Können wir ein abstraktes Element in der deutschen expressionistischen Kunst finden?

Dunkel. Ängstlich. Beängstigend. Primitiv. Grob. Das sind einige der Worte, die Menschen verwenden, um deutsche Expressionismus Kunst zu beschreiben. Für eine visuelle Referenz dessen, was diese Menschen meinen, stellen Sie sich Der Schrei vor, das berühmte Gemälde, das mehrfach von dem norwegischen Künstler Edvard Munch ab 1893 neu interpretiert wurde. Dieses verzerrte, emotionale, schrecklich schöne Bild verkörpert die vielen Gründe, warum Munch eine primäre Inspiration für deutsche Expressionisten war. Wer waren also diese Künstler, und was führte sie dazu, eine so bedrohliche Ästhetik zu entwickeln? Vielleicht wäre eine interessantere Frage, ob ihre Ästhetik tatsächlich so bedrohlich ist, wie sie scheint. Viele Menschen empfinden die Gemälde der deutschen Expressionisten als gespenstisch und anregend. Einige betrachten sie sogar als aufschlussreich über den menschlichen Geist. Vielleicht gibt es abstrakte Elemente in der deutschen Expressionismus-Kunst, die, wenn wir mit ihnen interagieren könnten, uns zu einem tieferen Verständnis der Bedeutung dieser Werke führen könnten. Wenige Kunstbewegungen waren so einflussreich wie der Expressionismus, dessen Tendenzen immer wieder in anderen Bewegungen während der modernen Kunstgeschichte aufgetaucht sind. Wenn wir unser Verständnis der Nuancen und Ursprünge dieser faszinierenden Bewegung erweitern können, könnten wir auch das Abstract Expressionism, Neo-Expressionism und bestimmte aktuelle Entwicklungen in der zeitgenössischen Kunst besser verstehen. Vielleicht können wir sogar etwas Wesentliches über uns selbst lernen.

So sehr romantisch

Der deutsche Expressionismus war eine Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts, die etwa von 1905 bis 1920 datiert wird. Um jedoch seine Wurzeln zu verstehen, müssen wir etwas weiter zurückblicken. Viele der tiefgreifendsten Veränderungen in der Geschichte der westlichen Kunst begannen in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Der Grund lässt sich in zwei Worten zusammenfassen: Industrielle Revolution. Vor etwa 1760 lebten die meisten Menschen in der westlichen Welt entweder ein ländliches oder ein handwerkliches Leben. Sie arbeiteten entweder auf dem Land oder in einem nicht mechanisierten Gewerbe. Doch während eines Zeitraums von 90 Jahren zwischen etwa 1760 und 1850 änderte sich diese langjährige Realität des Lebens dramatisch dank des raschen Fortschritts von Technologie und Maschinen.

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts hatten Veränderungen in chemischen und Herstellungsprozessen die meisten landwirtschaftlichen und handwerklichen Arbeitskräfte obsolet gemacht. Aber die städtische Industrieaktivität nahm exponentiell zu. In einem nie zuvor gesehenen Ausmaß verlagerte sich die Bevölkerung vom Land in die Stadt, und damit änderte sich der Lebensstil des typischen Menschen auf radikale Weise. Es gab Vorteile, wie sauberes Wasser und erschwingliche Lebensmittel und Kleidung, aber auch Herausforderungen, wie Umweltverschmutzung und Überbevölkerung. Am disruptivsten war die Selbstbezogenheit der Urbanität, die die Art und Weise veränderte, wie durchschnittliche Menschen miteinander umgingen.

Egon Schiele - Selbstporträt mit schwarzer Vase und gespreizten Fingern, 1911, 34 x 27,5 cm, Kunsthistorisches Museum, Wien, Österreich

Künstlerische Impressionen

Die erste künstlerische Bewegung nach der Industriellen Revolution war der Romanticismus. Er entstand, als die zig Millionen neuen Stadtbewohner erkannten, dass sie sich nach den ländlichen, agrarischen Lebensweisen ihrer Vorfahren sehnten. Romantische Künstler stellten die Schönheit der natürlichen Welt und die Eleganz vergangener Zeiten dar. Nach den Romantikern kamen die Impressionisten. Diese Künstler konzentrierten sich ebenfalls auf eher idyllische Themen, aber stilistisch machten sie mutige Schritte in Richtung dessen, was schließlich Abstraktion werden sollte. Anstatt präzise realistische Bilder zu malen, verwendeten sie neue Techniken und übertrieben ihre Farbpaletten, um den Eindruck ihrer Motive schön und meisterhaft zu vermitteln, wobei sie besonders darauf achteten, die Eigenschaften des Lichts einzufangen.

Aber um die Jahrhundertwende tauchte eine weitere Generation von Künstlern auf, die keine Verbindung zur agrarischen Vergangenheit hatte und kein Verlangen verspürte, bestehende ästhetische Traditionen fortzusetzen. Dies waren die Kinder der Kinder der Industriellen Revolution. Sie waren völlig entfremdet von der idealistischen Welt, die die Impressionisten, geschweige denn die Romantiker, darzustellen versuchten. Diese Künstler waren voller Angst. Ihre Gemälde stellten nicht die objektive Außenwelt dar. Vielmehr drückten sie die subjektive Innenwelt von Emotionen und Lebenserfahrungen aus.

Oskar Kokoschka - Die Braut des Windes, 1913 - 1914, Öl auf Leinwand, 181 cm × 220 cm (71 in × 87 in), Kunstmuseum Basel

Die deutschen Expressionisten

Diese subjektiven Lebenserfahrungen waren von Angst, Furcht, Entfremdung von der Natur und Entfremdung von anderen Menschen geprägt. Da diese Erfahrung in der industrialisierten Welt allgegenwärtig war, manifestierten sich verschiedene Versionen der expressionistischen Tendenz in unterschiedlichen Ländern zur gleichen Zeit. Dennoch meinen die meisten Historiker, wenn sie von Expressionismus sprechen, zunächst den deutschen Expressionismus, da die Künstler, die die meisten wichtigen ästhetischen Strömungen der Bewegung begründeten, zur Blütezeit der Periode in Deutschland lebten oder arbeiteten.

Wenn man nach abstrakten Tendenzen in der Arbeit dieser deutschen Expressionisten sucht, hilft es, die beiden Maler zu analysieren, die sie am meisten beeinflusst haben. Der erste, wie wir bereits erwähnt haben, war Edvard Munch. Sein üppiger, dunkler, dramatischer und hochgradig evocativer Malstil erfasste die entfremdete Sensibilität des städtischen Lebens zu Beginn des Jahrhunderts. Seine übertriebenen Gesten und die extreme Farbenpalette erregten Emotionen bei den Betrachtern und verbanden sie mit den Gefühlen des Malers. Gustav Klimt war der andere Maler, der die Expressionisten inspirierte, aber er tat dies auf eine andere Art und Weise. Klimt wurde von den Symbolisten beeinflusst. Er verwendete mythische, albtraumhafte Figuren in seiner Arbeit und integrierte dunkel symbolische Bilder. Seine Leinwände enthielten große Felder abstrahierter Bilder, und die figürlichen Elemente waren grob verzerrt, um Drama und Emotion zu maximieren.

Gustav Klimt - Die drei Lebensalter der Frau, 1905, Öl auf Leinwand, 1,8m x 1,8m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rom, Italien

Die Brücke

Zwei Hauptschulen des deutschen Expressionismus entstanden schließlich, und sie spiegelten die unterschiedlichen Einflüsse von Munch und Klimt wider. Die erste war eine Gruppe von vier aufstrebenden Malern, Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff und Fritz Bleyl, die sich Die Brücke nannten. Ihr Name wurde von einem Zitat aus dem Buch Also sprach Zarathustra: Ein Buch für Alle und Keinen von Friedrich Nietzsche inspiriert, das lautet: „Was groß ist am Menschen, ist, dass er eine Brücke und kein Ende ist."

Verzerrte Figurationen und extreme Farbpaletten vereinten die Künstler der Brücke; direkte Einflüsse von Edvard Munch. Die Figuren in den Holzschnitten von Erich Heckel sind isoliert, stoisch und disconnected. Ihre brutalen Gesichter wirken animalisch. Sie erscheinen wie wandelnde Skelette. In den schockierenden, neonfarbenen, urbanen Landschaften von Ernst Kirchner sind alle Figuren isoliert, anonym, allein in ihrem Kampf, außer den Prostituierten, die glücklich erscheinen, aber die ultimative Kommerzialisierung und Zerstörung des menschlichen Geistes repräsentieren.

Ernst Ludwig Kirchner - Straße, Berlin, 1913, Öl auf Leinwand, 47 1/2 x 35 7/8 Zoll, 120,6 x 91,1 cm, MoMA Sammlung

Die Blauen Reiter

Die andere Hauptgruppe des deutschen Expressionismus wurde Die Blaue Reiter genannt. Sie umfasste Wassily Kandinsky, Franz Marc und Paul Klee, unter mehreren anderen. Sie wurden nach einer Figur in einem Gemälde von Kandinsky mit dem Titel Das Jüngste Gericht benannt. Das Gemälde war aufgrund seines abstrakten Inhalts von einer Ausstellung abgelehnt worden, und so berief sich Kandinsky auf das Gemälde als symbolische Referenz.

In dem Gemälde symbolisierte der Blaue Reiter den Übergang von der objektiven in die mystische Welt, den Kandinsky als analog zu dem Übergang sah, den er und die anderen mit ihrer Kunst zu erreichen versuchten. Die Maler des Blauen Reiters verließen sich weniger auf Form und Figuration und mehr auf formale Qualitäten wie Farbe, um emotionale Zustände zu vermitteln. Ihre Kompositionen waren dramatisch, lebhaft und chaotisch. Sie kommunizierten ein Gefühl von Gewalt und Angst, deuteten aber auch auf kosmische Brillanz und die zugrunde liegenden Harmonien des spirituellen Bereichs hin.

Wassily Kandinsky - Das Jüngste Gericht, 1912, Öl auf Leinwand, Privatbesitz

Abstraktion im Expressionismus

Offensichtlich haben viele deutsche Expressionisten die Abstraktion in ihrer Arbeit voll und ganz angenommen. Sie trennten Farbe, Form und Linie von der objektiven Darstellung und verwendeten sie, um emotionale Zustände zu vermitteln und emotionale Reaktionen bei den Betrachtern hervorzurufen. Aber was können wir über die figurativeren expressionistischen Werke als abstrakt bezeichnen? Ein abstraktes Element ist sicherlich die reduktive Qualität ihrer Gemälde. Alles, was für die Komposition nicht notwendig ist, fällt weg. Dies drückt direkt die Angst des frühen 20. Jahrhunderts aus. Industrie und Krieg ließen viele Menschen das Gefühl haben, dass die Menschheit nur eine Masse anonymer, grotesker Schattenmenschen war. Jeder, der nicht notwendig war, schien wegzufallen. Vielleicht ist das, was die Leute meinen, wenn sie sagen, dass die deutsche expressionistische Kunst dunkel, ängstlich, beängstigend, primitiv oder grob ist.

Aber ein weiteres abstraktes Element des deutschen Expressionismus sendet die gegenteilige Botschaft. Dieses Element strömt aus den wirbelnden Pinselstrichen und der kodifizierten, symbolischen Bildsprache. So viele Figuren in diesen Gemälden scheinen in einer Welt ohne Bedeutung gefangen zu sein. Sie sind in Bewegung, aber von Unsicherheit umgeben. Dennoch sind sie emotional. Das kommuniziert etwas, wenn auch nur abstrakt. Es sagt, dass die Emotionen eines einzelnen Menschen von Bedeutung sind. Ob es die Emotion des Malers ist, wie bei den Gemälden von Wassily Kandinsky und Franz Marc, oder die Emotionen der Figur im Werk, wie bei den Gemälden von Edvard Munch, Erich Heckel und Ernst Kirchner, die Expressionisten kommunizierten, dass trotz der Tendenz der Moderne, uns entmenschlicht fühlen zu lassen, der individuelle menschliche Geist von Bedeutung ist. Das ist Unbezwingbarkeit. Es ist der Glaube, dass es immer relevant ist, sich auszudrücken. Es ist das, was die Abstrakten Expressionisten und die Neo-Expressionisten inspirierte und was weiterhin Künstler heute inspiriert. Und es ist das, was Ernst Kirchner meinte, als er über die Expressionisten sagte: “Jeder, der direkt und ehrlich das wiedergibt, was ihn zum Schaffen antreibt, ist einer von uns."

Vorschaubild: Edvard Munch - Der Schrei, 1893, Öl, Tempera und Pastell auf Karton, 91 cm × 73,5 cm, 36 in × 28,9 in, Nationalgalerie, Oslo, Norwegen
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio