Zehn unvergessliche Beispiele für abstrakte Zeichnung

Zeichnen ist eine der einfachsten und zugänglichsten Methoden, Kunst zu schaffen. Fast jeder kann es tun. Alles, was man braucht, ist ein Schreibgerät und eine ebene Fläche. So einfach das Medium auch sein mag, einige der unvergesslichsten abstrakten Kunstwerke sind abstrakte Zeichnungen. Manchmal kann abstrakte Kunst polarisieren. Sie ist von Natur aus mehrdeutig und lädt zu einer gewissen Spekulation ein. Für viele Menschen ist diese Mehrdeutigkeit reizvoll, weil sie die uneingeschränkte Teilnahme aller ermöglicht, die sich auf ein Kunstwerk einlassen wollen. Für andere hingegen ist der Druck, ein abstraktes Kunstwerk „zu verstehen“ oder „zu entschlüsseln“, abschreckend. Abstrakte Zeichnungen mildern diesen Druck auf gewisse Weise. Sie sind zugänglich und direkt. Sie verwenden ein begrenztes Spektrum an Materialien und sind meist kleinformatig. Außerdem ist es das Natürlichste der Welt, sich mit Bleistift und Papier hinzusetzen. Es gibt keine Erwartungen. Es wurde nur wenig Geld für die Materialien ausgegeben. Ein Künstler kann Dutzende Zeichnungen anfertigen und sie alle wegwerfen, ohne nennenswerte Ressourcen zu verlieren. Dieser Umstand könnte teilweise erklären, warum so viele ikonische abstrakte Zeichnungen von Künstlern stammen, die normalerweise in anderen Medien arbeiten; denn in ihren unbewachten Momenten zeichneten sie beiläufig etwas, das die wahre Natur ihrer tiefsten Ideen ausdrückte.

Definition abstrakter Zeichnungen

Das Wort Zeichnung hat sich im letzten Jahrhundert in seiner Bedeutung etwas gelockert. Früher wurde eine Zeichnung als ein Bild definiert, das mit Stift, Bleistift oder Wachsmalstift auf einer zweidimensionalen Fläche entstand. Doch im vergangenen Jahrhundert haben mehrere innovative Künstler diese Definition erweitert. Alexander Calder bezeichnete seine Drahtskulpturen als Zeichnungen im Raum. Sol LeWitt fertigte Zeichnungen an, indem er Risse in ein Blatt Papier schnitt; diese Risse stellten gezeichnete Linien dar. Die in Palästina geborene britische Künstlerin Mona Hatoum fertigt Zeichnungen an, indem sie menschliche Haare in abstrakten Mustern auf handgeschöpftem Papier befestigt. Viele Künstler wie Paul Klee verbinden das Zeichnen mit anderen Techniken wie Malerei und Collage.

Obwohl sich die Definition von Zeichnung weit über die ursprüngliche Bedeutung hinaus erweitert hat, haben wir für unsere Liste unvergesslicher abstrakter Zeichnungen versucht, Werke auszuwählen, die den einfachsten möglichen Zugang zum Akt des Zeichnens repräsentieren. Die meisten unserer Auswahlstücke sind auf Papier mit Graphit oder Tusche gefertigt und wurden bewusst als fertige Kunstwerke geschaffen. Einige sind Vorstudien für andere Kunstwerke, manche fertig, manche nicht, oder dienten dazu, Details einer Idee auszuarbeiten. Viele Künstler greifen zum Zeichnen, um ein wesentliches Konzept auszudrücken, mit dem sie ringen, und plötzlich entsteht eine Form, eine Geste oder eine Komposition, die das Wesen ihrer Suche perfekt ausdrückt. Einige solcher Beispiele finden sich auf unserer Liste. Ohne weitere Umschweife präsentieren wir hier unsere Liste von zehn abstrakten Zeichnungen, die wir unvergesslich finden.

Ulrike Müller – Neugier 1

Die in Österreich geborene Ulrike Müller ist eine einflussreiche Stimme der zeitgenössischen abstrakten Kunst. In ihrer Atelierarbeit beschäftigt sie sich mit einer Vielzahl von Tendenzen, darunter auch das Zeichnen. Ihr Werk behandelt Beziehungen, sowohl zwischen Individuen und Gruppen als auch zwischen Formen und Symbolen. Die von uns ausgewählte Zeichnung von Müller ist Teil einer größeren Werkserie, die verschiedene Formen und Kompositionsvariationen im Zusammenhang mit Geschlecht und Sexualität erforscht. Diese Zeichnung sticht für uns als ikonisch für das gesamte Vokabular der Serie hervor und steht zugleich als eigenständiges, transzendentes abstraktes Bild. Sie bietet eine Vielzahl möglicher Interpretationen und nutzt die besonderen Eigenschaften ihres Mediums.

Ulrike Müller – Neugier 1, 2005–2006. Bleistift und Sprühfarbe auf 51 Papierblättern. Jeweils: 27,9 × 21,6 cm (11 × 8 1/2"). Erworben durch die Großzügigkeit des Contemporary Arts Council des Museum of Modern Art. MoMA-Sammlung

Richard Tuttle – Blau/Rot, Phase: Zeichnungen #4

Der postminimalistische Künstler Richard Tuttle ist bekannt für einfache, elegante Kunstwerke, die Universalitäten auf möglichst direkte Weise ausdrücken. Der Einfluss seiner Persönlichkeit und seiner Hand ist in seinen Werken deutlich spürbar. Sein Werk umfasst Gemälde, Skulpturen, Installationen und Zeichnungen. Einige seiner ikonischsten Werke verwenden die einfachsten Materialien und zartesten Handlungen, zum Beispiel das Formen eines dünnen Drahtes und das Aufhängen an einer Wand unter direktem Licht, wobei die Form mit ihrem Schatten spielt. Diese einfache Zeichnung von Tuttle drückt sowohl die Schlichtheit als auch die eigenwillige Persönlichkeit seines Werks auf schöne und kraftvolle Weise aus.

Richard Tuttle – Blau-Rot, Phase, Zeichnungen #4, Gouache, Filzstift und Bleistift auf Papier im Künstlerrahmen. 38,1 × 31,1 × 3,8 cm (15 × 12 1/4 × 1 1/2"). Geschenk der Judith Rothschild Foundation Contemporary Drawings Collection. MoMA-Sammlung. © 2019 Richard Tuttle

Donald Judd – Ohne Titel (Bleistiftzeichnung auf gelbem Papier)

Donald Judd ist vielleicht am besten bekannt für seinen durchdachten und klugen Aufsatz mit dem Titel Specific Objects, der viele der philosophischen Anliegen der mit Minimalismus verbundenen Künstler behandelte. Wir haben diese Zeichnung von Judd aus vielleicht einem eher subversiven Grund ausgewählt. Sein Werk war streng emotionslos. Es verwendete industrielle Materialien und Verfahren und vermied Verweise auf die Persönlichkeit oder Körperlichkeit des Künstlers. Diese Zeichnung, sorgfältig von Hand mit einem einfachen, uralten Medium auf Papier gefertigt und voller kleiner Unvollkommenheiten, verrät viele der Ideale, die Judd am meisten schätzte. Dennoch spricht die intensive Farbe des Werkes im Gespräch mit seinen denkwürdigsten Arbeiten.

Donald Judd – Ohne Titel (Bleistift auf farbigem Papier). 1976. 36,8 × 43,5 cm (14 1/2 × 17 1/8"). Geschenk von Sarah-Ann und Werner H. Kramarsky. MoMA-Sammlung. © 2019 Judd Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Dorothea Rockburne – Zeichnung, die sich selbst macht

Dorothea Rockburne bezeichnete das Zeichnen als „die Knochen des Denkens“. In den 1970er Jahren bot sie durch ihre Experimente mit preiswerten Materialien, persönlichen, intimen Prozessen und den einfachsten Gesten eine einzigartige ästhetische Aussage. Ihre gefalteten Papierarbeiten, auf denen sie entlang der Falten zeichnete, sind sowohl subtil als auch tiefgründig. Wir haben diese Zeichnung ausgewählt, weil sie expressive geometrische Muster mit den einfachsten Mitteln präsentiert, nämlich durch Druck auf Kohlepapier. Sie gewährt einen ikonischen Einblick in ihren schönen Geist.

Dorothea Rockburne – Zeichnung, die sich selbst macht, Kohle, Kohleübertragung und Bleistift auf Papier, 57 × 76 cm, 1972. © 2019 Dorothea Rockburne / Artists Rights Society (ARS), New York

Robert Smithson – Ohne Titel (Drei Spiral Jetty Zeichnungen)

Anfang dieses Jahres hatten wir die Gelegenheit, persönlich Spiral Jetty zu besuchen, das wegweisende Landkunstwerk von Robert Smithson im Becken des Großen Salzsees in Utah. Die Anfahrt zum Ort kann hart sein, eine zehn Meilen lange langsame Fahrt über eine unbarmherzige, löchrige Schotterstraße. Und das Kunstwerk selbst ist schwer zu erfassen, da es mit der natürlichen Erhabenheit seiner Umgebung konkurriert. Diese Zeichnung, spielerisch auf Millimeterpapier gefertigt, drückt die Unschuld und Universalität von Spiral Jetty aus und bleibt in Erinnerung, weil sie uns hilft, das Gesamterlebnis des Werks einzuordnen.

Robert Smithson – Ohne Titel (Drei Spiral Jetty Zeichnungen), ca. 1970. Bleistift auf drei Blättern Millimeterpapier. Jeweils 27,9 × 21,6 cm (11 × 8 1/2"). Teilweise und versprochenes Geschenk von Tony Ganz zum Gedenken an Victor und Sally Ganz. MoMA-Sammlung

Georgia O’Keeffe – Zeichnung X

Georgia O’Keeffe begann ihre Karriere, indem sie eine Reihe von Kohlezeichnungen an eine Freundin schickte, um deren Meinung einzuholen. Diese Freundin brachte die Zeichnungen in die Galerie von Alfred Stieglitz in New York City. Stieglitz war ein großer Einfluss auf die modernistische Kunstszene und bezeichnete die Zeichnungen als die „reinsten, feinsten, aufrichtigsten Dinge“, die er seit langem gesehen hatte. O’Keeffe fertigte diese Zeichnung vier Jahrzehnte später an. Wie viele ihrer Werke kann sie als Anklang an eine natürliche Form gelesen werden, etwa die Krümmung eines Baumzweigs, oder als völlig abstrakt. Wir lieben sie für die Meisterschaft des Mediums und ihre mühelose Schlichtheit.

Georgia O’Keeffe – Zeichnung X, 1979. Kohle auf Papier. 63,2 × 47,3 cm (24 7/8 × 18 5/8"). © 2019 The Georgia O’Keeffe Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Rachel Whiteread – 24 Schalter an und aus

Die zeitgenössische Künstlerin Rachel Whiteread hat einen bemerkenswerten Karrierestart hingelegt. Sie galt als eine der Young British Artists und wurde 1993 die erste weibliche Preisträgerin des Turner-Preises. Whiteread ist vor allem für ihr skulpturales Werk bekannt, das aus Abgüssen von Gegenständen und Strukturen verschiedener Größen besteht. Sie ist auch für monumentale ortsspezifische Installationen bekannt. Zeichnen ist kein Hauptbestandteil ihrer Arbeit. Sie nutzt Zeichnungen, wie sie sagt, um „einen Raum zu choreografieren“. Wir haben diese Zeichnung wegen ihrer Qualitäten als eigenständiges Kunstwerk ausgewählt. In gewissem Sinne könnte sie helfen, ein dreidimensionales Werk neu zu kontextualisieren, doch wir wählten sie wegen der Reinheit und Eleganz, die sie als einzigartige abstrakte ästhetische Ausdrucksform ausstrahlt.

Rachel Whiteread – 24 Schalter an und aus, 1998. Silberblatt und gelbe Tinte auf Papier. 66,7 × 49,5 cm (26 1/4 × 19 ½"). Committee on Drawings Funds. MoMA-Sammlung. © 2019 Rachel Whiteread

Elaine de Kooning – Unbenutzte Vorzeichnung aus In Memory of My Feelings

Frank O’Hara war ein bekannter Dichter und ehemaliger stellvertretender Kurator für Malerei und Skulptur am New Yorker MoMA. Er starb 1966. Im folgenden Jahr veröffentlichte das Museum ein Buch und eine begleitende Ausstellung zu seinen Ehren. Das Buch enthielt sechzig Zeichnungen von 30 amerikanischen Künstlern, darunter die größten Namen der abstrakten Kunst der Mitte des Jahrhunderts. Wir haben diese unbenutzte Einreichung von Elaine de Kooning ausgewählt. Obwohl andere Zeichnungen von de Kooning im Buch verwendet wurden, finden wir in dieser Zeichnung eine unvergleichliche flüchtige Qualität, die den anderen akzeptierten Werken fehlt. Die Anmut, die Unmittelbarkeit ihrer Gesten und die Schlichtheit ihrer Form rufen Vorstellungen eines alten, unbekannten Alphabets voller Gefühl und Tiefe hervor.

Elaine de Kooning – Unbenutzte Vorzeichnung aus In Memory of My Feelings, 1967. Tusche auf Folie. Blatt: 35,3 × 27,9 cm (13 7/8 × 11"). Geschenk der Künstlerin. MoMA-Sammlung

Kazimir Malevich – Suprematistische Zeichnung

Im Jahr 1915 revolutionierte Kazimir Malevich die Abstraktion mit der Schaffung seines ikonischen Kunststils, bekannt als Suprematismus. Verkörpert durch sein ikonisches Gemälde Schwarzes Quadrat, war diese kühne neue Bildsprache damals und ist für viele noch heute der ultimative Ausdruck von Reinheit und Universalität. Malevich fertigte oft Skizzen seiner Ideen für Gemälde an. Wir haben diese besondere Zeichnung wegen ihres verspielten Charakters und der Bewegung, die sie einzufangen scheint, sowie wegen der spielerischen, lässigen Unvollkommenheit ausgewählt, die sie ausstrahlt.

Kazimir Malevich – Suprematistische Zeichnung, 1916–1917

Ellsworth Kelly – Ein Strich

Die biomorphen abstrakten Kunstwerke von Ellsworth Kelly sind oft von natürlichen Formen wie Blättern oder Früchten inspiriert. Er begann den Prozess eines größeren Werks häufig, indem er die Formen skizzierte und zeichnete, die er in einem Garten oder Park sah. Diese Zeichnung könnte als Blatt gelesen werden und steht definitiv im Dialog mit vielen anderen Zeichnungen, die ähnliche Formen enthalten. Doch sie hebt sich von seinen anderen Werken ab. Ihr Titel verweist auf die Einzigartigkeit der ununterbrochenen Linie. Die Komposition bietet mehrere Deutungen und ordnet den Raum zu einer nachdenklichen, zugleich spielerischen Anordnung.

Ellsworth Kelly – Ein Strich, 1962. Graphit auf Papier. 72,4 × 57,2 cm (28 1/2 × 22 1/2 Zoll). Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Erworben mit Mitteln von Beatrice und Silas H. Rhodes, 1969. © Ellsworth Kelly

Titelbild: Georgia O’Keeffe – Zeichnung X (Detail), 1979. Kohle auf Papier. 63,2 × 47,3 cm. © 2019 The Georgia O’Keeffe Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio