Arshile Gorky erhält 2019 die erste italienische Retrospektive

Die Ca' Pesaro Internationale Galerie für Moderne Kunst in Venedig wird 2019 eine ehrgeizige Retrospektive von Arshile Gorky präsentieren. Mit dem Titel „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird sie mit der 58. Biennale von Venedig zusammenfallen. Es wird die erste umfassende Gorky-Ausstellung in Italien sein, und die Kuratoren hoffen, eine neuartige Theorie über den Künstler zu formulieren: dass die Grundbausteine seines reifen Stils „von den frühesten Phasen seiner Karriere“ vorhanden waren. Wenn Kritiker über Gorky schreiben, können sie nicht umhin, auf die verschiedenen Einflüsse hinzuweisen, die in seinen Gemälden präsent sind. Sie sagen, sein frühes Werk sei von Paul Cézanne beeinflusst; sein Werk aus der Mitte seiner Karriere von Pablo Picasso, Georges Braque und Piet Mondrian; und sein reifes Werk von Joan Miró. „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ zielt darauf ab, diese Vorstellung zu widerlegen. Wenn es erfolgreich ist, würde es dem Ruf dieses faszinierenden Künstlers großen Dienst erweisen und gleichzeitig eine frische Perspektive bieten, um sein Erbe zu analysieren. War er wirklich eine modernistische Brücke zwischen Impressionismus, Kubismus, Surrealismus und abstraktem Expressionismus, wie Historiker oft argumentieren? Oder war er tatsächlich der erste Postmodernist? Schließlich wies er die Idee zurück, dass Theorie und kunsthistorische Narrative Vorrang vor individuellen künstlerischen Impulsen haben. Und wie die Postmodernisten glaubte er auch an das inhärente Recht des Betrachters, ein Kunstwerk mit seiner persönlichen Interpretation zu „vollenden“. Wenn diese Ausstellung alles wird, was sie sein könnte, könnten wir ihn, anstatt zu sagen, Gorky habe andere Stile kopiert oder imitiert, als den ersten Appropriation-Künstler betrachten, einen Vordenker, der gleichzeitig die Authentizität und Originalität der Vergangenheit feierte und in Frage stellte.

Einen persönlichen Stil entwickeln

Die frühesten Werke in "Arshile Gorky: 1904 – 1948" stammen aus den 1920er Jahren, als Gorky erstmals in den Vereinigten Staaten ankam. Gorky wurde 1904 in der Türkei geboren und verbrachte seine frühen Jahre als Kinderflüchtling, als er zusammen mit seiner Schwester und seiner Mutter vor dem armenischen Völkermord durch die Osmanischen Türken floh. Seine Mutter starb in seinen Armen an Hunger, als Gorky 14 Jahre alt war. 1919 gelang es ihm und seiner Schwester, in die USA zu fliehen und sich ihrem Vater in Providence, Rhode Island, anzuschließen, wo er Jahre zuvor eingewandert war. Dort erhielt Gorky seine erste formale künstlerische Ausbildung. Er begegnete den Arbeiten von Cézanne, während er an der New School of Design in Boston studierte. 1925 zog er nach New York City und nahm Unterricht an der Grand Central School of Art und der National Academy of Design, wo er auf eine Vielzahl von modernistischen Stilen wie deutscher Expressionismus, Fauvismus, Kubismus und Surrealismus traf.

Arshile Gorky - Selbstporträt, ca. 1937, Öl auf Leinwand, 141 x 86,4 cm / 55 ½ x 34 Zoll. © 2018 Die Arshile Gorky Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

New York ist auch der Ort, an dem Gorky andere Einwandererkünstler wie ihn traf, die aus anderen kriegsgeplagten Ländern der Welt geflohen waren. Der Kontakt zu diesen gleichgesinnten Seelen half ihm, die Möglichkeiten zu erkennen, die Amerika bot. Er fühlte sich ermächtigt, sich neu zu erfinden und aus seiner Kunst alles zu machen, was er wollte. Er änderte seinen Namen von Vostanik Manoug Adoian in Arshile Gorky und schöpfte großzügig aus den verschiedenen Stilen, mit denen er in Kontakt kam. "Staten Island" (1927) deutet auf Post-Impressionismus und Fauvismus hin. "Stillleben mit Krug" (1928) deutet auf synthetischen Kubismus hin. "Organisation (1933-36)" verweist auf De Stijl. Doch keine dieser Malereien zeigt, dass Gorky tatsächlich die Philosophien dieser Stile übernahm. Er übernahm nur deren plastische Tendenzen – alles andere machte er sich zu eigen. So wie er seinen eigenen Namen und seine Identität konstruierte, indem er Teile der Namen und Identitäten anderer verwendete, konstruierte er seinen eigenen ästhetischen Stil, indem er Teile der Stile der Vergangenheit verwendete.

Arshile Gorky - The Limit, 1947, Öl auf Papier auf Leinwand montiert, 128,9 x 157,5 cm / 50 3/4 x 62 in. © 2018 Die Arshile Gorky Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Öffentlich-Private Partnerschaften

Ein großer Teil des Fokus in „Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird auf die letzten fünf Jahre seines Lebens gerichtet sein. Trotz des Elends seiner Jugend können seine letzten Jahre leicht mit den tragischsten konkurrieren. Eine Reihe von schweren gesundheitlichen Herausforderungen und romantischen Problemen kulminierte in einem Studiofeuer, das einen Großteil seiner Arbeiten zerstörte, was Gorky 1948 zur Selbsttötung führte. Inmitten dieser schrecklichen Zeit schuf er einige seiner fesselndsten Gemälde. Er nahm eine völlig abstrakte Ästhetik an, gab jedoch jedem Gemälde einen narrativen Titel, der auf ein intimes Detail seines eigenen Lebens verweist. Diese späten Gemälde werden nicht oft mit den Werken anderer Künstler der Vergangenheit verglichen; stattdessen werden sie als Werke angesehen, die die Zukunft voraussagten. Die lockere Komposition, die lyrischen Pinselstriche und die frei tropfenden Farbspritzer in „Wie sich die bestickte Schürze meiner Mutter in meinem Leben entfaltet“ (1944) hätten leicht 20 Jahre später von Joan Mitchell gemalt werden können. Das rustikale Geflecht aus Flecken, Kritzeleien und malerischen Markierungen in „Den Kalender machen“ (1947) hätte leicht drei Jahrzehnte später von Cy Twombly gemalt werden können.

Arshile Gorky - Porträt von Master Bill, ca. 1937, Öl auf Leinwand, 132,4 x 101,9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 in. © 2018 Die Arshile Gorky Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Diese letzten Gemälde sind auch ein wesentlicher Grund dafür, warum Gorky als so einflussreich auf die Abstract Expressionists angesehen wird. Dies war die Zeit seines Lebens, als er angeblich Willem de Kooning half, seine Stimme zu finden, und Jackson Pollock half, mit seinem Unterbewusstsein in Kontakt zu treten. Aber ich hoffe, dass diese bevorstehende Ausstellung in Venedig beweisen wird, dass diese Dinge nicht die Grenze dessen darstellen, was Gorky zu lehren hatte. Er sagte seinen Zeitgenossen nicht nur, dass sie einer bestimmten Methode folgen sollten. Er lehrte sie Selbstständigkeit; dass sie frei waren, jeden Stil und jede Methode gleichzeitig zu vermischen, um ihren eigenen Weg zu finden. Seine eigene Methode war ein Hybrid aus allem, was er je gesehen und erlebt hatte. Wie er war sie teilweise Wahrheit, teilweise Fiktion, teilweise Realismus und teilweise Abstraktion. "Arshile Gorky: 1904 – 1948" wird hoffentlich Gorky auf diese Weise neu definieren – nicht als Imitator, sondern als einen der ersten Künstler des 20. Jahrhunderts, der sowohl die Autonomie des Künstlers umarmte, um den Glauben zu verurteilen, dass Bewegungen zu einer bestimmten Zeit gehören oder dass Künstler zu einem bestimmten Stil gehören.

„Arshile Gorky: 1904 – 1948“ wird vom 8. Mai bis 22. September 2019 in der Ca’ Pesaro International Gallery of Modern Art, Venedig, zu sehen sein.

Vorschaubild: Arshile Gorky - One Year the Milkweed, 1944, Öl auf Leinwand, 94,2 x 119,3 cm / 37 1/16 x 46 15/16 in. National Gallery of Art, Washington, D.C. Ailsa Mellon Bruce Fund © 2018 Der Nachlass von Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.
Von Phillip Barcio