Können wir ein abstraktes Element in der deutschen expressionistischen Kunst finden?

Düster. Ängstlich. Furchteinflößend. Urwüchsig. Grob. Das sind einige der Worte, mit denen Menschen die deutsche expressionistische Kunst beschreiben. Als visuelle Vorstellung dessen, was diese Menschen meinen, denken Sie an Der Schrei, das berühmte Gemälde, das der norwegische Künstler Edvard Munch ab 1893 mehrfach neu schuf. Dieses verzerrte, gefühlsbetonte, schrecklich schöne Bild verkörpert die vielen Gründe, warum Munch eine Hauptinspiration für deutsche expressionistische Maler war. Wer waren also diese Künstler, und was führte sie dazu, eine so düstere Ästhetik zu entwickeln? Vielleicht wäre eine interessantere Frage, ob ihre Ästhetik tatsächlich so düster ist, wie sie scheint. Viele Menschen empfinden die Gemälde der deutschen Expressionisten als eindringlich und anregend. Einige halten sie sogar für aufschlussreich in Bezug auf den menschlichen Geist. Vielleicht gibt es abstrakte Elemente in der deutschen expressionistischen Kunst, die, wenn wir mit ihnen interagieren könnten, uns zu einem tieferen Verständnis der Bedeutung dieser Werke führen könnten. Wenige Kunstrichtungen waren so einflussreich wie der Expressionismus, dessen Tendenzen immer wieder in anderen Bewegungen der modernen Kunstgeschichte auftauchten. Wenn wir unser Verständnis der Feinheiten und Ursprünge dieser faszinierenden Bewegung erweitern können, verstehen wir vielleicht auch den abstrakten Expressionismus, den Neo-Expressionismus und bestimmte aktuelle Entwicklungen in der zeitgenössischen Kunst besser. Vielleicht können wir sogar etwas Wesentliches über uns selbst lernen.

So sehr romantisch

Der deutsche Expressionismus war eine Kunstrichtung des 20. Jahrhunderts, die etwa von 1905 bis 1920 dauerte. Um seine Wurzeln zu verstehen, müssen wir jedoch etwas weiter zurückblicken. Viele der tiefgreifendsten Veränderungen in der Geschichte der westlichen Kunst begannen Mitte des 19. Jahrhunderts. Der Grund lässt sich in zwei Worten zusammenfassen: Industrielle Revolution. Vor etwa 1760 lebten die meisten Menschen in der westlichen Welt entweder ländlich oder als Handwerker. Sie bearbeiteten das Land oder übten einen nicht mechanisierten Beruf aus. Doch in einem Zeitraum von etwa 90 Jahren zwischen 1760 und 1850 änderte sich diese langjährige Lebenswirklichkeit dank des raschen Fortschritts von Technik und Maschinen dramatisch.

Mitte des 19. Jahrhunderts hatten Veränderungen in chemischen und Herstellungsverfahren die meisten landwirtschaftlichen und handwerklichen Arbeitskräfte überflüssig gemacht. Doch die städtische Industrie nahm exponentiell zu. In einem zuvor nie dagewesenen Ausmaß verlagerte sich die Bevölkerung vom Land in die Stadt, und damit änderte sich auch die Lebensweise des durchschnittlichen Menschen radikal. Es gab Vorteile wie sauberes Wasser und erschwingliche Nahrung und Kleidung, aber auch Herausforderungen wie Verschmutzung und Überfüllung. Am störendsten war die Selbstbezogenheit der Stadt, die die Art und Weise veränderte, wie gewöhnliche Menschen miteinander umgingen.

Egon Schiele - Selbstbildnis mit schwarzer Vase und gespreizten Fingern, 1911, 34 x 27,5 cm, Kunsthistorisches Museum, Wien, Österreich

Künstlerische Eindrücke

Die erste künstlerische Bewegung, die aus der Industriellen Revolution hervorging, war die Romantik. Sie entstand, als jene zig Millionen neuer Städter erkannten, dass sie sich nach der idyllischen, bäuerlichen Lebensweise ihrer Vorfahren sehnten. Romantische Künstler stellten die Schönheit der Natur und die Anmut vergangener Zeiten dar. Nach den Romantikern kamen die Impressionisten. Diese Künstler konzentrierten sich ebenfalls auf eher idyllische Motive, gingen aber stilistisch mutige Schritte in Richtung dessen, was schließlich zur Abstraktion werden sollte. Statt präzise realistische Bilder zu malen, nutzten sie neue Techniken und übertrieben ihre Farbpaletten, um den Eindruck ihrer Motive schön und meisterhaft zu vermitteln, mit besonderem Augenmerk auf die Wiedergabe der Lichtverhältnisse.

Doch um die Jahrhundertwende entstand eine weitere Künstlergeneration, die keinerlei Verbindung zur bäuerlichen Vergangenheit hatte und kein Interesse daran, bestehende ästhetische Traditionen fortzuführen. Es waren die Kinder der Kinder der Industriellen Revolution. Sie waren völlig entfremdet von der idealistischen Welt, die die Impressionisten, geschweige denn die Romantiker, darzustellen versuchten. Diese Künstler waren voller Angst. Ihre Gemälde stellten nicht die objektive Außenwelt dar. Vielmehr drückten sie die subjektive Innenwelt von Gefühlen und Lebenserfahrungen aus.

Oskar Kokoschka - Die Braut des Windes, 1913 - 1914, Öl auf Leinwand, 181 cm × 220 cm, Kunstmuseum Basel

Die deutschen Expressionisten

Diese subjektiven Lebenserfahrungen waren geprägt von Angst, Furcht, Entfremdung von der Natur und Absonderung von anderen Menschen. Da diese Erfahrung in der industrialisierten Welt allgegenwärtig war, traten verschiedene Ausprägungen der expressionistischen Tendenz in unterschiedlichen Ländern etwa zur gleichen Zeit auf. Dennoch meinen die meisten Historiker, wenn sie von Expressionismus sprechen, zuerst den deutschen Expressionismus, da die Künstler, die die wichtigsten ästhetischen Strömungen der Bewegung begründeten, zur Blütezeit der Epoche in Deutschland lebten oder arbeiteten.

Wenn man nach abstrakten Tendenzen in den Werken dieser deutschen Expressionisten sucht, hilft es, die beiden Maler zu analysieren, die sie am meisten beeinflussten. Der erste, wie bereits erwähnt, war Edvard Munch. Sein üppiger, dunkler, dramatischer und sehr eindringlicher Malstil fing die entfremdete Empfindsamkeit des städtischen Lebens um die Jahrhundertwende ein. Seine übertriebenen Gesten und extreme Farbpalette riefen Emotionen bei den Betrachtern hervor und verbanden sie mit den Gefühlen des Malers. Gustav Klimt war der andere Maler, der die Expressionisten inspirierte, jedoch auf eine andere Weise. Klimt wurde von den Symbolisten beeinflusst. Er verwendete mythische, albtraumhafte Figuren in seinen Werken und integrierte düster-symbolische Bilder. Seine Leinwände enthielten große Flächen abstrahierter Bilder, und die figürlichen Elemente waren grob verzerrt, um Drama und Emotion zu maximieren.

Gustav Klimt - Die drei Lebensalter der Frau, 1905, Öl auf Leinwand, 1,8 m x 1,8 m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rom, Italien

Die Brücke

Zwei Hauptschulen des deutschen Expressionismus entstanden schließlich, die die unterschiedlichen Einflüsse von Munch und Klimt widerspiegelten. Die erste war eine Gruppe von vier aufstrebenden Malern, Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff und Fritz Bleyl, die sich Die Brücke nannten. Ihr Name wurde von einem Zitat aus dem Buch Also sprach Zarathustra: Ein Buch für Alle und Keinen von Friedrich Nietzsche inspiriert, das lautet: „Was groß ist am Menschen, ist, dass er eine Brücke ist und kein Ziel.“

Verzerrte Figuren und extreme Farbpaletten vereinten die Künstler der Brücke; direkte Einflüsse von Edvard Munch. Die Figuren in den Holzschnitten von Erich Heckel sind isoliert, stoisch und losgelöst. Ihre groben Gesichter wirken animalisch. Sie erscheinen wie wandelnde Skelette. In den schockierenden, neonfarbenen, städtischen Landschaften von Ernst Kirchner sind alle Figuren isoliert, anonym, allein im Kampf, außer den Prostituierten, die glücklich wirken, aber die ultimative Kommerzialisierung und Zerstörung des menschlichen Geistes darstellen.

Ernst Ludwig Kirchner - Straße, Berlin, 1913, Öl auf Leinwand, 120,6 x 91,1 cm, MoMA Sammlung

Die Blauen Reiter

Die andere Hauptgruppe des deutschen Expressionismus hieß Die Blauen Reiter. Sie umfasste Wassily Kandinsky, Franz Marc und Paul Klee sowie mehrere andere. Sie wurden nach einer Figur in einem Kandinsky-Gemälde namens Das Jüngste Gericht benannt. Das Gemälde war von einer Ausstellung wegen seines abstrakten Inhalts abgelehnt worden, weshalb Kandinsky das Bild als symbolische Anspielung heranzog.

In dem Gemälde symbolisierte der Blaue Reiter den Übergang von der objektiven in die mystische Welt, den Kandinsky als analog zu dem Übergang sah, den er und die anderen mit ihrer Kunst zu erreichen versuchten. Die Maler der Blauen Reiter setzten weniger auf Form und Darstellung, sondern mehr auf formale Eigenschaften wie Farbe, um emotionale Zustände zu vermitteln. Ihre Kompositionen waren dramatisch, lebendig und chaotisch. Sie vermittelten ein Gefühl von Gewalt und Angst, deuteten aber auch auf kosmische Brillanz und die zugrundeliegenden Harmonien des geistigen Bereichs hin.

Wassily Kandinsky - Das Jüngste Gericht, 1912, Öl auf Leinwand, Privatsammlung

Abstraktion im Expressionismus

Offensichtlich haben viele deutsche Expressionisten die Abstraktion in ihren Werken voll angenommen. Sie trennten Farbe, Form und Linie von der objektiven Darstellung und nutzten sie, um emotionale Zustände auszudrücken und emotionale Reaktionen bei den Betrachtern hervorzurufen. Aber was können wir als abstrakt an den eher figürlichen expressionistischen Werken bezeichnen? Ein abstraktes Element ist sicherlich die reduktive Qualität ihrer Gemälde. Alles, was für die Komposition nicht notwendig ist, fällt weg. Das drückt direkt die Angst des frühen 20. Jahrhunderts aus. Industrie und Krieg ließen viele Menschen fühlen, dass die Menschheit nur eine Masse anonymer, grotesker Schattenwesen sei. Jeder Unnötige schien wegzufallen. Vielleicht ist das gemeint, wenn Menschen sagen, dass deutsche expressionistische Kunst düster, ängstlich, furchteinflößend, urwüchsig oder grob ist.

Ein weiteres abstraktes Element des deutschen Expressionismus sendet jedoch die entgegengesetzte Botschaft. Dieses Element geht von den wirbelnden Pinselstrichen und der kodifizierten, symbolischen Bildsprache aus. So viele Figuren in diesen Gemälden scheinen in einer Welt ohne Sinn gefangen zu sein. Sie sind in Bewegung, aber von Unsicherheit umgeben. Dennoch sind sie gefühlsbetont. Das vermittelt etwas, wenn auch nur abstrakt. Es sagt, dass die Gefühle eines einzelnen Menschen wichtig sind. Ob es die Gefühle des Malers sind, wie bei den Gemälden von Wassily Kandinsky und Franz Marc, oder die Gefühle der Figur im Werk, wie bei den Gemälden von Edvard Munch, Erich Heckel und Ernst Kirchner – die Expressionisten vermittelten, dass trotz der Tendenz der Moderne, uns zu entmenschlichen, der einzelne menschliche Geist zählt. Das ist Unbezwingbarkeit. Es ist der Glaube, dass Selbstausdruck immer relevant ist. Das inspirierte die abstrakten Expressionisten und die Neo-Expressionisten und inspiriert auch heute noch Künstler. Und es ist das, was Ernst Kirchner meinte, als er über die Expressionisten sagte: „Jeder, der direkt und ehrlich wiedergibt, was ihn zum Schaffen treibt, ist einer von uns.“

Titelbild: Edvard Munch - Der Schrei, 1893, Öl, Tempera und Pastell auf Pappe, 91 cm × 73,5 cm, Nationalgalerie, Oslo, Norwegen
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio