Bridget Riley und die Philosophie der Streifen

Unsere sensorischen Erfahrungen verbinden uns mit einer Welt der Emotionen. Wenn wir etwas sehen, ist dieser Sinn an sich eine Art Gefühl. Aber dann fühlen wir auch Dinge basierend auf dem, was wir sehen. Diese Gefühle sind es, die die britische Künstlerin Bridget Riley in den letzten sechs Jahrzehnten untersucht hat. In den 1960er Jahren wurde Riley berühmt für ihre Beiträge zu einer künstlerischen Bewegung, die als Op Art bekannt ist, benannt nach den optischen Illusionen, die Betrachter oft in den Arbeiten wahrnehmen. Op Art erlangte nach dem Erfolg einer Ausstellung mit dem Titel The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1965 weltweite Bekanntheit. Mehrere Gemälde von Bridget Riley waren in dieser Ausstellung enthalten. Sie wiesen eine spärliche Schwarz-Weiß-Palette und sich wiederholende Muster auf, die ein Gefühl von Dynamik erzeugten, das die Betrachter instabil oder aus dem Gleichgewicht fühlte. Die Muster in ihren Gemälden schienen sich zu bewegen. Aber die Arbeit von Bridget Riley geht weit über das bloße Täuschen des Auges mit einer optischen Illusion hinaus. Es geht um Wahrnehmung. Es geht darum, wie sorgfältig wir schauen, wie kostbar wir unser Geschenk des Sehens glauben und wie unsere Emotionen von der Art und Weise beeinflusst werden können, wie wir unsere Welt sehen.

Die junge Bridget Riley

Als junge Künstlerin war Bridget Riley oft frustriert. Sie hatte es geschätzt, die Umgebung ihrer verschiedenen Kindheitsheime in London, Lincolnshire und Cornwall frei erkunden zu können. Sie hatte eine angeborene Neugier und den Wunsch zu experimentieren. Doch in ihren 20ern, während sie an der Royal Academy of Art studierte, wurde ihre Neugier und ihr experimenteller Geist von ihren Professoren entmutigt. Sie schloss ihr Studium unsicher ab. Und ihr Mangel an Orientierung wurde schnell verschärft, als ihr Vater kurz darauf nach einem Autounfall ins Krankenhaus eingeliefert wurde und sie für seine Pflege verantwortlich wurde. Der kombinierte Stress führte dazu, dass sie einen vollständigen Zusammenbruch erlitt.

Der Wendepunkt zur Genesung für Riley kam, als sie 1956 eine Ausstellung der Abstract Expressionists in der Tate in London besuchte. Ihre Arbeiten bestätigten ihren Wunsch, zu experimentieren und ihre wahre Vision zu erkunden, und bald begann sie wieder zu malen. Sie fand Arbeit als Kunstlehrerin für junge Mädchen und nahm einen Job als kommerzielle Illustratorin an. Dann meldete sie sich für einen Sommerkurs bei Harry Thubron an, der dafür bekannt war, die Kraft von Elementen wie räumlichen Beziehungen, Formen und Mustern zu propagieren.

Bridget Riley - Bewegung in Quadraten, 1961. Tempera auf Hartfaserplatte. 123,2 x 121,2 cm. Arts Council Collection, Southbank Centre, London. © 2019 Bridget Riley (Links) / Bridget Riley - Aufnahme, 1964. Acryl auf Leinwand. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Rechts)

Optische Realitäten

In ihrer Studie mit Harry Thubron über die formalen Elemente der Ästhetik, insbesondere darüber, wie das Auge Formen im Raum wahrnimmt, widmete sich Riley erneut der Suche nach ihrer authentischen Stimme. Sie zog 1960 nach Italien und studierte die Werke der Futuristen. Inspiriert von deren Erforschung der Bewegung studierte sie die Ideen der Divisionisten, insbesondere von Georges Seurat. Die Summe dieser Studien führte sie dazu, einen einzigartigen Ansatz für die Malerei zu entwickeln: einen, in dem sie Wege erkundete, um eine zweidimensionale Fläche zu transformieren, um die visuelle Wahrnehmung zu beeinflussen.

Sie wusste, dass sie, um die Art und Weise, wie die Betrachter ein Gemälde betrachteten, herauszufordern, allen repräsentationalen Inhalt eliminieren musste. Repräsentative Bilder würden nur von ihren primären Ideen ablenken. Also vereinfachte sie ihre visuelle Sprache, um nur Schwarz und Weiß sowie die Elemente Linie, Form und Gestalt zu nutzen. Im Katalog für The Responsive Eye nannte der Kurator William C. Seitz Werke wie die, die Riley schuf, „die neue perceptuelle Kunst.“ Seitz erhöhte die Erwartungen daran, was diese Kunst weit über den Bereich des rein Ästhetischen hinaus erreichen konnte. Er fragte: „Können solche Werke, die auf nichts außerhalb von sich selbst verweisen, mit psychischer Effektivität den Inhalt ersetzen, der aufgegeben wurde? Kann ein fortgeschrittenes Verständnis und die Anwendung funktionaler Bilder einen neuen Weg von retinaler Erregung zu Emotionen und Ideen eröffnen?“ Das waren genau die Arten von Fragen, die Riley sich stellte.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsion auf Leinwand, 70 x 68 1/4 Zoll. © 2019 Bridget Riley (Links) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acryl auf Leinen. Unrahmen: 6 Fuß 4 3/4 Zoll x 6 Fuß 3 Zoll (194,95 x 190,5 cm). Gerahmt: 6 Fuß 7 3/8 Zoll x 6 Fuß 5 3/4 Zoll x 2 3/4 Zoll (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Die Nelson Atkins Museum of Art Sammlung. Erworben durch die Großzügigkeit der William T. Kemper Stiftung - Commerce Bank, Treuhänder. © Bridget Riley. Alle Rechte vorbehalten, mit freundlicher Genehmigung von Karsten Schubert, London (Rechts)

Die Reaktionsfähige Öffentlichkeit

Die öffentliche Reaktion auf The Responsive Eye war begeistert. Die faszinierenden, illusorischen Effekte der Bilder in der Ausstellung machten die Zuschauer verrückt. Designer eigneten sich schnell die Schwarz-Weiß-Muster an und verwendeten sie auf jedem denkbaren Produkt, von Kleidern über Brillen bis hin zu Brotdosen und Autos. Aber dieser Wow-Faktor hatte für Riley wenig Reiz, die mehr an den tieferliegenden Bedeutungen ihrer Arbeit interessiert war. Ja, es sah cool aus. Aber sie wollte die mentalen Prozesse entdecken, die unter den oberflächlichen Erscheinungen wirken.

Im Jahr 1966, gerade als ihr Schwarz-Weiß-Stil internationale Anziehungskraft gewonnen hatte, begann Riley mit dem Versuch, tiefer in ihre Vision einzutauchen, indem sie Farbe in ihre Arbeiten einbrachte. Sie verbrachte zwei Jahre damit, das Pointillisten-Gemälde Bridge of Courbevoie von Georges Seurat zu studieren und immer wieder zu kopieren. Darin sah sie eine Meisterschaft in linearen Strukturen und Mustern. Sie sah auch eine Meisterschaft in Farbkombinationen, eine Demonstration, wie verschiedene Farben, die auf durchdachte Weise nebeneinander platziert werden, ein Gefühl von Bewegung erzeugen, wenn sie vom menschlichen Auge wahrgenommen werden.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acryl auf Leinwand. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Streifen für immer

Während sie die Farbpalette, die sie verwendete, komplizierte, vereinfachte Riley gleichzeitig ihre Sprache der Formen. Sie schloss nahezu Quadrate, Dreiecke und Kreise aus und konzentrierte sich in den 1970er und 1980er Jahren weitgehend auf Streifen. Streifen eignen sich leicht für eine Studie über Wiederholung, die Riley als wesentlich ansah, um die Menschen dazu zu bringen, ein Bild mit Absicht wirklich zu betrachten. Die Form eines Streifens ist auch grundsätzlich stabil. Diese Stabilität, entdeckte sie, ist entscheidend für das Studium der Farbe, da Farbe grundsätzlich instabil ist, da die Wahrnehmung davon von anderen Faktoren wie Licht und umgebenden Farben abhängt.

Riley verwendete eine Kombination aus geraden und gewellten horizontalen und vertikalen Streifen. Sie begann jedes Stück auf kleinen Papierstreifen, um Farbkompositionen und Muster zu testen. Sobald sie eine Farbkomposition und ein Streifenmuster fand, das sich bewegte, übertrug sie es auf eine große Leinwand, die sie dann von Hand malte. Jeder Streifen in ihren bunten Streifenmalereien beinhaltet eine Evolution verschiedener Farben, die sich auf präzise Weise ineinanderfügen, sodass das Auge, wenn es jeden Streifen betrachtet, einen Hauch der nächsten Farbe wahrnimmt. Diese Evolution erzeugt das Gefühl von Bewegung, während das Auge über die Oberfläche wandert.

Der Anblick der Musik

Während die Stabilität der Streifen für ihre Entdeckung der Farbe von entscheidender Bedeutung war, war letztendlich die Farbe das, was ihr half, ihre ästhetische Vision zu verwirklichen. Sie sagte: “Die Musik der Farbe, das ist es, was ich will.” Wie so viele andere Künstler, von Seurat über Giacomo Balla bis zu Sonia Delaunay und Josef Albers, erkannt hatten, ist jede Farbe in der Lage, eine emotionale Reaktion hervorzurufen. Und wenn verschiedene Farben zusammen verwendet werden, scheinen sie zu vibrieren und erzeugen unvorhersehbare emotionale Reaktionen bei den Betrachtern. Diese Unvorhersehbarkeit half Riley, ihr ideales Ziel für ein Gemälde zu erreichen, das, wie sie sagte, “ein Erlebnis bieten; eine Möglichkeit bieten.”

Die ästhetischen Entdeckungen, die Riley durch ihre farbigen, gestreiften Gemälde gemacht hat, sind das Ergebnis ihrer präzisen Experimentierfreude. Sie führt strenge Aufzeichnungen über jede Farbkombination und jedes Muster, das sie ausprobiert, damit es bei Bedarf wiederholt werden kann. Aber obwohl ihre Experimente mit Farben und Streifen wissenschaftlich erscheinen, sind sie es nicht, zumindest nicht im Sinne, dass sie versuchen, eine Hypothese zu beweisen. Vielmehr sind sie künstlerisch, in dem Sinne, dass sie darauf abzielen, ein Unbekanntes zu entdecken und es zu manifestieren.

Bridget Riley - Karneval, 2000. Siebdruck in Farben, auf wove Papier, mit vollen Rändern. 28 3/5 × 35 9/10 Zoll. 72,7 × 91,1 cm. Auflage 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Primäre Ziele

Heute, in ihren mittleren 80ern, malt Riley weiterhin. Sie erkundet jetzt eine Mischung aus geometrischen Formen, gewellten Formen und Diagonalen. Die Muster ihrer neueren Gemälde sind viel breiter, was einen ganz anderen Eindruck erzeugt und ganz andere Gefühle hervorruft. Ihre gestreiften Gemälde aus vergangenen Jahrzehnten stehen als kraftvolle Manifestationen ihrer lebenslangen Untersuchung der Wahrnehmung. Sie gehen weit über das bloße Täuschen des Auges in ein Reich tiefer, subjektiver Wahrnehmung hinaus.

Was an diesen Werken wichtig ist, ist, dass sie nicht nur unsere Art, sie zu sehen, herausfordern, sondern auch unsere Art, alles zu sehen. Die Streifen, die Riley verwendet, sind so einfach, vielleicht, wie Formen sein können. Doch die Metamorphosen, die beim Betrachten offensichtlich werden, scheinen grenzenlos zu sein. Riley sagte einmal: „Wiederholung wirkt wie ein Verstärker visueller Ereignisse, die einzeln betrachtet kaum sichtbar wären.“ Ihre Streifen demonstrieren diese Philosophie: dass Komplexität unter der scheinbaren Einfachheit unserer visuellen Welt lauert, wenn wir uns nur die Zeit nehmen, wirklich hinzusehen. Sie fordern uns auf, sorgfältig und genau zu schauen und das kostbare Geschenk des Sehens voll zu schätzen.

Titelbild: Bridget Riley - Conversation (Detail), 1992. Öl auf Leinen. 92 x 126 cm. Abbot Hall Art Collection. 1996 erworben. © Bridget Riley
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio