Die monumentale Kunst von Louise Nevelson

In diesem Jahr jährt sich der Tod von Louise Nevelson zum 30. Mal, einer Künstlerin, die die Kunst des 20. Jahrhunderts tiefgreifend beeinflusste und deren Vermächtnis bis heute nachhallt. Nevelson ist am bekanntesten für ihre monochromen Holzassemblagen. Ihre einzigartige ästhetische Stimme ist teilweise in der Kunstgeschichte und teilweise in der visuellen und materiellen Sprache von New York City verwurzelt – ihrer angenommenen Heimat. Ihre kompositorischen Strategien schöpfen aus dem Kubismus, den sie mit einer Religion verglich, und aus den formalen abstrakten Theorien von Hans Hofmann, der viele Jahre ihr Lehrer war. Die materielle Präsenz ihrer Assemblagen erhebt die verworfenen Aspekte des Stadtlebens. Als würde sie eine Art umgekehrte Häutung anstoßen, sammelte Nevelson zerbrochene Möbelstücke und Bauabfälle von den Bürgersteigen der Stadt und verwandelte sie in monumentale Kunstwerke. Die Metamorphose von profanem Abfall in heilige Kunst ist in Werken wie „Sky Cathedral“ (1958) unbestreitbar, dem Stück, das Nevelson erstmals kritische Aufmerksamkeit einbrachte. Sie ist noch eindringlicher in der raumgroßen Installation „Dawn’s Wedding Feast“ (1959); ein Wandstück, umgeben von bodenmontierten und hängenden Säulen sowie zwei ikonischen Braut- und Bräutigam-Totems. Dieses Stück etablierte Nevelson nicht nur als eine der führenden Künstlerinnen ihrer Generation, sondern half auch, das Feld der Installationskunst zu bahnen. Besonders bewegend an ihren Werken ist, dass Nevelson ihnen trotz ihrer monumentalen Größe eine Intimität verlieh. Sie sorgte dafür, dass jedes einzelne Element seine wesentlichen Qualitäten innerhalb der Struktur des Ganzen ausdrücken konnte. Dabei schuf sie Werke, die objektiv genossen werden können oder die die Betrachter zu einer persönlicheren Erfahrung einladen. Zur Feier des Lebens und des Schaffens dieses Genies sind hier meine neun Lieblingszitate von Louise Nevelson – jedes einzelne kostbar für die Art und Weise, wie es ihr Werk erhellt und die inneren Abläufe ihres Geistes offenbart.

1. „Wenn du einen Rahmen um dich hast, der nicht zum Bild passt, dann brichst du den Rahmen.“

Geboren 1899 in Pereiaslav-Khmelnytskyi im heutigen Ukraine, emigrierte Leah Berliawsky 1905 in die Vereinigten Staaten, um religiöser Verfolgung zu entkommen. Sie verfolgte als Kind leidenschaftlich die Kunst, trotz der Entmutigung durch ihre Eltern. Nach der Heirat mit Charles Nevelson im Jahr 1920 und der Geburt eines Sohnes zwei Jahre später, wurde ihr klar, dass sie sich immer noch in der gleichen Situation befand wie als Kind, nur dass es jetzt ihr Ehemann und seine Familie waren, die ihr sagten, sie solle ihre Kunst aufgeben, um eine aufmerksamere Mutter und Ehefrau zu sein. Als sie erkannte, dass sie im falschen Rahmen war, verließ Nevelson 1931 ihren Ehemann und Sohn und zog weg, um bei Hans Hofmann zu studieren.

2. „Der Würfel fokussiert es und gibt ihm seine wahre Struktur.“

Nevelson strukturierte all ihre Assemblagen um die grundlegende geometrische Form der Würfel. Egal, wie viele Holzstücke sie in die Assemblage einfügte, noch wie unzusammenhängend die Stücke beim Zusammensetzen ausgesehen haben mögen, die Würfel hielten die Komposition sowohl visuell als auch physisch zusammen.

3. „Schwarz umfasst alle Farben. Es ist keine Negation.“

Die meisten Werke, die Nevelson geschaffen hat, sind schwarze Monochrome. Viele Kritiker missverstanden ihren Gebrauch dieser Farbe und schlugen vor, dass sie versuchte, die vergangenen Leben ihrer Materialien auszumerzen. Stattdessen bestand sie darauf, dass Schwarz eine inklusive Farbe sei, die es jedem einzelnen Element des Werkes ermöglichte, seine grundlegende Essenz zu bewahren und gleichzeitig in den Geist des Ganzen aufgenommen zu werden. Sie sagte auch, dass die Farbe Schwarz ihre Werke "aristokratisch" aussehen ließ.

Louise Nevelson - Untitled, ca. 1976. Bemalte schwarze Holzkonstuktion. 94 × 36 × 16 3/4 Zoll; 238,8 × 91,4 × 42,5 cm. Michael Rosenfeld Gallery, New York. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Künstlerrechtegesellschaft (ARS), New York

4. „Es ist viel direkter, es so zu machen, wie ich es mache. Es ist unmittelbar, es ist wahr und es ist da.“

Nachdem Nevelson Jahre damit verbracht hatte, Bilder von zerbrochenen Dingen zu zeichnen und zu malen, erkannte sie, dass die Verwendung von Abfallmaterialien selbst eine materielle Wahrheit in ihre Arbeit einbringen würde, zusätzlich dazu, dass sie mit dem emotionalen Überrest vergangener Assoziationen zu dem, was die Materialien einmal waren, ausgestattet wäre.

5. „Es ist die Arbeit und ich, es ist nicht das Publikum und ich. Das Publikum ist ein Spiegelbild.“

Nevelson begann in den 1970er Jahren mit der Herstellung großflächiger öffentlicher Skulpturen aus Materialien wie Kunststoff und Cor-Ten-Stahl. Kritiker hinterfragten die Bedeutung der Werke, die ein ganz anderes Aussehen und Gefühl hatten als ihre Holzassemblagen. Sie wies ihre Kritiken zurück und betonte ihr autonomes Recht als Künstlerin, jede Art von Werk zu schaffen, die sie wollte.

Louise Nevelson - Dunkle Kryptik, 1975. Patiniertes Holz. 12 × 9 × 7 Zoll; 30,5 × 22,9 × 17,8 cm. Caviar20, Toronto. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

6. "Die einzige Realität, die ich anerkenne, ist meine eigene Realität."

Nevelson stellte sich kontrollierenden Eltern, einem kontrollierenden Ehepartner, sexistischen Kritikern, abfälligen Kuratoren und ignorantem Publikum entgegen. Sie ignorierte soziale Organisationen wie "The Club" und entschied sich stattdessen für das Leben einer Außenseiterin in der Kunstwelt. Trotz aller, die an ihr zweifelten und sie entmutigten, hatte sie Erfolg. Dieses Zitat erklärt warum.

7. „Es gibt uns einen Ort, um durch die drei Dimensionen in die vierte und darüber hinaus zu gelangen. Es ist wirklich ein Ort, an dem man durch Materie in den Geist geht.“

Nevelson beschrieb sich selbst nicht als Malerin oder Bildhauerin, sondern als Architektin, die mit Schatten und Licht baut. Ihre Liebe zum Kubismus inspirierte sie dazu, immer Werke zu schaffen, die Bewegung belohnten – ein Ausdruck der vierten Dimension. Sie war daran interessiert, Umgebungen zu schaffen, in die sowohl Körper als auch Geist reisen konnten.

Louise Nevelson - Untitled, 1985. Holz schwarz lackiert. 44 × 22 × 17 1/5 Zoll; 111,8 × 55,9 × 43,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York

8. „Wenn du kreativ bist, gibt es eine zusätzliche Energie, die alles andere übertrifft.“

Nevelson war eine notorisch private und disziplinierte Künstlerin. Sie glaubte, dass die Aufregungen, die Dinge außerhalb der kreativen Arbeit boten, im Vergleich zu dem Rausch, den sie in ihrem Atelier erlebte, verblassten. Als ihre mittlerweile berühmte Installation "Dawn’s Wedding Feast" in der Ausstellung "Sixteen Americans" im MoMA Premiere feierte, sagte sie, dass sie teilweise ihre Ehe mit ihrer Arbeit symbolisierte.

9. „Es ist nicht, wie ich lebe, sondern wie ich mein Leben beende.“

Als Nevelson jung war, discouragierte ihre Familie sie davon, Künstlerin zu werden, indem sie ihr sagten, dass es ihr keinen komfortablen Lebensstil bieten würde. Selbst damals wusste sie, dass sie nur dann Frieden finden würde, wenn sie starb, wenn sie sich selbst treu blieb.

Vorschaubild: Louise Nevelson - Maquette für Night Wall VI, 1977-1979. Geschweißter Stahl, schwarz lackiert. 25 × 27 1/2 × 9 4/5 Zoll; 63,5 × 69,8 × 24,8 cm. Pace Gallery. © 2018 Nachlass von Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio