Alfonso Ossorio und seine Kongregationen von gefundenen Objekten
Alfonso Ossorio ist heute fast ein vergessenes Name. Und doch war Ossorio eine Schlüsselfigur in der Entwicklung der Nachkriegsmodernistischen Kunst. Geboren in eine wohlhabende Familie, war Ossorio ein leidenschaftlicher Kunstsammler, dessen Patronage viele Künstler in entscheidenden Phasen ihrer Karriere unterstützte; er war auch ein beliebter Geselliger, dessen Anwesen in East Hamptons kurzzeitig zu einer der einflussreichsten, wenn auch improvisierten, Kunstgalerien in New York wurde; Ossorio war auch ein talentierter und faszinierender Künstler, dessen scharfer Verstand sowohl von einigen der führenden künstlerischen Genies des 20. Jahrhunderts beeinflusst wurde als auch Einfluss auf sie hatte. Er war ein enger Freund und Mitarbeiter von Jackson Pollock und Lee Krasner während einer der produktivsten Phasen ihrer Karrieren. Er war ein Freund und Protegé von Jean Dubuffet zur Höhe seines Forschungsinteresses an Art Brut. Ossorio war sogar einer der ersten Künstler, die für eine Einzelausstellung von Petty Parsons ausgewählt wurden, als sie ihre erste Kunstgalerie in New York, im Wakefield Bookshop, eröffnete. Einige Ausstellungen in den letzten fünf Jahren haben versucht, zeitgenössische Publikum wieder mit den Werken von Ossorio vertraut zu machen. Im Jahr 2013 veranstaltete die Phillips Collection in Washington, D.C., „Angels, Demons, and Savages: Pollock, Ossorio, Dubuffet“, eine ehrgeizige Darstellung, wie diese drei Künstler sich gegenseitig beeinflussten. Im selben Jahr veranstaltete die Michael Rosenfeld Gallery die Einzelausstellung „Alfonso Ossorio: Blood Lines, 1949–1953.“ Vier Jahre später versteigerte Sotheby’s eine Suite von Ossorio-Gemälden im Auftrag der Stiftung, die der Künstler bei seinem Tod im Jahr 1990 gegründet hatte. Diese Bemühungen begannen zumindest ein Gespräch darüber, wer diese rätselhafte Figur war. Aber sie konnten nicht beantworten, warum er jemals vergessen wurde und warum er nie wirklich die Anerkennung erhielt, die ihm zusteht. Manchmal habe ich mich gefragt, ob seine Vernachlässigung etwas mit seinen offenen religiösen Überzeugungen zu tun hatte. Ossorio setzte sich für die spirituellen Ideale der Kunst ein. Obwohl er katholisch erzogen wurde, vertrat er keine dogmatische Position. Stattdessen beschrieb er Religion als eine zutiefst persönliche und eigenwillige Sache, die für die Kreativität unerlässlich ist. Wie er es ausdrückte: „Ich fühle, dass alle ernsthafte Kunst ein Aufbewahrungsort für den Geist ist.“
Die Urkraft entfesseln
Ossorio wurde 1916 auf der Insel Luzon in Manila, auf den Philippinen, als viertes von sechs Brüdern geboren. Sein Vater war ein wohlhabender Geschäftsmann in der Zuckerindustrie. In einem Interview für das Smithsonian von 1968 erinnerte sich Ossorio daran, dass sein Interesse an Kunst mit der Kunst begann, die er in den großen katholischen Kirchen sah, die seine Familie besuchte. Aber er beschrieb diese Kunst als "Alltagszeug". Seine wahre Inspiration kam von den europäischen Zeitschriften, die seine Familie erhielt, von denen viele umfangreiche Kunstberichterstattung enthielten. Er erinnert sich sogar daran, bestraft worden zu sein, weil er die Bilder von Kunst herausgeschnitten und versucht hatte, ein persönliches Scrapbook zu erstellen. Letztendlich half ihm diese Leidenschaft, als Kunststudent sowohl an der Cambridge- als auch an der Harvard-Universität erfolgreich zu sein. Er lernte, ein versierter Zeichner, Druckgrafiker, Bildhauer und figurativer Ölgemälde zu werden. Innen jedoch träumte er davon, sich mit etwas Spirituellem, Experimentellem und viel Modernerem zu verbinden.
Alfonso Ossorio - Grauer Gefangener, ca. 1950. Tinte, Wachs und Aquarell auf Papier. 27 × 20 Zoll; 68,6 × 50,8 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York
Er schrieb seine Harvard-Dissertation über "Spirituelle Einflüsse auf die visuelle Darstellung von Christus." Es erkundete sein Bewusstsein, dass er, um eine neue Art von religiöser Bildsprache zu schaffen, zuerst seinen Geist weiterentwickeln musste. Ein Durchbruch für Ossorio kam 1948, als er eine frühe Ausstellung der Tropfmalereien von Jackson Pollock sah und eines kaufte. Es wurde beim Versand beschädigt, also rief er Pollock an und bat ihn, es zu reparieren. Pollock lud Ossorio zu sich nach East Hampton ein, damit er das Gemälde reparieren konnte. Die beiden wurden enge Freunde. Was Ossorio faszinierte, war nicht, dass Pollock zukunftsorientiert war. Ganz im Gegenteil. Pollock blickte zurück. Ossorio sagte, Pollock "hatte die Renaissance umgangen und war zu einer viel früheren Periode zurückgekehrt, in der Ideen wichtiger waren als Form." Pollock ist es, der Ossorio mit Dubuffet bekannt machte, und Dubuffet stellte Ossorio die Art Brut-Werke von Gefangenen, Kindern und Bewohnern von Asylen vor, die er gesammelt hatte. In diesen Beispielen fand Ossorio die Freiheit, seinen realistischen Stil loszulassen und seinen eigenen Primitivismus zu entfalten, was ihn näher zum Göttlichen brachte.
Alfonso Ossorio - #2 - 1953, 1952. Tinte, Wachs und Aquarell auf Pappe. 60 × 38 Zoll; 152,4 × 96,5 cm. Michael Rosenfeld Galerie, New York
Die Kongregationen
Der Primitivismus trat erstmals in seinen Gemälden in den frühen 1950er Jahren auf. Religiöse Symbolik vermischt sich mit einem intuitiven, üppigen, allumfassenden Stil kryptischer, malerischer Abstraktion in Werken wie „A Toi La Gloire (Thine be the Glory)“ 1950 und „3 Piece Collage“ (1954). Inzwischen kommen rohe Brutalität, spiritualistischer Glanz und kompositorische Harmonie in Gemälden wie „Slow Dance and Staccato“ (1955) und „Untitled (W55-011)“ (1955) zusammen. Aber das Malmedium war für Ossorio nicht geeignet, um seine Gefühle wirklich auszudrücken. Er hatte das Gefühl, dass etwas fehlte. Um diese Lücke zu schließen, begann er, Objekte, die er fand, wie Knöpfe, Nägel, Teile von Schuhen und zerbrochene Bilderrahmen, in die Impasto-Schichten der Farbe einzufügen. Bald wurden die gefundenen Objekte wichtiger als die Farbe. Er begann, Plastik zu verwenden, um die Objekte zusammenzufügen, und schuf Werke, die die meisten Menschen Assemblagen nennen, die Osorio jedoch „Kongregationen“ nannte.
Alfonso Ossorio - Blaue Tänzerin, 1962. Versammlung aus Mischtechnik auf Holzplatte. 26 1/4 × 21 × 1 3/4 Zoll; 66,7 × 53,3 × 4,4 cm
Sagte Ossorio: „Ich habe begonnen, sie Gemeinden zu nennen, einfach weil sie alle zusammenarbeiten und die Teile auf ein finales Ziel ausgerichtet sind, um einen endgültigen Effekt zu erzielen.“ Doch die Verbindung zur Idee einer Kirchenversammlung ist unvermeidlich. Die meisten enthalten mehrere Objekte, die wie Augen aussehen, aber es sind nicht alle menschliche Augen; es sind auch Fischaugen, Vogelaugen, Mäuseaugen. Darunter sind echte Knochen. Die Kreaturen und Objekte, die einst diese Teile besaßen, sind tot, aber sie nehmen ein zweites Leben als Teil dieser neuen Kunstwerke an. In gewisser Weise sind diese Werke eine schöne Hommage an die Zeit und den Ort, in dem Ossorio blühte – eine Zeit, in der mehr Vertreter verschiedener Kulturen in einer Stadt zusammenkamen, zusammenlebten und ihre Ideen in eine harmonische Kakophonie vermischten als vielleicht je zuvor. Seine Gemeinden – geheiligte Gruppierungen disparater Objekte, die zusammengebracht wurden, um ein neues Leben zu beginnen – sind erhabene Manifestationen des Respekts, den Ossorio für die Vielfalt seiner Generation hatte, und für das hoffnungsvolle Versprechen, das sie enthielt.
Vorschaubild: Alfonso Ossorio - Untitled, ca. 1951. Tinte, Wachs und Aquarell auf Papier. 19 3/4 × 25 1/2 Zoll; 50,2 × 64,8 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
