Bridget Riley und die Philosophie der Streifen

Unsere Sinneserfahrungen verbinden uns mit einer Welt der Gefühle. Wenn wir etwas sehen, ist dieser Sinn an sich eine Art Empfindung. Doch dann fühlen wir auch Dinge basierend auf dem, was wir sehen. Diese Gefühle hat die britische Künstlerin Bridget Riley in den letzten sechs Jahrzehnten untersucht. In den 1960er Jahren wurde Riley berühmt für ihre Beiträge zu einer künstlerischen Bewegung, die als Op Art bekannt ist, benannt nach den optischen Täuschungen, die Betrachter oft in den Werken wahrnehmen. Op Art erlangte weltweite Bekanntheit nach dem Erfolg einer Ausstellung namens The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1965. Mehrere Gemälde von Bridget Riley waren Teil dieser Ausstellung. Sie zeichneten sich durch eine sparsame Schwarz-Weiß-Palette und sich wiederholende Muster aus, die ein Gefühl von Dynamik erzeugten und die Betrachter instabil oder aus dem Gleichgewicht wirkten lassen. Die Muster in ihren Gemälden schienen sich zu bewegen. Doch das Werk von Bridget Riley geht weit über das bloße Täuschen des Auges mit einer optischen Täuschung hinaus. Es geht um Wahrnehmung. Es geht darum, wie sorgfältig wir hinschauen, wie kostbar wir unser Geschenk des Sehens erachten und wie unsere Gefühle durch die Art beeinflusst werden können, wie wir unsere Welt sehen.

Die junge Bridget Riley

Als junge Künstlerin war Bridget Riley oft frustriert. Sie hatte es geliebt, die Umgebung ihrer verschiedenen Kindheitsheime in London, Lincolnshire und Cornwall frei erkunden zu können. Sie besaß eine angeborene Neugier und den Wunsch zu experimentieren. Doch in ihren Zwanzigern, während ihres Studiums an der Königlichen Kunstakademie, wurde ihre Neugier und ihr experimenteller Geist von ihren Professoren entmutigt. Sie schloss ihr Studium unsicher ab. Und ihre Orientierungslosigkeit verschärfte sich schnell, als ihr Vater kurz darauf nach einem Autounfall ins Krankenhaus kam und sie für seine Pflege verantwortlich wurde. Die kombinierten Belastungen führten zu einem vollständigen Zusammenbruch.

Der Wendepunkt zur Genesung kam für Riley, als sie 1956 eine Ausstellung der Abstrakten Expressionisten in der Tate in London besuchte. Ihre Werke bestätigten ihren Wunsch zu experimentieren und ihre wahre Vision zu erforschen, und bald begann sie wieder zu malen. Sie fand Arbeit als Kunstlehrerin für junge Mädchen und nahm eine Stelle als Werbeillustratorin an. Dann meldete sie sich für einen Sommerkurs bei Harry Thubron an, der für seine Betonung der Kraft von Elementen wie räumlichen Beziehungen, Formen und Mustern bekannt war.

Bridget Riley - Bewegung in Quadraten, 1961. Tempera auf Hartfaserplatte. 123,2 x 121,2 cm. Arts Council Collection, Southbank Centre, London. © 2019 Bridget Riley (Links) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acryl auf Leinwand. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Rechts)

Optische Wirklichkeiten

In ihrem Studium bei Harry Thubron über die formalen Elemente der Ästhetik, besonders wie das Auge Formen im Raum wahrnimmt, widmete sich Riley erneut der Suche nach ihrer authentischen Stimme. 1960 zog sie nach Italien und studierte die Werke der Futuristen. Inspiriert von deren Erforschung der Bewegung studierte sie anschließend die Ideen der Divisionisten, besonders Georges Seurat. Die Summe dieser Studien führte sie zu einem einzigartigen Malansatz: Sie erforschte Wege, eine zweidimensionale Fläche so zu gestalten, dass sie die visuelle Wahrnehmung beeinflusst.

Sie wusste, dass sie, um die Art und Weise, wie Betrachter ein Gemälde sehen, herauszufordern, alle gegenständlichen Inhalte eliminieren müsste. Gegenständliche Bilder würden nur von ihren Hauptideen ablenken. Also vereinfachte sie ihre Bildsprache auf Schwarz und Weiß sowie die Elemente Linie, Form und Gestalt. Im Katalog zu The Responsive Eye nannte der Kurator William C. Seitz Werke wie die von Riley „die neue Wahrnehmungskunst“. Seitz hob die Erwartungen an diese Kunst weit über das rein Ästhetische hinaus. Er fragte: „Können solche Werke, die sich auf nichts außerhalb ihrer selbst beziehen, mit seelischer Wirkung den Inhalt ersetzen, der aufgegeben wurde? Kann ein fortgeschrittenes Verständnis und die Anwendung funktionaler Bilder einen neuen Weg von der Netzhaut-Erregung zu Gefühlen und Gedanken eröffnen?“ Genau diese Fragen stellte sich Riley selbst.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsion auf Leinwand, 70 x 68 1/4 Zoll. © 2019 Bridget Riley (Links) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acryl auf Leinen. Ungerahmt: 6 Fuß 4 3/4 Zoll x 6 Fuß 3 Zoll (194,95 x 190,5 cm). Gerahmt: 6 Fuß 7 3/8 Zoll x 6 Fuß 5 3/4 Zoll x 2 3/4 Zoll (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Sammlung des Nelson Atkins Museums of Art. Erworben durch die Großzügigkeit der William T. Kemper Stiftung - Commerce Bank, Treuhänder. © Bridget Riley. Alle Rechte vorbehalten, mit freundlicher Genehmigung von Karsten Schubert, London (Rechts)

Das reagierende Publikum

Die öffentliche Reaktion auf The Responsive Eye war begeistert. Die faszinierenden, täuschenden Effekte der Bilder in der Ausstellung brachten die Betrachter in Begeisterung. Designer übernahmen schnell die Schwarz-Weiß-Muster und verwendeten sie auf allen erdenklichen Produkten, von Kleidern über Brillen bis hin zu Brotdosen und Autos. Doch dieser Wow-Effekt sprach Riley wenig an, die sich mehr für die tieferen Bedeutungen ihrer Arbeit interessierte. Ja, es sah cool aus. Aber sie wollte die geistigen Prozesse entdecken, die unter der Oberfläche wirken.

1966, gerade als ihr Schwarz-Weiß-Stil internationale Anerkennung fand, begann Riley, ihre Vision zu vertiefen, indem sie Farbe in ihre Werke einführte. Sie verbrachte zwei Jahre damit, das Pointillistische Gemälde Brücke von Courbevoie von Georges Seurat zu studieren und immer wieder abzuschreiben. Darin sah sie eine Meisterschaft in linearen Strukturen und Mustern. Sie erkannte auch eine Meisterschaft in Farbkombinationen, eine Demonstration, wie verschiedene Farben, nebeneinander in durchdachter Weise platziert, beim menschlichen Auge ein Gefühl von Bewegung erzeugen.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acryl auf Leinwand. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Streifen für immer

Während sie die Farbpalette erweiterte, vereinfachte Riley gleichzeitig ihre Formensprache. Sie eliminierte fast vollständig Quadrate, Dreiecke und Kreise und konzentrierte sich in den 1970er und 1980er Jahren hauptsächlich auf Streifen. Streifen eignen sich gut für eine Untersuchung der Wiederholung, die Riley als wesentlich ansah, um Menschen dazu zu bringen, ein Bild mit Absicht wirklich anzuschauen. Die Form eines Streifens ist auch grundsätzlich stabil. Diese Stabilität, so entdeckte sie, ist für die Untersuchung von Farbe wichtig, da Farbe an sich instabil ist, weil ihre Wahrnehmung von Faktoren wie Licht und umgebenden Farben abhängt.

Riley verwendete eine Kombination aus geraden und welligen, horizontalen und vertikalen Streifen. Sie begann jedes Werk auf kleinen Papierstreifen, um Farbkombinationen und Muster zu testen. Sobald sie eine Farbkombination und ein Streifenmuster fand, das sich zu bewegen schien, übertrug sie es auf eine große Leinwand, die sie dann von Hand bemalte. Jeder Streifen in ihren farbigen Streifenbildern enthält eine Entwicklung verschiedener Farben, die sich präzise ineinander übergehen, sodass das Auge beim Betrachten jedes Streifens einen Hauch der nächsten Farbe wahrnimmt. Diese Entwicklung erzeugt das Gefühl von Bewegung, wenn das Auge über die Oberfläche wandert.

Der Anblick der Musik

Während die Stabilität der Streifen für ihre Entdeckung der Farbe wichtig war, war letztlich die Farbe das, was ihr half, ihre ästhetische Vision zu verwirklichen. Sie sagte: „Die Musik der Farbe, das ist es, was ich will.“ Wie viele andere Künstler, von Seurat über Giacomo Balla bis Sonia Delaunay bis Josef Albers, erkannt hatten, vermag jede Farbe eine emotionale Reaktion hervorzurufen. Und wenn verschiedene Farben zusammen verwendet werden, scheinen sie zu vibrieren und erzeugen unvorhersehbare emotionale Reaktionen bei den Betrachtern. Diese Unvorhersehbarkeit half Riley, ihr ideales Ziel für ein Gemälde zu erreichen, das „eine Erfahrung bieten muss; eine Möglichkeit bieten muss.“

Die ästhetischen Entdeckungen, die Riley durch ihre farbigen Streifenbilder gemacht hat, entstanden, weil sie eine genaue Experimentatorin ist. Sie führt sorgfältige Aufzeichnungen über jede Farbkombination und jedes Muster, das sie ausprobiert, damit es bei Bedarf wiederholt werden kann. Obwohl ihre Experimente mit Farben und Streifen wissenschaftlich erscheinen, sind sie es nicht, zumindest nicht im Sinne eines Versuchs, eine Hypothese zu beweisen. Vielmehr sind sie künstlerisch, im Sinne einer Suche nach dem Unbekannten und dessen Manifestation.

Bridget Riley - Karneval, 2000. Farbiger Siebdruck auf Büttenpapier mit vollem Rand. 28 3/5 × 35 9/10 Zoll. 72,7 × 91,1 cm. Auflage 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Hauptziele

Heute, in ihren mittleren 80ern, malt Riley weiterhin. Sie erforscht nun eine Mischung aus geometrischen Formen, welligen Formen und Diagonalen. Die Muster ihrer neueren Gemälde sind viel breiter, erzeugen einen ganz anderen Eindruck und rufen ganz andere Gefühle hervor. Ihre gestreiften Gemälde aus vergangenen Jahrzehnten stehen als kraftvolle Manifestationen ihrer lebenslangen Untersuchung der Wahrnehmung. Sie gehen weit über das bloße Täuschen des Auges hinaus in ein Reich tiefer, subjektiver Wahrnehmung.

Wichtig an diesen Werken ist, dass sie nicht nur unsere Art herausfordern, sie zu sehen, sondern auch unsere Art, alles zu sehen. Die Streifen, die Riley verwendet, sind vielleicht so einfach, wie Formen sein können. Doch die Verwandlungen, die beim Betrachten offenbar werden, scheinen grenzenlos. Riley sagte einmal: „Wiederholung wirkt wie eine Art Verstärker visueller Ereignisse, die einzeln kaum sichtbar wären.“ Ihre Streifen zeigen diese Philosophie: dass unter der scheinbaren Einfachheit unserer sichtbaren Welt Komplexität lauert, wenn wir uns nur die Zeit nehmen, wirklich hinzusehen. Sie fordern uns auf, sorgfältig und genau zu schauen und das kostbare Geschenk des Sehens voll zu schätzen.

Abgebildetes Bild: Bridget Riley - Gespräch (Detail), 1992. Öl auf Leinen. 92 x 126 cm. Abbot Hall Kunstsammlung. 1996 erworben. © Bridget Riley
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio