie hatte einen wohlhabenden Onkel und eine Tante in St. Petersburg namens Henri und Anna Terk. Die Terks konnten keine eigenen Kinder bekommen und baten darum, Sarah von ihren kämpfenden Eltern zu adoptieren. Ihre Mutter wehrte sich zunächst. Doch als Sarah fünf Jahre alt war, gab ihre Mutter schließlich nach und erlaubte ihr, dauerhaft nach St. Petersburg zu ziehen, um bei ihrem Onkel und ihrer Tante zu leben.

Als sie in St. Petersburg ankam, änderte Sarah ihren Namen in Sonia Terk. Mit ihrem neuen Namen kamen neue Erfahrungen und viel vielfältigere Möglichkeiten. Das Leben bei ihrer Tante und ihrem Onkel umfasste Weltreisen, die beste Ausbildung und regelmäßige Besuche in Museen und Bibliotheken. Sie konnte zu Hause Kunstbücher durchblättern und sich an intellektuellen Diskussionen über verschiedene Themen beteiligen. Mit 16 Jahren entwickelte sie ein Interesse daran, Künstlerin zu werden. Die Terks förderten ihr Interesse und schickten sie mit 18 Jahren nach Deutschland, um Kunst zu studieren. Zwei Jahre später, 1905, zog sie erneut um, diesmal nach Paris, das Zentrum der avantgardistischen Kunst in Europa.

Ein Buch des modernistischen Dichters Blaise Cendrars, gebunden und illustriert von Sonia Delaunay im Jahr 1913

Die Entdeckung der Farbe

In Paris setzte Sonia Delaunay ihr Kunststudium fort, doch die Erfahrungen mit ihren Lehrern waren ihr zu akademisch und formell. Sie fand, dass sie in den Galerien, die Werke experimenteller europäischer Künstler wie der Postimpressionisten zeigten, viel mehr Inspiration erhielt. Sie war zur richtigen Zeit in Paris angekommen. Sie befand sich im Herzen der avantgardistischen Gemeinschaft am Beginn des Kubismus, als geometrische Flächen erstmals verwendet wurden, um eine vierdimensionale Wirklichkeit darzustellen. Und sie war dabei, als das Futuristen-Manifest erstmals in französischen Zeitungen erschien und die Idee der Bewegung in den Mittelpunkt der künstlerischen Diskussion rückte. Die Fauves, die zu dieser Zeit auf dem Höhepunkt ihres Einflusses waren, inspirierten sie tief. Sie war zutiefst bewegt von der Art, wie ihre Augen die Beziehungen zwischen deren brillanten und leuchtenden Farben wahrnahmen und ihre Gefühle diese erfuhren.

Die frühen Gemälde, die Sonia Delaunay nach ihrer Ankunft in Paris schuf, erforschten viele Ideen dieser anderen Bewegungen auf figurative Weise. Doch sie suchte nach etwas anderem. Genauer gesagt wollte sie eine Möglichkeit finden, das Element Farbe um seiner selbst willen zu erforschen. Gleichzeitig wollte sie intuitiv und frei sein. Sie hatte wenig Interesse an den akademischen Theorien ihrer Zeitgenossen, die sie als „zu anspruchsvoll. Ich bin näher an der Natur und am Leben“ beschrieb, wie sie einmal gegen Ende ihres Lebens erklärte. „Ich suchte etwas in mir selbst und nach und nach wurde daraus abstrakte Malerei.“

Sonia Delaunay – Gelber Akt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Die Entdeckung der Abstraktion

Der Durchbruch, der Sonia Delaunay schließlich dazu brachte, die gegenstandslose Malerei vollständig anzunehmen, kam auf unerwartete Weise. Wie ihr Weg von ihrer Heimatstadt nach St. Petersburg entstand er aus einer mutigen Entscheidung, ihr eigenes Schicksal zu gestalten. Als sie erstmals in Paris ankam, freundete sie sich mit einem Galeristen und Schriftsteller namens Wilhelm Uhde an, der führende avantgardistische Künstler zeigte. Sie waren verwandte Seelen, wie sie sagte, „beide auf der Suche nach etwas Abstraktem“. Sie heirateten nicht aus romantischer Anziehung, sondern weil die Verbindung praktische Vorteile für beide brachte. Für Sonia bedeutete dies, dass sie sich vom Druck ihrer leiblichen Mutter befreien konnte, ihre Künstlerkarriere aufzugeben.

Weniger als ein Jahr später traf Sonia in der Galerie einen meinungsstarken, leidenschaftlichen jungen Künstler namens Robert Delaunay. Die beiden hatten sofort eine Verbindung und verliebten sich. Sonia bat Uhde um Scheidung, die er einvernehmlich gewährte, und im nächsten Jahr heiratete sie Robert. Als sie ihr erstes Kind bekamen, nähte Sonia dem Baby eine Decke von Hand, basierend auf Techniken der russischen Volkskunst aus ihrer Heimat. Als die Decke fertig war, erkannte sie darin die Inspiration, die sie gesucht hatte. Die Formen erinnerten sie an kubistische Flächen, doch die Farbbeziehungen zwischen den Formen erweckten die gesamte Komposition zum Leben. Diese Decke, die Sonia Delaunay instinktiv für ihr Kind anfertigte, wurde zur Grundlage all ihrer späteren abstrakten Arbeiten.

Die Decke, die Sonia Delaunay 1911 für ihr Baby anfertigte, heute Teil der Sammlung des Nationalmuseums für Moderne Kunst in Paris, Frankreich

Orphischer Kubismus

Abends gingen Sonia Delaunay und ihr Ehemann Robert Delaunay gemeinsam durch die Stadt und sprachen über Kunst. Auf ihren Spaziergängen bewunderten sie die elektrischen Lichter, die gerade erst installiert wurden. Sie diskutierten darüber, wie die Farben der Stadt durch das künstliche Licht beeinflusst wurden, und freuten sich über die Formen und Muster, die das Licht erzeugte. Nach ihren Spaziergängen versuchten beide, ihre Eindrücke auf Leinwand festzuhalten, mit der Sprache abstrakter Farbe und Form, inspiriert von der Decke, die Sonia gemacht hatte.

Sie nannten ihren einzigartigen visuellen Ansatz simultanéisme. Das Wort bezog sich auf die Beziehung zwischen Farben und Formen sowie das gleichzeitige Bestehen mehrerer Wirklichkeiten in ihren Kompositionen. Als Sonia und Robert diese Gemälde ausstellten, taufte ihr Freund, der Kunstkritiker Guillaume Apollinaire, ihren neuen Stil orphischer Kubismus oder Orphismus. Obwohl die genaue Bedeutung nie ganz klar wurde, bezieht sich der Begriff auf den mythischen griechischen Musiker und Dichter Orpheus, dessen legendäre Musik angeblich alle Wesen und Dinge bezaubern konnte.

Sonia Delaunay – Rythme, 1938. Öl auf Leinwand. 182 x 149 cm. Nationalmuseum für Moderne Kunst, Paris, Frankreich

Die Poesie der Farben

Obwohl der Bezug zu Orpheus für das Werk von Sonia Delaunay passend erscheint, ist der Vergleich mit dem Kubismus unzutreffend. Kubismus war ebenso akademisch wie ästhetisch. Während Robert Delaunay ein eifriger Theoretiker und Analytiker war, arbeitete Sonia lieber intuitiv und legte den Schwerpunkt auf Erkundung und Experiment. Über diese Gegensätzlichkeit sagte sie einmal: „Er sprach, aber ich erkannte.“ Obwohl Sonia eine Formensprache verwendete, die der der Kubisten ähnelte, hatte sie keine gemeinsamen intellektuellen Ziele mit ihnen. Ihre Formen waren nur Gefäße für Farbe. „Wenn es geometrische Formen gibt“, erklärte sie einmal bei einem Vortrag an der Sorbonne, „ist es, weil diese einfachen und handhabbaren Elemente sich als geeignet für die Verteilung der Farben erwiesen haben, deren Beziehungen das eigentliche Ziel unserer Suche sind.“

Sonia verglich die Malerei oft mit Poesie. Sie sah sich selbst als Suchende nach Farbkombinationen, die eine Vielzahl möglicher Deutungen hervorrufen und gleichzeitige Bedeutungen schaffen konnten. Es war nur natürlich, dass sie ihre künstlerischen Tätigkeiten auf das Gebiet der Gestaltung ausweitete, da sie keine Trennung zwischen Kunst und Leben sah. Ob ihre Kompositionen an der Seite eines Wagens, auf einem Pelzmantel, einem Kostüm für ein Theaterstück oder auf der Leinwand entstanden, machte für sie keinen Unterschied. Sie glaubte, dass „Farben Worte sind, ihre Beziehungen Rhythmen“ und dass sie in welcher Form auch immer sie sie zusammenfügte, durch ihre Anstrengung „ein vollendetes Gedicht“ wurden.

Sonia Delaunay – Grande Helice Rouge, ca. 1970. Lithografie. 72,5 x 88,5 cm (28,5 x 34,8 Zoll)

Titelbild: Sonia Delaunay – Synkopierter Rhythmus, sogenannter Der Schwarze Schlange (Detail), 1967
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio