Impasto-Malerei in der abstrakten Kunst

Vielleicht ist das symbolträchtigste Gebäude Amerikas das One World Trade Center in Lower Manhattan. Als Herzstück der Entwicklung, die die Zwillingstürme ersetzte, die 2001 zerstört wurden, ist seine bloße Existenz eine kraftvolle Aussage. Zwei massive, abstrakte Impasto Gemälde, die dauerhaft in der Lobby seines Südeingangs installiert sind, tragen wesentlich zu seiner Symbolik bei. Das Gebäude trägt den Spitznamen Freiheits-Turm und ist das höchste Gebäude der westlichen Hemisphäre. Es ragt 1776 Fuß empor: eine bewusste Anspielung auf das Jahr, in dem Amerika seine Unabhängigkeit erklärte. Die zuvor erwähnten Impasto-Gemälde, die die Wände der Südlobby schmücken, stammen vom amerikanischen Künstler Donald Martiny. Eines der Gemälde heißt Lenape, das andere Unami. Die Titel beziehen sich auf die vorkolumbianische Geschichte New Yorks. Die Lenape sind der einheimische Stamm, der ursprünglich das Gelände bewohnte, auf dem der Freiheits-Turm errichtet wurde. Unami ist ein Dialekt der Lenape. An der Spitze des Freiheits-Turms befindet sich eine Aussichtsplattform namens One World Observatory. So weit das Auge von der Aussichtsplattform reicht, unterstützte die gesamte Umgebung einst die Kultur der Lenape. Was wird also durch dieses Gebäude vermittelt? Es wurde entworfen, um an einen der schlimmsten Terroranschläge der Menschheitsgeschichte zu erinnern. Es bringt die Ideen von einer Welt, Freiheit, Unabhängigkeit und Handel zum Ausdruck. Es ermutigt Besucher, das große Ganze zu sehen. Und seine prominentesten Kunstwerke sind nach denen benannt, die unterworfen wurden, um die Nation zu errichten, die für seine Entstehung verantwortlich ist. Welche Unterhaltung findet hier statt? Was bedeutet all diese Symbolik? Vielleicht lässt sich etwas aus den Kunstwerken selbst lernen und aus den abstrakten Eigenschaften, die Impasto Gemälde repräsentieren.

Schatten und Licht

Der Begriff Impasto stammt vom italienischen Wort für Teig. In der Malerei bezeichnet er die Technik, dicke Schichten von Medium auf eine Oberfläche aufzutragen, um einem Kunstwerk eine texturale Dimension zu verleihen. Der italienische Maler des 16. Jahrhunderts, Tizian, war einer der ersten Künstler, von dem bekannt ist, dass er Impasto-Techniken absichtlich in seine Gemälde einbezog. Er begann, die Technik zu verwenden, zu einer Zeit, als Gemälde für ihre glatten Oberflächen und das Fehlen sichtbarer Pinselstriche geschätzt wurden. Als meisterhafter realistischer Maler erkannte Tizian, dass er durch das Auftragen von Farbe in bestimmten Bereichen einer Oberfläche Variationen in der Lichtreflexion erzeugen konnte, wodurch Elemente eines Gemäldes lebensecht wirkten.

Jeder Impasto-Pinselstrich bewirkt Abstufungen in der Farbe, die durch die Schatten entstehen, wenn Licht auf die erhabene Farbe trifft. Je nach Position der Lichtquellen und Blickwinkel des Betrachters kann ein Impasto-Gemälde sich subtil verändern, wodurch Tiefenvariationen und ein gesteigertes Gefühl von Realismus entstehen. In seinem Jahrhundert brach Tizian mit der Tradition, indem er seine Pinselstriche sichtbar ließ und die materiellen Eigenschaften seines Mediums zeigte. Doch er war so meisterhaft in der Technik, dass sein Einfluss schnell Verbreitung fand. Im 17. Jahrhundert integrierte Rembrandt bekanntlich Impasto-Malerei in seine Werke. Und im 19. Jahrhundert war die Technik so angesehen, dass Van Gogh sie zu seinem Markenzeichen machte.

Van Gogh - Die Sternennacht, 1889, 1889. Öl auf Leinwand. 74 x 92 cm. MoMA Sammlung. © Van Gogh (Links) und Detail (Rechts)

Abstrakte Ausdrucksformen

Um die Wende zum 20. Jahrhundert suchte eine Gruppe von Malern, die Expressionisten genannt wurden, nach Wegen, innere Gefühlszustände in ihren Gemälden auszudrücken, anstatt nur die äußere Wirklichkeit festzuhalten. Sie übernahmen die Impasto-Malerei als eine ihrer bevorzugten Techniken. Dick aufgetragene Farbe besitzt viele innewohnende Eigenschaften wie Gewicht, Tiefe und Schwere. Je dicker sie aufgetragen wird, desto mehr Schatten wirft sie. Sie abstrahiert Bildmotive und verzerrt die Art und Weise, wie Betrachter mit dem Sujet interagieren. Die Expressionisten fanden sie ideal, um Ernsthaftigkeit, Intensität und Dramatik zu vermitteln.

Zur gleichen Zeit, als der Expressionismus an Bedeutung gewann, wurde auch die Abstraktion für viele Künstler immer wichtiger. Die Impasto-Malerei erwies sich als ideale Technik für abstrakte Maler, da sie den Fokus eines Gemäldes vom Motiv auf die formalen Eigenschaften des Werks verlagerte. Ein abstraktes Impasto-Gemälde muss daher nicht über etwas Bestimmtes handeln, sondern nur über die Farbe selbst. Hans Hofmann war ein besonders einflussreicher abstrakter Künstler, der die Impasto-Malerei voll annahm. Hofmann glaubte, dass Künstler durch die Konzentration auf die formalen Elemente der Ästhetik statt auf die Nachahmung der Wirklichkeit tiefere Wahrheiten ausdrücken könnten. Er nutzte die Impasto-Malerei, um die abstrakten Qualitäten von Struktur, Raum, Farbe, Form und Illusion auszudrücken.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Öl auf Leinen. 101,6 x 127 cm. Privatsammlung. Dank an Tom Powel Imaging (Links) und Gemäldedetail (Rechts)

Skulpturale Dimensionen

Neben seiner Tätigkeit als Maler war Hofmann auch Lehrer. Viele seiner Schüler, wie Helen Frankenthaler und Lee Krasner, die Ehefrau von Jackson Pollock, wurden führende Persönlichkeiten der Bewegung des abstrakten Expressionismus. Hofmann hatte einen tiefgreifenden Einfluss darauf, wie diese Maler mit ihren Materialien umgingen. Da es vielen abstrakten Expressionisten darum ging, ihre unterbewussten Gefühle auszudrücken und die Emotion und Intensität des Malakts auf der Leinwand festzuhalten, vermittelte Hofmann ihnen, dass die materiellen Eigenschaften ihres Mediums ein zentrales Element ihrer Arbeit sein sollten.

Er lehrte sie, dass „jedes Ausdrucksmittel seine eigene Ordnung des Seins hat.“ In den Händen von Malern wie Jackson Pollock und Jane Frank nahm die Impasto-Malerei eine ganz neue Dimension an, buchstäblich. Jane Frank baute skulpturale Schichten von Materialien auf ihre Impasto-Oberflächen auf. Jackson Pollock spritzte, tropfte und goss Farbe in so großen Mengen, dass das schiere Gewicht seiner Impasto-Schichten die Träger seiner Werke zu zerstören drohte. Die abstrakten Expressionisten erweiterten zudem das Konzept der Impasto-Malerei, indem sie neben Farbe auch ungewöhnliche Materialien und Abfälle wie zerbrochenes Glas, Steine und Zigarettenstummel einsetzten. Durch das Hinzufügen ungewöhnlicher Materialien und Medien zu ihren Impasto-Schichten drückten diese Maler sowohl konzeptuelle als auch physische Tiefe aus.

Jane Frank - Klippen und Spalten, 1961. Öl und Spachtelmasse auf Leinwand. 178 x 127 cm. © Jane Frank

Alles dreht sich um die Farbe

Als Reaktion auf die emotionale Intensität des abstrakten Expressionismus geriet die Impasto-Malerei in den 1960er und 70er Jahren bei vielen Künstlern, insbesondere denen des Minimalismus, aus der Mode. Diese Künstler strebten danach, glatte Oberflächen zu schaffen, die keine Spuren des einzelnen Künstlers zeigten. Um ultraglatt Oberflächen zu erzeugen, wandten sie Techniken wie das Färben und Sprühen an und nutzten mechanisierte und industrielle Verfahren. Doch in den 1980er Jahren kehrte die Liebe zur Impasto-Malerei zurück.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Öl auf Leinen. 71,76 x 71,76 cm. Dank an George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Ein Grund für die Wiederbelebung der Technik war die Reaktion gegen die als seelenlos empfundene Ästhetik des Minimalismus. Ein weiterer Grund war das wachsende Interesse an den formalen Eigenschaften künstlerischer Materialien. Ein besonders erfolgreicher Ausdruck der minimalistischen Ästhetik war die monochrome Malerei. Monochrome drücken reine Farbe und Flächigkeit aus. In den 1980er Jahren begannen Maler wie James Hayward und Alan Ebnother, die Monochrome durch Impasto-Malerei neu zu interpretieren. Ihre Impasto-Monochrome nahmen den Ausdruck von Farbe auf, fügten jedoch eine Dimension von Körperlichkeit und Mediumspezifik hinzu. Indem sie die industrielle Anonymität minimalistischer Monochrome beseitigten und die Handschrift des Künstlers wieder einführten, rückten sie Gefühl und Persönlichkeit in den Vordergrund und lenkten die Aufmerksamkeit neu auf die wesentlichen Eigenschaften der Farbe.

James Hayward - Abstrakt 31, 2001. Öl auf Leinwand auf Holzplatte. 76 x 71 cm. © James Hayward (Links) und Asymmetrischer Chromachord 38, 2009. Öl auf Leinwand auf Holztafel. © James Hayward (Rechts)

Jenseits von Impasto

Wenn man auf die Geschichte der Impasto-Malerei zurückblickt, wird deutlich, dass die Technik eine Reihe abstrakter Assoziationen mit sich bringt. In ihren Anfängen ging sie den beispiellosen Schritt, nicht zu verbergen, dass ein Kunstwerk aus Farbe besteht. In diesem Sinne zerstörte sie die Illusion. Später diente sie dazu, die feinen und oft wechselnden Unterschiede zwischen Dunkelheit und Licht hervorzuheben. In der Moderne wurde die Impasto-Malerei zu einem Mittel, die tiefen Emotionen und ursprünglichen Empfindungen des Unterbewusstseins auszudrücken. Und in ihrer zeitgenössischen Verwendung ist sie zum Ausdruck der Kraft und Schlichtheit der künstlerischen Geste selbst geworden. Was können wir also über das Gespräch zwischen dem One World Trade Center und den abstrakten Impasto-Gemälden von Donald Martiny, die seine Lobby schmücken, feststellen?

Obwohl diese Gemälde wie massive Impasto-Pinselstriche erscheinen, wurden sie tatsächlich in einem mühsamen Prozess sorgfältig hergestellt, bei dem Martiny Schicht um Schicht Medium gießt, tropft und verschmiert, manchmal mit bloßen Händen. Sie drücken harte Arbeit, Anpassungsfähigkeit, Geduld, Vision und die Kraft aus, die im sorgfältigen Aufbau von Schichten über die Zeit liegt. Darüber hinaus symbolisieren Lenape und Unami wie alle Impasto-Gemälde das Zerbrechen von Illusionen, die sich wandelnde Natur von Dunkelheit und Licht, die Bandbreite emotionaler und körperlicher Tiefe sowie die ursprünglichen Realitäten des unterbewussten menschlichen Geistes. Aus dieser Perspektive betrachtet werden sie mehr als ästhetische Objekte und mehr als symbolische Gesten. Sie werden zu den perfekten abstrakten Vertretern ihres Mediums, ihrer Umgebung, ihrer Namensgeber, ihrer Geschichte und ihrer Zeit.

Titelbild: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio