Die monumentale Kunst von Louise Nevelson

Dieses Jahr jährt sich der Todestag von Louise Nevelson zum 30. Mal, einer Künstlerin, die die Kunst des 20. Jahrhunderts tiefgreifend beeinflusste und deren Vermächtnis bis heute nachhallt. Nevelson ist vor allem für ihre monochromen Holzassemblagen bekannt. Ihre einzigartige ästhetische Stimme wurzelt zum Teil in der Kunstgeschichte und zum Teil in der visuellen und materiellen Sprache von New York City – ihrer angenommenen Heimat. Ihre Kompositionsstrategien schöpfen aus dem Kubismus, den sie mit einer Religion verglich, und aus den formalen abstrakten Theorien von Hans Hofmann, der viele Jahre ihr Lehrer war. Die materielle Präsenz ihrer Assemblagen erhebt die weggeworfenen Aspekte des Stadtlebens. Als ob sie eine Art umgekehrte Häutung einleiten wollte, sammelte Nevelson zerbrochene Möbelstücke und Bauschutt von den Bürgersteigen der Stadt und verwandelte sie in monumentale Kunstwerke. Die Verwandlung profaner Überreste in heilige Kunst ist unbestreitbar in Werken wie „Sky Cathedral“ (1958), dem Stück, das Nevelson erstmals kritische Aufmerksamkeit einbrachte. Noch eindringlicher ist dies in der raumfüllenden Installation „Dawn’s Wedding Feast“ (1959); ein Wandstück, umgeben von bodenstehenden und hängenden Säulen sowie zwei ikonischen Braut- und Bräutigam-Totems. Dieses Werk etablierte Nevelson nicht nur als eine der führenden Künstlerinnen ihrer Generation, sondern half auch, das Feld der Installationskunst zu begründen. Besonders bewegend an ihren Werken ist, dass Nevelson ihnen trotz ihres monumentalen Maßstabs eine gewisse Intimität verlieh. Sie sorgte dafür, dass jedes einzelne Element seine wesentlichen Eigenschaften innerhalb der Gesamtstruktur ausdrücken konnte. Dabei schuf sie Werke, die man objektiv genießen kann oder die den Betrachter zu einer persönlicheren Erfahrung einladen. Zur Feier des Lebens und Schaffens dieses Genies folgen hier meine neun Lieblingszitate von Louise Nevelson – jedes kostbar, weil es ihr Werk erhellt und die inneren Abläufe ihres Geistes offenbart.

1. „Wenn du einen Rahmen um dich hast, der nicht zum Bild passt, dann brichst du den Rahmen.“

Geboren 1899 in Pereiaslav-Khmelnytskyi im heutigen Gebiet der Ukraine, wanderte Leah Berliawsky 1905 in die Vereinigten Staaten aus, um religiöser Verfolgung zu entkommen. Trotz der Entmutigung durch ihre Eltern verfolgte sie als Kind eifrig die Kunst. Nach der Heirat mit Charles Nevelson im Jahr 1920 und der Geburt eines Sohnes zwei Jahre später erkannte sie, dass sie sich noch immer in derselben Lage befand wie als Kind, nur dass es nun ihr Ehemann und seine Familie waren, die ihr sagten, sie solle ihre Kunst aufgeben, um eine aufmerksamere Mutter und Ehefrau zu sein. Als sie erkannte, dass sie sich im falschen Rahmen befand, verließ Nevelson 1931 ihren Mann und Sohn und zog weg, um bei Hans Hofmann zu studieren.

2. „Der Würfel konzentriert es und gibt ihm seine wahre Struktur.“

Nevelson strukturierte alle ihre Assemblagen um die grundlegende geometrische Form des Würfels. Egal, wie viele Holzstücke sie zu der Assemblage zusammensetzte oder wie zersplittert die Teile sonst beim Zusammenfügen aussahen, die Würfel hielten die Komposition stets zusammen, sowohl visuell als auch physisch.

3. „Schwarz umfasst alle Farben. Es ist keine Verneinung.“

Die meisten Werke, die Nevelson schuf, sind schwarze Monochrome. Viele Kritiker missverstanden ihre Verwendung dieser Farbe und vermuteten, sie wolle die früheren Leben ihrer Materialien auslöschen. Stattdessen bestand sie darauf, dass Schwarz eine inklusive Farbe sei, die jedem einzelnen Element des Werks erlaubte, seine grundlegende Essenz zu bewahren und zugleich in den Geist des Ganzen einzutauchen. Sie sagte auch, die Farbe Schwarz lasse ihre Werke „aristokratisch“ erscheinen.

Louise Nevelson – Ohne Titel, ca. 1976. Schwarze Holzskulptur. 94 × 36 × 16 3/4 Zoll; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Galerie, New York. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

4. „Es ist viel direkter, es so zu machen, wie ich es tue. Es ist unmittelbar, es ist wahr, und es ist da.“

Nachdem sie jahrelang Bilder von zerbrochenen Dingen gezeichnet und gemalt hatte, erkannte Nevelson, dass die Verwendung von Schutt selbst eine materielle Wahrheit in ihr Werk einbringen würde, zusätzlich dazu, dass es mit dem emotionalen Nachklang vergangener Verbindungen zu dem, was die Materialien einst waren, ausgestattet wäre.

5. „Es ist die Arbeit und ich, es ist nicht das Publikum und ich. Das Publikum ist ein Spiegelbild.“

In den 1970er Jahren begann Nevelson, großformatige öffentliche Skulpturen aus Materialien wie Kunststoff und Cor-Ten-Stahl zu schaffen. Kritiker hinterfragten die Bedeutung der Werke, die ein ganz anderes Aussehen und Gefühl hatten als ihre Holzassemblagen. Sie wies ihre Kritiken zurück und betonte ihr autonomes Recht als Künstlerin, jede Art von Werk zu schaffen, die sie wollte.

Louise Nevelson – Dunkel Kryptisch, 1975. Patiniertes Holz. 12 × 9 × 7 Zoll; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. „Die einzige Wirklichkeit, die ich anerkenne, ist meine eigene Wirklichkeit.“

Nevelson stellte sich kontrollierenden Eltern, einem kontrollierenden Ehepartner, sexistischen Kritikern, abweisenden Kuratoren und unwissenden Betrachtern. Sie ignorierte soziale Organisationen wie „The Club“ und entschied sich stattdessen für das Leben als Außenseiterin der Kunstwelt. Trotz aller, die an ihr zweifelten und sie entmutigten, hatte sie Erfolg. Dieses Zitat erklärt warum.

7. „Es gibt uns einen Ort, um durch die drei Dimensionen zu gehen, in die vierte und darüber hinaus. Es ist wirklich ein Ort, an dem man durch Materie in den Geist gelangt.“

Nevelson beschrieb sich nicht als Malerin noch als Bildhauerin, sondern als Architektin, die mit Schatten und Licht baut. Ihre Liebe zum Kubismus inspirierte sie dazu, stets Werke zu schaffen, die Bewegung belohnen – ein Ausdruck der vierten Dimension. Sie war daran interessiert, Umgebungen zu schaffen, in die sowohl Körper als auch Geist reisen können.

Louise Nevelson – Ohne Titel, 1985. Schwarzes Holz. 44 × 22 × 17 1/5 Zoll; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Galerie. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. „Wenn du erschaffst, gibt es eine zusätzliche Kraft, die alles andere übertrifft.“

Nevelson war eine berüchtigt zurückhaltende und disziplinierte Künstlerin. Sie glaubte, dass die Reize anderer Dinge im Vergleich zu dem Rausch, den sie in ihrem Atelier erlebte, verblassten. Als ihre heute berühmte Installation „Dawn’s Wedding Feast“ bei der Ausstellung „Sixteen Americans“ im MoMA Premiere hatte, sagte sie, dass sie zum Teil ihre Verbindung zu ihrer Arbeit symbolisiere.

9. „Es ist nicht, wie ich lebe, sondern wie ich mein Leben beende.“

Als Nevelson jung war, entmutigte ihre Familie sie, Künstlerin zu werden, indem sie ihr sagte, dass dies ihr keinen bequemen Lebensstil bieten würde. Schon damals wusste sie, dass sie nur dann Frieden finden würde, wenn sie sich selbst treu blieb, bis sie starb.

Titelbild: Louise Nevelson – Modell für Night Wall VI, 1977-1979. Geschweißter Stahl, schwarz lackiert. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 Zoll; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Galerie. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio