Impasto-Malerei in der abstrakten Kunst

Vielleicht ist das symbolischste Gebäude in Amerika das One World Trade Center in Lower Manhattan. Als das Herzstück der Entwicklung, die die 2001 zerstörten Zwillingstürme ersetzt hat, ist seine bloße Existenz eine kraftvolle Aussage. Zu seiner Symbolik tragen zwei massive, abstrakte Impasto Gemälde, die dauerhaft in der Lobby des südlichen Eingangs installiert sind, erheblich bei. Das Gebäude wird auch Freedom Tower genannt und ist das höchste Gebäude der westlichen Hemisphäre. Es erhebt sich 1776 Fuß: ein absichtlicher Verweis auf das Jahr, in dem Amerika seine Unabhängigkeit erklärte. Die zuvor erwähnten Impasto-Gemälde, die die Wände der südlichen Lobby schmücken, stammen von dem amerikanischen Künstler Donald Martiny. Eines der Gemälde trägt den Namen Lenape, und das andere heißt Unami. Die Titel beziehen sich auf die präkolumbianische Geschichte New Yorks. Die Lenape sind der einheimische Stamm, der ursprünglich das Land bewohnte, auf dem der Freedom Tower erbaut wurde. Unami ist ein Lenape-Dialekt. An der Spitze des Freedom Tower befindet sich eine Aussichtsplattform namens One World Observatory. So weit das Auge reicht, unterstützte die gesamte Umgebung einst die Lenape-Kultur. Was wird also durch dieses Gebäude kommuniziert? Es wurde entworfen, um an einen der schlimmsten Terroranschläge in der Menschheitsgeschichte zu erinnern. Es bringt die Ideen einer Welt, Freiheit, Unabhängigkeit und Handel vor. Es ermutigt die Besucher, einen langfristigen Blickwinkel einzunehmen. Und seine prominentesten Kunstwerke sind nach denen benannt, die unterdrückt wurden, um die Nation zu bauen, die für seine Schaffung verantwortlich ist. Welches Gespräch findet hier statt? Was bedeutet all diese Symbolik? Vielleicht gibt es etwas von den Kunstwerken selbst zu lernen und von den abstrakten Qualitäten, die Impasto Malerei repräsentiert.

Schatten und Licht

Der Begriff Impasto stammt vom italienischen Wort für Teig. In der Malerei bezieht er sich auf die Technik, dicke Schichten von Medium auf eine Oberfläche aufzutragen, um einer Kunstwerk eine texturale Dimension zu verleihen. Der italienische Maler Titian aus dem 16. Jahrhundert war einer der ersten Künstler, von denen bekannt ist, dass sie absichtlich Impasto-Techniken in ihre Gemälde integriert haben. Er begann, die Technik in einer Zeit zu verwenden, als Gemälde für ihre glatten Oberflächen und das Fehlen sichtbarer Pinselstriche geschätzt wurden. Als meisterhafter realistischer Maler erkannte Titian, dass er durch das Ansammeln von Farbe in bestimmten Bereichen auf einer Oberfläche Variationen in der Lichtreflexion erzeugen konnte, was den Elementen eines Gemäldes ein lebensechtes Gefühl verlieh.

Jeder Impasto-Pinselstrich verursacht Abstufungen in Farbe, die aus den Schatten entstehen, wenn Licht auf die erhabene Farbe trifft. Je nach Position der Lichter und dem Standpunkt eines Betrachters kann ein Impasto-Gemälde auf subtile Weise variieren, was Variationen in der Tiefe und ein erhöhtes Gefühl von Realismus hinzufügt. In seinem eigenen Jahrhundert brach Titian mit der Tradition, indem er seine Pinselstriche sichtbar machte und die Materialeigenschaften seines Mediums zur Geltung brachte. Aber er war so meisterhaft in dieser Technik, dass sein Einfluss dazu führte, dass sie schnell populär wurde. Im 17. Jahrhundert integrierte Rembrandt berühmt Impasto-Malerei in seine Werke. Und im 19. Jahrhundert war die Technik so angesehen, dass Van Gogh sie zu seinem Markenzeichen machte.

Van Gogh - Die Sternennacht, 1889, 1889. Öl auf Leinwand. 29 x 36 1/4 Zoll. MoMA Sammlung. © Van Gogh (Links) und Detail (Rechts)

Abstrakte Ausdrücke

Um die Wende zum 20. Jahrhundert suchte eine Gruppe von Malern, die als Expressionisten bekannt sind, nach Möglichkeiten, innere emotionale Zustände in ihren Gemälden auszudrücken, anstatt einfach die äußere Realität festzuhalten. Sie übernahmen die Impasto-Malerei als eine ihrer bevorzugten Techniken. Dick aufgetragene Farbe besitzt viele inhärente Qualitäten, wie Gewicht, Tiefe und Schwere. Je dicker sie aufgetragen wird, desto mehr Schatten erzeugt sie. Sie abstrahiert Bilder und verzerrt die Art und Weise, wie Betrachter mit dem Motiv interagieren. Die Expressionisten fanden sie ideal, um Ernsthaftigkeit, Intensität und Drama zu kommunizieren.

Zur gleichen Zeit, als der Expressionismus an Bedeutung gewann, wurde die Abstraktion auch für viele Künstler zu einem wachsenden Anliegen. Die Impasto-Malerei stellte sich als ideale Technik für abstrakte Maler heraus, da sie half, den Fokus eines Gemäldes von der Thematik auf die formalen Qualitäten des Werkes zu verlagern. Ein abstraktes Impasto-Gemälde muss daher nichts anderes als die Farbe darstellen. Hans Hofmann war ein besonders einflussreicher abstrakter Künstler, der die Impasto-Malerei voll und ganz annahm. Hofmann glaubte, dass Künstler, indem sie sich auf die formalen Elemente der Ästhetik konzentrierten, anstatt die Realität nachzuahmen, tiefere Wahrheiten ausdrücken könnten. Er nutzte die Impasto-Malerei, um die abstrakten Qualitäten von Struktur, Raum, Farbe, Form und Illusion auszudrücken.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Öl auf Leinen. 40 x 50 Zoll. (101,6 x 127 cm). Privatbesitz.  Courtesy Tom Powel Imaging (Links) und Malereidetail (Rechts)

Skulpturale Dimensionen

Neben seiner Tätigkeit als Maler war Hofmann auch Lehrer. Viele der Schüler, die er unterrichtete, wie Helen Frankenthaler und Lee Krasner, die Frau von Jackson Pollock, wurden führende Persönlichkeiten der abstrakten Expressionismusbewegung. Hofmann hatte einen tiefgreifenden Einfluss darauf, wie diese Maler mit ihren Materialien umgingen. Da der Fokus vieler abstrakter Expressionisten darin bestand, ihre unterbewussten Gefühle auszudrücken und die Emotion und Intensität des Malakts auf die Leinwand zu bringen, vermittelte Hofmann ihnen, dass die materiellen Eigenschaften ihres Mediums ein Schlüsselelement in ihrer Arbeit sein sollten.

Er lehrte sie, dass „jedes Ausdrucksmedium seine eigene Ordnung des Seins hat.“ In den Händen von Malern wie Jackson Pollock und Jane Frank erhielt die Impasto-Malerei eine völlig neue Dimension, buchstäblich. Jane Frank baute skulpturale Schichten von Medien auf ihren Impasto-Oberflächen auf. Jackson Pollock spritzte, tropfte und goss Farbe in so massiven Mengen, dass das schiere Gewicht seiner Impasto-Schichten drohte, die Träger seiner Werke zu zerstören. Die Abstrakten Expressionisten erweiterten zudem das Konzept der Impasto-Malerei, um Dinge jenseits von Farbe einzuschließen, wie ungewöhnliche Medien und Abfälle wie zerbrochenes Glas, Steine, Zigarettenstummel. Indem diese Maler ungewöhnliche Materialien und Medien zu ihren Impasto-Schichten hinzufügten, drückten sie konzeptionelle sowie physische Tiefe aus.

Jane Frank - Klüfte und Ritzen, 1961. Öl und Spachtelmasse auf Leinwand. 70 x 50 Zoll. © Jane Frank

Alles über die Farbe

Als Reaktion auf die emotionale Intensität des Abstract Expressionism fiel die Impasto-Malerei in den 1960er und 70er Jahren bei vielen Künstlern, insbesondere bei denen, die mit Minimalismus assoziiert waren, aus der Gunst. Diese Künstler strebten danach, glatte Oberflächen zu schaffen, die den Nachweis des individuellen Künstlers, der das Werk geschaffen hatte, beseitigten. Um ultra glatte Oberflächen zu erzeugen, wandten sie Techniken wie Färben und Sprühen an und nutzten mechanisierte und industrielle Prozesse. Doch in den 1980er Jahren kehrte die Liebe zum Impasto zurück.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Öl auf Leinen. 28,25 x 28,25 Zoll. 71,76 x 71,76 cm. Mit freundlicher Genehmigung der George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Ein Grund, warum die Technik wieder an Beliebtheit gewann, war eine Reaktion gegen die wahrgenommene Seelenlosigkeit des Minimalismus. Ein weiterer Grund war das wachsende Interesse an den formalen Qualitäten künstlerischer Materialien. Ein besonders erfolgreicher Ausdruck der minimalistischen Ästhetik war die monochrome Malerei. Monochrome drücken reine Farbe und Flächigkeit aus. In den 1980er Jahren begannen Maler wie James Hayward und Alan Ebnother, die Monochromie durch Impasto-Malerei neu zu interpretieren. Ihre Impasto-Monochrome umarmten den Ausdruck von Farbe, fügten jedoch eine Dimension der Körperlichkeit und Mediumspezifität hinzu. Indem sie die industrielle Anonymität der minimalistischen Monochrome beseitigten und die Handschrift des Künstlers wieder einführten, priorisierten sie Emotion und Persönlichkeit neu und lenkten die Aufmerksamkeit erneut auf die wesentlichen Qualitäten der Farbe.

James Hayward - Abstrakt 31, 2001. Öl auf Leinwand auf Holz. 30 x 28 Zoll. © James Hayward (Links) und Asymmetrischer Chromachord 38, 2009. Öl auf Leinwand auf Holzplatte. © James Hayward (Rechts)

Jenseits des Teigs

Wenn man die Geschichte der Impasto-Malerei betrachtet, wird deutlich, dass die Technik eine Reihe von abstrakten Assoziationen mit sich bringt. In ihren frühesten Tagen machte sie den beispiellosen Schritt, nicht zu verbergen, dass ein Kunstwerk aus Farbe geschaffen wurde. In diesem Sinne zerschlug sie die Illusion. Später diente sie dazu, die subtilen und oft wechselnden Unterschiede zwischen Dunkelheit und Licht hervorzuheben. In der modernistischen Ära wurde die Impasto-Malerei zu einem Weg, die tiefen Emotionen und urtümlichen Empfindungen des Unterbewusstseins auszudrücken. Und in ihrer zeitgenössischen Verwendung ist sie zu einem Ausdruck der Kraft und Einfachheit des künstlerischen Gestes selbst geworden. Was können wir also über das Gespräch feststellen, das zwischen dem One World Trade Center und den abstrakten Impasto-Gemälden von Donald Martiny stattfindet, die seine Lobby einnehmen? 

Obwohl diese Gemälde massive Impasto-Pinselstriche zu sein scheinen, wurden sie tatsächlich sorgfältig in einem mühsamen Prozess hergestellt, währenddessen Martini Schicht für Schicht Medium gießt, tropft und verstreicht, manchmal mit seinen bloßen Händen. Sie drücken harte Arbeit, Anpassung, Geduld, Vision und die Stärke aus, die im sorgfältigen Aufbau von Schichten über die Zeit hinweg liegt. Darüber hinaus symbolisieren wie alle Impasto-Gemälde Lenape und Unami auch das Zerschlagen von Illusionen, die sich entwickelnde Natur von Dunkelheit und Licht, die Bandbreite emotionaler und physischer Tiefe sowie die urtümlichen Realitäten des unterbewussten menschlichen Geistes. Aus dieser Perspektive betrachtet werden sie mehr als ästhetische Objekte und mehr als symbolische Gesten. Sie werden zu den perfekten abstrakten Vertretern ihres Mediums, ihrer Umgebung, ihrer Namensgeber, ihrer Geschichte und ihrer Zeit.

Vorgestelltes Bild: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio