Arshile Gorky erhält 2019 die erste italienische Retrospektive

Die Internationale Galerie für Moderne Kunst Ca' Pesaro in Venedig wird 2019 eine ehrgeizige Retrospektive zu Arshile Gorky veranstalten. Unter dem Titel „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird sie zeitgleich mit der 58. Biennale von Venedig stattfinden. Es wird die erste umfassende Gorky-Ausstellung in Italien sein, und die Kuratoren hoffen, eine neue Theorie über den Künstler darzulegen: dass die Grundbausteine seines reifen Stils „schon in den frühesten Phasen seiner Laufbahn“ vorhanden waren. Wenn Kritiker über Gorky schreiben, können sie nicht umhin, die verschiedenen Einflüsse in seinen Gemälden hervorzuheben. Sie sagen, sein Frühwerk sei von Paul Cézanne beeinflusst gewesen; sein Werk der mittleren Schaffensphase von Pablo Picasso, Georges Braque und Piet Mondrian; und sein reifes Werk von Joan Miró. „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ will diese Auffassung widerlegen. Sollte dies gelingen, würde es dem Ruf dieses faszinierenden Künstlers großen Dienst erweisen und zugleich eine neue Perspektive bieten, um sein Vermächtnis zu analysieren. War er wirklich eine modernistische Brücke zwischen Impressionismus, Kubismus, Surrealismus und abstraktem Expressionismus, wie Historiker oft behaupten? Oder war er tatsächlich der erste Postmoderne? Schließlich lehnte er die Vorstellung ab, dass Theorie und kunsthistorische Erzählungen Vorrang vor individuellen künstlerischen Impulsen haben. Und wie die Postmodernen glaubte er auch an das angeborene Recht des Betrachters, ein Kunstwerk mit seiner persönlichen Interpretation „zu vollenden“. Wenn diese Ausstellung alles wird, was sie sein könnte, dann könnten wir statt zu sagen, Gorky habe andere Stile kopiert oder imitiert, ihn als den ersten Künstler der Aneignung ansehen, einen Vordenker, der zugleich die Echtheit und Originalität der Vergangenheit feierte und hinterfragte.

Entwicklung eines persönlichen Stils

Die frühesten Werke in „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ stammen aus den 1920er Jahren, als Gorky erstmals in die Vereinigten Staaten kam. Geboren 1904 in der Türkei, verbrachte Gorky seine frühen Jahre als Flüchtlingskind, das zusammen mit seiner Schwester und Mutter vor dem armenischen Völkermord durch die Osmanen floh. Seine Mutter starb an Hunger in seinen Armen, als Gorky 14 Jahre alt war. 1919 gelang es ihm und seiner Schwester, in die USA zu fliehen und sich ihrem Vater in Providence, Rhode Island, anzuschließen, der Jahre zuvor eingewandert war. Dort erhielt Gorky seine erste formale künstlerische Ausbildung. Während seines Studiums an der New School of Design in Boston kam er mit den Werken Cézannes in Berührung. 1925 zog er nach New York City und besuchte Kurse an der Grand Central School of Art und der National Academy of Design, wo er eine Vielzahl modernistischer Stile kennenlernte, wie deutschen Expressionismus, Fauvismus, Kubismus und Surrealismus.

Arshile Gorky - Selbstporträt, um 1937, Öl auf Leinwand, 141 x 86,4 cm / 55 ½ x 34 Zoll. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

In New York traf Gorky auch andere Einwandererkünstler wie sich selbst, die aus anderen vom Krieg zerrissenen Ländern der Welt geflohen waren. Der Kontakt mit diesen Gleichgesinnten half ihm, die Chancen zu erkennen, die Amerika bot. Er fühlte sich befähigt, sich neu zu erfinden und aus seiner Kunst alles zu machen, was er wollte. Er änderte seinen Namen von Vostanik Manoug Adoian in Arshile Gorky und schöpfte frei aus den verschiedenen Stilen, mit denen er in Berührung kam. „Staten Island“ (1927) weist auf den Postimpressionismus und Fauvismus hin. „Stillleben mit Krug“ (1928) deutet auf synthetischen Kubismus hin. „Organisation (1933-36)“ verweist auf De Stijl. Doch keines dieser Gemälde zeigt, dass Gorky tatsächlich die Philosophien dieser Stile übernahm. Er eignete sich nur deren formale Tendenzen an – alles andere machte er zu seinem Eigenen. So wie er seinen eigenen Namen und seine Identität aus Teilen der Namen und Identitäten anderer zusammensetzte, formte er seinen eigenen ästhetischen Stil aus Teilen der Stile der Vergangenheit.

Arshile Gorky - Das Limit, 1947, Öl auf Papier auf Leinwand montiert, 128,9 x 157,5 cm / 50 3/4 x 62 Zoll. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Öffentlich-private Partnerschaften

Ein großer Teil des Fokus in „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird auf die letzten fünf Jahre seines Lebens gerichtet sein. Trotz des Elends seiner Jugend konkurrieren seine letzten Jahre mühelos um die tragischsten. Eine Reihe schwerer gesundheitlicher Probleme und Liebesnöte gipfelten in einem Atelierbrand, der einen Großteil seiner Werke zerstörte und Gorky 1948 in den Selbstmord trieb. Inmitten dieser schrecklichen Zeit schuf er einige seiner fesselndsten Gemälde. Er nahm eine völlig abstrakte Ästhetik an, gab jedem Bild jedoch einen erzählerischen Titel, der auf ein intimes Detail seines eigenen Lebens verweist. Diese späten Gemälde werden selten mit Werken anderer Künstler der Vergangenheit verglichen; stattdessen gelten sie als Werke, die die Zukunft vorwegnahmen. Die lockere Komposition, die lyrischen Pinselstriche und die frei tropfenden Farbflecken in „Wie sich die bestickte Schürze meiner Mutter in meinem Leben entfaltet“ (1944) hätten leicht 20 Jahre später von Joan Mitchell gemalt sein können. Das rustikale Geflecht aus Flecken, Kritzeleien und malerischen Markierungen in „Den Kalender machen“ (1947) hätte leicht drei Jahrzehnte später von Cy Twombly stammen können.

Arshile Gorky - Porträt von Meister Bill, um 1937, Öl auf Leinwand, 132,4 x 101,9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 Zoll. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Diese letzten Gemälde sind auch ein wesentlicher Grund dafür, warum Gorky als so einflussreich für die abstrakten Expressionisten gilt. Dies war die Zeit in seinem Leben, in der er angeblich Willem de Kooning half, seine Stimme zu finden, und Jackson Pollock Zugang zu seinem Unterbewusstsein zu bekommen. Doch ich hoffe, dass diese kommende Ausstellung in Venedig zeigen wird, dass diese Dinge nicht die Grenze dessen darstellen, was Gorky zu lehren hatte. Er sagte seinen Zeitgenossen nicht nur, einer bestimmten Methode zu folgen. Er lehrte sie Selbstvertrauen; dass sie frei waren, jeden Stil und jede Methode zugleich zu vermischen, um ihren eigenen Weg zu finden. Seine eigene Methode war ein Hybrid aus allem, was er je gesehen und erlebt hatte. Wie er selbst war sie teils Wahrheit, teils Fiktion, teils Wirklichkeit und teils Abstraktion. „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird hoffentlich Gorky auf diese Weise neu definieren – nicht als Nachahmer, sondern als einen der ersten Künstler des 20. Jahrhunderts, der sowohl die Autonomie des Künstlers bejahte als auch die Vorstellung ablehnte, dass Bewegungen nur einer Zeit angehören oder Künstler nur einem Stil zugeordnet werden können.

„Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird vom 8. Mai bis 22. September 2019 in der Internationalen Galerie für Moderne Kunst Ca’ Pesaro in Venedig zu sehen sein.

Titelbild: Arshile Gorky - Ein Jahr der Seidenpflanze, 1944, Öl auf Leinwand, 94,2 x 119,3 cm / 37 1/16 x 46 15/16 Zoll. National Gallery of Art, Washington, D.C. Ailsa Mellon Bruce Fund © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.
Von Phillip Barcio